NFC Edizioni

"Dopo numerose visite allo studio di Giorgio Bevignani – un luogo davvero incredibile in cui è possibile penetrare nella sua inesauribile capacità manipolatoria e sperimentale sui materiali – negli ultimi mesi ho visto nascere e crescere progressivamente queste mostra. Una mostra che vede esposti alcuni dei suoi lavori più significativi della sua ultima produzione assieme ad alcune opere che scandiscono con puntualità alcune tappe della sua ricerca pluridecennale incentrata sul suggestivo agglomerarsi dei materiali utilizzati – quali carta, cerca, silicone, pigmenti, fibre polipropileniche intrecciate, eccetera – modulati di volta in volta in differenti combinazioni. Proprio per ricreare le suggestioni della sua 'fucina creativa' ho pensato fosse importante toccare un percorso, una linea che potesse collegare fra loro opere apparentemente diverse, a cominciare dalla scatoletta scovata nello studio dell'artista e contenente una serie di decine di studi ad acquarello sulla trasparenza e la profondità del colore, realizzati nei primissimi anni Novanta e finalizzati alla realizzazione di grandi tele ricoperte di cere e pigmenti con la tecnica dell'encausto." (Silvia Grandi)

Farfalla è la protagonista del libro; è felice di vivere al parco, che è il suo paese, e aiuta i suoi amici animali nella vita quotidiana, ma il suo cuore le dice che c’è altro da fare nella vita. Un giorno incontra un gabbiano che le racconta cos'è il mare...

Fotografie degli allievi della Scuola di Discipline della Valorizzazione dei Beni Culturali - Corso di Fotografia dei Beni Culturali.

Le ricerche condotte da Andrea Emiliani consentono di presentare il dipinto proveniente dalla collezione Martin Castillo (Uruguay) quale opera di Giovan Battista Bolognini, allievo e collaboratore di Guido Reni negli anni che furono della sua "ultima maniera". Della traduzione a stampa realizzata dall'artista giunge notizia dal canonico Malvasia; viceversa, nulla è scritto nelle pagine della Felsina Pittrice riguardo a una replica pittorica di sua mano. Il largo impiego del prezioso blu di lapislazzuli, a definire la dominante cromatica del dipinto, ribadisce l'importanza della commissione; è dunque verosimile che l'artista abbia lavorato sotto l'accurata guida del maestro, assecondandone le direttive. Ricostruire la storia e risalire ai vari passaggi di proprietà del quadro non è impresa semplice, sebbene risulti di notevole interesse la presenza di un sigillo pontificio apposto sulla sua struttura lignea, a indicarne la partenza da Roma in tempi imprecisati. È probabile infatti che si trovasse in Inghilterra già nel XVIII secolo e che fosse lo stesso venduto dagli Essex nel 1777. Un cartellino affisso sul telaio ne riconduce la proprietà a Bertram Ashburnham, che scelse a sua volta di venderlo nel 1850. La menzione di una tela raffigurante il medesimo tema mitologico tra quelle esposte nella dimora inglese di Lord Feversham, classificate dal ricercatore tedesco A.E. Waagen nel 1857, consentirebbe inoltre l'identificazione con lo stesso dipinto venduto alcuni anni prima, seppur l'assenza di indicazioni relative alle misure renda poco agevole la possibilità di esprimersi con certezza.

Un libro pensato come un taccuino che raccoglie disegni e vignette sparse, frasi lapidarie e battute surreali. Un diario ricostruito, spulciando tra le pagine di decine di taccuini, che accompagnano la vita dell’autore. Il disegno veloce, spontaneo, quasi selvaggio di Michele Baldini come quello di un graffitista che si appropria dello spazio intorno, dialoga con le parole e le battute fulminanti, dettate da un’ironia surreale, una logica che si colloca a metà strada tra filosofia e sberleffo.

Determinato da una vera e propria affinità elettiva, il concetto di casa è mutevole, geograficamente estendibile, dalla sola abitazione ad un intero Stato, salvo poi annullare ogni consistenza materiale in favore di una dimensione interiore, determinata dalle persone prima che dalle mura. La mostra "At Home" attinge alla dimensione immateriale, basandosi sulla duplice declinazione del concetto di casa, al tempo stesso luogo di appartenenza e d'incontro. Promossa da C23 Home Gallery di Lucca, essa stessa concept prima che luogo fisico, la mostra affianca la soluzioni formali di sette artisti profondamente diversi tra loro, allo scopo di mostrarne le precipue qualità, nell'ottica della reciproca valorizzazione. Un incontro largo, continuamente rimodulabile, privo di costrizioni tematiche o restringimenti iconografici, fondato sullo stare insieme, qui ed ora.

"È sempre un grande piacere per un dirigente partecipare alla presentazione di una pubblicazione scaturita dalla creatività di studentesse e studenti del Liceo Artistico 'Serpieri'. Questa insolita guida di Rimini, nata nell'ambito di un valido progetto di Alternanza scuola-lavoro, in collaborazione con l’Agenzia Nfc, potrà di certo piacevolmente stupire e divertire i suoi lettori. Un curioso e un po’ stralunato visitatore incontra i monumenti più celebri della rutilante città felliniana, come se si affacciasse da un ottovolante. Il percorso, ardito, si snoda tra immagini oniriche e testi visionari. La classe 5S, nel corso delle lezioni di Discipline Pittoriche, sotto la guida del professor Mauro Moscatelli, referente interno del progetto, ha approfondito e tradotto i luoghi della Rimini storica in immagini grafiche nella stampa monotipo. L’esperienza condotta dalla classe 5S rappresenta per il nostro Liceo una preziosa occasione e il nostro auspicio, per gli anni a venire, è che possano esservi sempre più proficue occasioni d’incontro con il mondo dell’arte e dell’editoria nell'ottica di favorire la conoscenza del variegato mondo delle professioni artistiche." (Francesco Tafuro)

"La mostra di Alessandro La Motta presso il Museo dell'antica città di Spina, concretizza lo spazio di un incontro fra le statuette antiche di dee e devote, rinvenute nelle tombe, e le opere moderne ad esse ispirate. Le trasfigurazioni proposte, trascolorate e rarefatte, quasi a voler manifestare lo scorrere del tempo su quegli antichi archetipi, trasmettono un vigore ancestrale, che ne rivela l'imperitura essenza. E proprio dal rispecchiamento puntuale delle moderne forme, gemmate su prototipi greci, sugli originali spineti si genera lo spazio del dialogo e si riannodano i fil di una remota radice comune." (Paola Desantis)

Il volume racconta la bellezza e l'unicità della Sardegna, la Sardegna racconta l'arte di Stefano Sanna in un gioco continuo di immagini, lavoro e tradizioni antichissime. Il valore dell’arte dipende dalla sua unicità, e i pezzi unici di Stefano Sanna sono facilmente riconoscibili e impossibili da copiare, poiché ognuno conserva l’anima di oggetti e materiali destinati ad altri usi, che trovano nuova vita nei suoi lavori. A mezza via tra Italia e Spagna, la Sardegna è al centro del Mediterraneo occidentale. La forza antica dei suoi paesaggi e l’energia insita nella sua natura s’infondono in chi l’abita o la visita, e rappresentano l’inesauribile sorgente creativa alla base del lavoro di Stefano Sanna.

Che un pittore di fine Settecento, dotato di notevoli qualità tecniche, di una indubbia sapienza compositiva e di raffinate soluzioni espressive, decida di dedicare una considerevole parte della propria attività al capzioso apprendimento e alla sistematica imitazione dello stile di un grande artista vissuto più di un secolo prima, ci spinge a riflettere sulle sue ragioni recondite, che non possono esaurirsi nel mero interesse economico e nella sottile soddisfazione di veder acquistati, per originali di un'altro, le proprie opere. Ci deve essere qualcosa di più nell'immaginare di percorrere, con lo strumento scorrevole ma impietoso di una penna intrisa d'inchiostro bruno, i medesimi segni tracciati da Guercino in piena libertà. Si devono di certo sviluppare pensieri specifici, nell'investire non solo sulla propria capacità di ripetere la sensibile modularità di quel tratto, che spesso parte largo e gravido di tono per assottigliarsi in precisi ed esili filamenti. Ma risulta perfino assurda, inconcepibile, la scommessa di poter restituire quel mirabile e spontaneo fervore espressivo, frutto di un abituale stato di grazia creativa del genio centese. Tutto il processo e la disposizione mentale necessaria a questo scopo di mimesi rischia di essere ancora più arduo e complesso della libertà stessa e forse più raro ancora di quell'originario stato di grazia. Delineavit e la prima mostra espressamente dedicata al falsano ', naturalmente in confronto con Guercino e col contesto della fortuna postuma del grande Centese, fonte e origine di tutti i pensieri del misterioso copista settecentesco che si pose sulle sue orme. Il contesto riminese, d'altronde, si presta in maniera particolare: Guercino vi operò come in tutte le città della regione, ma - significativamente - piuttosto per un committente privato, Francesco Manganoni, che per opere da disporsi sugli altari delle chiese cittadine. La travagliata eredità Manganoni generò così tra la fine del Seicento e soprattutto nel Settecento, ovvero nel secolo del misterioso falsario, numerosi inventari e anche la necessità di una autentica notarile di alcune opere, compreso un disegno, in un contesto che ormai vedeva rubricare sotto il nome di Guercino non solo le opere di bottega, ma anche quelle di insidiosi falsificatori. Le ondivaghe vicende attributive di dipinti e disegni originali, di bottega, copie o falsi, trovano un loro culmine nella presentazione in mostra di un nuovo dipinto di Guercino individuato nella chiesa parrocchiale di Trarivi, questa volta un originale giunto per vie ancora misteriose nel paesino del riminese, e finora non riconosciuto come autografo. Il percorso sul confine tra vero, riproduzione e falsi dichiarati o ingannevoli si dispiega così tramite disegni di Guercino, delle bottega e del suo falsario, prendendo in considerazione anche il ruolo cruciale della riproduzione incisoria. La mostra nasce da una collaborazione tra il Comune di Rimini, Assessorato alla Cultura, e la Pinacoteca di Cento, confermando la collaborazione in convenzione con la Pinacoteca Nazionale di Bologna avviata già dalla precedente edizione.

Da trentaquattro disegni, matite, inchiostri, tempere di Mario Sironi quattordici artisti contemporanei hanno scelto un’opera ciascuno cui ispirarsi per una propria composizione. Nasce così questa mostra che, nell’essere un omaggio a una delle voci più alte della pittura italiana del Novecento (oltre trenta opere pubblicate all'interno del catalogo), testimonia l’inesauribile vitalità dei grandi artisti nel trasmettere alle più avvertite generazioni future lo slancio all’instancabile ricerca della grande qualità stilistica, verso l’approdo alla più sincera e perfetta espressione di sé.