Fotografia e fotografi

Giorgio Di Noto ha progressivamente indagato la fotografia come mezzo instabile, ambiguo, sempre in bilico tra documento e invenzione. Questa traiettoria trova una nuova declinazione nella ricerca condotta nei depositi, nel laboratorio di restauro e nell’archivio fotografico del Museo Nazionale Romano: spazi solitamente inaccessibili al pubblico, in cui il passato non si espone ma si conserva, si cataloga, si prepara alla visione futura. Qui l’artista si misura con collezioni di sculture, mosaici, affreschi, epigrafi e oggetti di uso quotidiano dall’età repubblicana al tardo impero, e con lastre, negativi, stampe e diapositive relativi a scavi archeologici, restauri e documentazione di reperti dal primo novecento a oggi. In questo attraversamento, la fotografia di Di Noto diventa allo stesso tempo strumento stratigrafico e poetico, capace di interrogare non solo i reperti, ma anche le immagini fotografiche che li documentano, e con esse le condizioni tecniche e culturali della loro rappresentazione. Scavando tra immagini di archeologie, affiorano le tracce di un complesso processo di manipolazione che, per isolare i reperti, cancella e oscura, trasformando l’atto di rendere visibile in un gesto di sottrazione. Così, il documento diventa reperto, la mascheratura si rovescia in rivelazione, l’intervento tecnico si svela come atto creativo. Affidare a un artista visivo la lettura del patrimonio nascosto del Museo Nazionale Romano significa riconoscere che l’archeologia, come la fotografia, non è mai neutrale: è una pratica di scelta, di montaggio, di costruzione di senso. Il lavoro di Di Noto sembra ricordarci che ogni archivio custodisce più di ciò che dichiara; che la fotografia non è solo documento ma anche linguaggio; che ogni immagine non è mai compimento ma processo e che nel tempo continua a riaprirsi, trasformarsi e generare altre immagini. Con testi di Edith Gabrielli, Agnese Pergola, Alessandro Coco e Andrea Pinotti e una conversazione tra Giorgio Di Noto e Alessandro Dandini de Sylva. In collaborazione con il Museo Nazionale Romano.

Catalogo della mostra, Palazzo Ducale di Guastalla, 20 settembre 2025-1 febbraio 2026.

Storia della fotografia è un viaggio attraverso due secoli di immagini che hanno cambiato il nostro modo di vedere e comprendere il mondo. Il libro ripercorre l'evoluzione della fotografia dalle sue origini ottocentesche, quando la meraviglia chimica della camera oscura e delle lastre d'argento trasformò la realtà in immagine, fino agli anni Ottanta del Novecento, in un percorso ricco di innovazioni, stili e rivoluzioni visive. Attraverso capitoli tematici e cronologici, l'opera esplora l'ascesa del realismo fotografico, che ha reso la macchina fotografica uno strumento di verità e documentazione, e l'irruzione del modernismo, che ha invece esaltato la fotografia come forma d'arte autonoma e sperimentale. Viene analizzato il ruolo della strada come palcoscenico e laboratorio visivo, dove l'istante rubato diventa narrazione; l'affermazione della fotografia nella moda e nel design, ambiti in cui lo stile si fonde con la visione creativa; e il rapporto stretto tra fotografia e scienza, laddove l'obiettivo diventa strumento d'indagine e scoperta. Il libro si chiude con uno sguardo sulla fotografia dell'ultima parte del ventesimo secolo, epoca di transizione tra analogico e digitale, tra documentazione sociale e ricerca estetica. Un'opera pensata per appassionati, studenti e curiosi, che desiderano comprendere come la fotografia non solo abbia raccontato il mondo, ma lo abbia anche trasformato.

Numero uno della collana di fotografia dedicata a Piombino. Roberto ha dedicato una serie di percorsi fotografici sulla sua città di volta in volta riguardanti un aspetto diverso che la sua sensibilità gli ha ispirato. L'obiettivo implacabilmente fissa dei momenti particolari, non disconessi dall'aspetto culturale, infatti alle foto sono via via allegati dei percorsi letterari, storici e della memoria che si fondono idealmente in "trait d'union" tra le foto e lo scritto. Il risultato è una piacevole lettura che va oltre il visto ma che s'insinua piacevolmente nel nostro animo lasciandoci più ricchi di prima.

Riconosciuto a livello internazionale come uno dei maestri contemporanei della fotografia minimalista, il fotografo Michael Kenna nutre un profondo legame con l'Asia. Dopo il suo primo viaggio in Giappone nel 1987, è tornato più volte in Oriente per immortalare con il suo inconfondibile stile i paesaggi del continente asiatico. Silver Haikus offre una retrospettiva tematica dell'opera di Michael Kenna in Asia negli ultimi quarant'anni ed esplora la connessione tra la sua estetica e l'arte asiatica attraverso dialoghi formali tra le sue fotografie e opere provenienti dalle collezioni cinesi, coreane e giapponesi del Musée Guimet. In questo modo, si creano originali corrispondenze e confronti che suggeriscono affinità iconografiche e filosofiche tra questi due mondi. In particolare, il libro analizza l'influenza delle arti asiatiche sul lavoro del fotografo, un'influenza che si manifesta innanzitutto a livello stilistico: la scelta del bianco e nero, l'economia dei mezzi, l'uso del vuoto e il desiderio di suggerire piuttosto che descrivere evocano i dipinti a inchiostro dei letterati cinesi e dei monaci Zen giapponesi. Ma è anche un'influenza di tipo filosofico, con la stessa accettazione della lentezza, a ricerca della perfezione, la ripetizione dei motivi, l'ascesi del lavoro e la dimensione spirituale. Il potere poetico delle fotografie di Kenna, la loro capacità di estrarre emozione dal paesaggio (dalla dignità di un albero o di una roccia) ha portato alcuni critici a descriverle come haiku visivi.

Il volume presenta per la prima volta un nucleo inedito di fotografie di Pablo Volta (1926-2011), restituendo un intenso affresco in bianco e nero degli anni Cinquanta e Sessanta. Le avanguardie artistiche e letterarie, i registi della Nouvelle Vague, i pionieri del prêt-à-porter e le figure politiche che segnarono quell’epoca rivivono nello sguardo del fotografo, capace di cogliere con immediatezza lo spirito di un tempo irripetibile. Volti iconici come Brigitte Bardot, André Breton, Dalida, Salvador Dalí, Christian Dior, Sophia Loren, Jeanne Moreau, Tristan Tzara compongono una galleria straordinaria, spesso arricchita dalla complicità della moglie Ornella. I saggi di Matteo Celli Volta e Walter Guadagnini contestualizzano le immagini, illuminando il fervido clima culturale e sociale in cui si inseriscono. Ne emerge il ritratto di un fotografo che, con sensibilità e intuizione, seppe raccontare il fermento creativo e umano di quegli anni, affermandosi come uno dei protagonisti del fotogiornalismo italiano.

Il volume nasce in occasione della mostra allestita a Castel Sant’Angelo e dedicata a San Giovanni Paolo II, raccontato attraverso l’obiettivo di Gianni Giansanti, uno dei più importanti fotoreporter italiani. Grazie a oltre vent’anni di reportage, il libro restituisce la figura di Karol Wojtyła nei suoi molteplici aspetti: l’uomo semplice, il pontefice protagonista di eventi epocali come la caduta del Muro di Berlino, e il santo che ha segnato profondamente la storia spirituale e politica del Novecento. Le immagini si intrecciano con saggi critici, testimonianze e documenti che guidano il lettore in un percorso visivo e spirituale. Ne emerge il ritratto di un papa che ha saputo parlare con un linguaggio universale fatto di gesti, prossimità e coraggio, e di un fotografo capace di trasformare ogni scatto in memoria storica e racconto poetico. Il catalogo non è solo un omaggio alla santità di Giovanni Paolo II, ma anche alla sensibilità artistica di Giansanti, che ha saputo coglierne lo sguardo, i gesti e la presenza carismatica, restituendo un viaggio nella memoria e un invito a riscoprire i valori universali di pace, dignità e dialogo tra i popoli.

Il libro descrive un viaggio che muove dal mondo esterno verso l'interno, con la fotografia come protagonista indiscussa. Ho scomodato molti fisici, alcuni biologi, diversi neurologi, qualche scienziato, pochi filosofi, qualche esoterista, qualche fotografo, psicologi, psichiatri, artisti vari, critici d'arte, storici, sociologi e liberi pensatori, tenendo a mente sempre un presupposto, ogni teoria espressa andava argomentata. Non mi andava di trasformare questo duro lavoro nell'ennesimo testo "new age" con il nome "esoterismo" nel titolo. Non volevo creare l'ennesima teoria autoreferenziale e campata per aria. Per fortuna le lezioni che tengo da diversi anni mi hanno aiutato nel comprovare la validità di questo metodo di ricerca fotografica, che ha come scopo quello di comprendere la forma interiore del fotografo. La domanda alla quale tento di rispondere è: "dove sono io nelle mie fotografie"? Domanda che nel profondo si pongono tutti quelli che fotografano ma che pochi hanno il coraggio di esprimere in maniera esplicita. Senza questa domanda di fondo, il rischio di diventare la copia sbiadita di qualche fotografo più o meno blasonato è molto alto.

Questo libro è un viaggio letterario e fotografico di un insegnante con la sua classe nella natura. La magia delle quattro stagioni viene cercata e trovata attraverso le poesie e le immagini. La ricerca nella natura e nei ricordi trova la sintesi ogni anno nelle emozioni sempre nuove che nel tempo diventeranno memoria. Quindi due forme d’arte – poesia e immagine – che sinergicamente rivelano e amplificano le emozioni del paesaggio stagionale. Le poesie di ieri e le immagini di oggi si cercano e si intrecciano per evocare i mutamenti del paesaggio, i suoi colori, il suo linguaggio, il suo messaggio nell’arco temporale delle quattro stagioni dell’anno, metafora delle quattro stagioni della vita. Il pretesto narrativo è prima una ricerca scolastica in una scuola immaginata dalla penna di Renzo Pezzani e Gianni Rodari, poi una mostra fotografica di fine anno con finalità espositiva, ma accompagnata da una sempre attuale riflessione sull’ambiente.

Tutto quello che serve sapere sulla fotografia è contenuto in questo libro: dai fotografi che ne hanno fatto la storia all'equipaggiamento e le tecniche per ottenere il massimo dalla fotocamera, Tom Ang racconta la fotografia come mai prima in questa guida enciclopedica riccamente illustrata. Un libro che ogni appassionato o studente di fotografia deve avere.

Il volume monografico, pubblicato in occasione della mostra dedicata a Lee Miller (1907-1977) presso CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, ripercorre l’eccezionale vicenda umana e professionale di una delle figure più affascinanti del Novecento. Modella, musa, fotografa e reporter di guerra, Lee Miller attraversò i grandi snodi del secolo con uno sguardo lucido, visionario e profondamente moderno, capace di cogliere la bellezza e l’orrore con la stessa intensità. Attraverso oltre 160 immagini – tutte provenienti dai Lee Miller Archives, molte delle quali inedite – e contributi critici, il volume ricostruisce la parabola dell’artista tra gli anni Trenta e Cinquanta, documentando il suo ruolo di ponte tra Stati Uniti, Europa e Africa: dagli esordi nel mondo della moda e del surrealismo parigino, alla collaborazione con Man Ray, fino al ruolo di corrispondente per Vogue durante la Seconda guerra mondiale, con immagini entrate nella memoria collettiva, come quelle realizzate nei campi di concentramento appena liberati.

Cosa significa essere parte di una comunità? Con questo progetto Lorenzo Gori ha provato a restituire, attraverso la fotografia, una rappresentazione della comunità che abita la Montagna Pistoiese. Un approccio relazionale alla fotografia dove la montagna appare nella sua dimensione concreta: un contesto economico e sociale vivo, in cui si lavora, si convive, si costruiscono occasioni di scambio. Le fotografie ritraggono persone diverse per età, ruoli, forme di partecipazione: operai, volontari, escursionisti, artigiani, animatori culturali, abitanti di lungo corso e frequentatori occasionali. Ognuno è presente e partecipa alle immagini per una ragione diversa. Ne emerge un'idea di comunità plurale, attraversata da molteplici forme di appartenenza e cura. Un esempio di geografia visuale che lavora con il territorio e che contrasta con lo stereotipo della montagna vuota o marginale mettendo in luce, al contrario, la vitalità che caratterizza questa porzione di Appennino pistoiese.