Carlo Cambi Editore

I dipinti di Bernard Dreyfus inventano un linguaggio che trova la sua realizzazione in segni che gli sono propri. Questi esprimono un'esistenza singolare di esseri enigmatici, che si fondono in una proliferazione, in un brulichio che ricorda la moltitudine, la folla, i cui movimenti a ondate successive invadono il campo della pittura. Dreyfus inscrive il suo marchio sulla tela, nell'invenzione di un universo surreale nel quale si dispiegano schiere fantomatiche: l'umanità errante? Forse. Ad ogni modo, la folgorante impressione di un'interrogazione siderale, che l'artista esprime in una pittura di una forza al tempo stesso inquietante e atemporale, espressione di vita, di eternità che egli cattura in atmosfere di silenzio e di paesaggi singolari in cui luci e forme s'ingarbugliano in una visione cosmica.

La memoria di Walter Fusi è densa, frutto di incontri e di separazioni, di preferenze e di selezioni che lo accompagnano fin dai suoi esordi, vicini ma non sovrapponibili alla tradizione figurativa di Rosai e del "gruppo delle Giubbe Rosse", attraverso un'esperienza informale contorta e infelice, fino ad aderire a una forma di concretismo personalissima, che lo conduce a sperimentare pratiche artistiche capaci di contaminare masse e volumi plastici con i cromatismi vibranti e incantati della sua pittura." Un'astrazione più energetica che cerebrale" l'ha definita Tommaso Trini, memore del chiasmo che viene a crearsi verso la metà degli anni Sessanta, allorché il gusto per la forma organica, "psichica e costruttiva" del suo modo di avvicinarsi all'Informale ("l'Informale è qualcosa di più, che ti prende, ti snerva, ti sospinge. Difficile governarlo", avverte Fusi in un'intervista), si traduce, trasmuta in quella cifra "concretista", che non abbandonerà più l'artista toscano.

Il nesso tra gorilla, uomo comune e burocrate del diritto si riassume nella spettacolare messa in scena di Maurizio Savini, che manipola il chewing gum, ne ricava figure appariscenti da teatro di posa, e proietta stati d'animo elementari che catturano lo sguardo con la forza immediata e persuasiva dello slogan. Savini predilige il colore rosa, che a volte può essere più vivo, più caldo, più profondo, o più scuro. Ed è evidente il perché: quel colore richiama direttamente il prodotto artificiale, la composizione chimica, gli additivi aromatici e originali del gusto Ultra Pop, nel senso che fa il verso anche alla Pop Art, come recente tradizione della cultura visiva di massa.

Come poter immaginare il mondo silenzioso, senza segni, significanti o significato, e senza suoni interpretabili, se il nostro pensiero cosciente riflette su se stesso solo dopo aver acquisito una o più lingue e le logiche strutturali che ne regolano l'uso? A partire da un quesito così radicale, David Reimondo si cimenta in una privata tabula rasa linguistica per ripensare un sistema segnico e fonetico, e rispondere così alla necessità intima di trovare un dialogo più diretto con se stesso: un'utopia consapevole con l'intento di creare nuove forme di linguaggio o di scoprire, forse, la nascita della parola nelle sue radici più profonde.

Gli scenari di Nicola Pucci hanno la tenacia narrativa dei romanzi metatemporali. Sono ambienti densi di energia, esistenti ma astratti nell'essere palcoscenico per fulminei incontri ravvicinati. Danno forza ai corpi e prendono forza dai soggetti in campo, diventando quinte kubrickiane di un fermo-immagine tra Giacomo Balla e René Magritte.Del grande futurista Pucci richiama la gestione pittorica dei corpi dinamici, mentre del surrealista belga richiama le relazioni fuori scala tra figure e ambienti. Pucci unisce la continuità spaziale dell'azione con la frontalità di una scenografia realistica, giocando tra spinta (Futurismo) e compressione (Surrealismo), tra dinamismo e introspezione visionaria. Si veleggia sul filo lungo del costante mistero, dell'irrisolto metafisico, dentro un climax drammaturgico che sospende il giudice assieme al giudizio.

Il libro che riunisce due delle serie più famose dell'artista Piero Manzoni, ovvero gli Achromes (1957-1963) e le Linee (1959-1963), focalizzandosi unicamente sulla relazione tra questi due gruppi di opere e sulla volontà dell'artista di sviluppare forme che creino un legame intrinseco tra i materiali e l'idea d'infinito. Nel dicembre 1957 Manzoni scriveva: "Lo spaziosuperficie del quadro interessa il processo autoanalitico solo in quanto spazio di libertà in cui noi andiamo alla scoperta. Qui l'immagine prende forma nella sua funzione vitale: essa non potrà valere per ciò che ricorda, spiega o esprime (casomai la questione è fondare) né voler essere o poter essere spiegata come allegoria di un processo fisico: essa vale solo in quanto è: essere". Parallelamente vi è la produzione dei primi "quadri bianchi" o "incolori", successivamente intitolati Achromes. Inizialmente la realizzazione dei "quadri bianchi" si inserisce nel clima di ricerca monocromatica internazionale, ma Manzoni vuole andare oltre la semplice monocromia per aprire ulteriori nuovi percorsi. La copertina del volume è la prima fedele riproduzione di uno degli Achromes, sia per quanto riguarda la tela che il taglio: il tutto è protetto in un cofanetto di plexiglass, che mantiene candido, ma maneggevole, il libro.

Per Zappettini la pittura è un'estensione del pensiero che ha la necessità di trovare, ogni volta, una nuova verifica nel compimento di un'azione materiale: è la coscienza d'intervenire in uno spazio fisico delimitato dove il confronto avviene, secondo le parole di Roland Barthes, "con il limite iniziale del possibile". L'opera d'arte, dunque, si autodetermina in un contesto preordinato all'interno del quale il punto di rottura con le convenzioni avviene secondo un rinnovamento della logica semantica. Sin dalla fine degli anni Sessanta Zappettini imposta un metodo a cui rimane fedele ancora oggi, dove le varianti avvengono a livello di processo operativo. Ciascuna azione produce opere autonome, tra loro correlate, che fanno parte di una medesima serie, come fossero le pagine di un romanzo che si può leggere indifferentemente dall'inizio o dalla fine, in un rapporto ciclico.

Elio Casalino è un professionista che usa la notte per essere anche artista e per ritrovarsi faccia a faccia coi quadri, lui e la sua coscienza rivelata per un dialogo con i propri fantasmi, le ombre, i ricordi, le idee, le priorità, l'urgenza di un tema da affrontare e sviscerare. Il quadro si trasforma nel palcoscenico notturno di una lirica struggente, un grido straziato o un volo nel mondo di Eros, una torsione drammatica dei corpi o un gioco di apparenze carnevalesche. Le sue opere hanno atmosfere notturne e fantasmatiche, le luci plasmano note artificiali che esaltano i corpi nel buio cavernoso. Lo sguardo incarna quella luce aggiunta: l'occhio come un faro per scegliere il focus dentro il respiro affannoso del mondo. Casalino dipinge di notte, con la notte, dentro l'anima della notte: assorbe le radici barocche di una Roma che al buio mostra il suo aspetto veritiero.

In collaborazione con la Rete museale della Provincia di Grosseto, la Carlo Cambi Editore pubblica il catalogo degli "Universi magici" di Joan Miró, esposti contemporaneamente in varie località della provincia grossetana, un'ineguagliabile cornice entro cui far rivivere quattro serie di opere di uno dei maggiori maestri dell'arte contemporanea. Miró cerca di mettersi in contatto con l'inconscio e di esprimerlo senza l'intermediazione della ragione, ma lo fa senza mai perdere completamente il controllo: "Io non sogno mai di notte, ma nel mio studio sono in pieno sogno". L'artista lascia il campo libero al gioco dei segni, posponendo la forma al contenuto, evidenziando i tratti, re-inventando ogni forma e proiettando il significato anche sulla costruzione stessa di una linea che si trasforma in sismografo delle piccole e grandi scosse dell'essere interiore.

Un nuovo libro di poesie dell'artista di Pienza, Saba Cappelli. Un nuovo itinerario in un mondo di valori e sentimenti che sembrava tramontato, una raccolta all'insegna dell'amore e della famiglia: famiglia proprio come indissolubile amore, come scambio vicendevole e aiuto reciproco.

Remo Remotti scriveva, disegnava, dipingeva, manipolava, costruiva, recitava, declamava, partecipava... entità umana per molti indefinibile, sfuggente come olio in discesa, geneticamente radicale e controcorrente, fuori da ogni categoria ma dentro il teatro delle voci libere ad altissima gradazione "alcolica". Remotti era la voce atavica della città, un grido archeologico e futurista, un'opzione militante tra regola e sregolatezza. Tutto e il contrario del quasi tutto, sperimentando il confine e la contaminazione, lo slittamento verbale, il riciclo e il riuso, il sacro e il profano, l'alto e il basso ma anche l'intermedio quando necessario. Un artista che scrive per immagini, senza sforzo apparente, seguendo la linea rossa del cuore: questo libro ne è la prova mai scontata, un viaggio in cui il disegno aderisce emotivamente all'attore iconoclasta, al poeta polemico, al dissacratore arrapato. Tratto e stile sono la carta identitaria del nostro originale artista, dei suoi organi interni e del suo vestire figurativo.

Il titolo di questo libro evoca le chiavi di lettura e le prospettive attorno alle quali ruotano la personalità, le esperienze, le suggestioni e i misteri di due tra i più straordinari artisti del Novecento. Il percorso narrativo attraversa figure e temi che hanno caratterizzato l'esperienza grafica di Pablo Picasso e Joan Miró, legati da un fil rouge che ne ha intrecciato le vite. La mostra e il catalogo non sono solo un viaggio che racconta il rapporto dialettico fra storia e contemporaneità, ma anche un dialogo fra i segni della tradizione vissuta e reinterpretata dagli artisti, e le energie che ne hanno acceso la creatività. La poesia di Joan Miró, così come la passione di Picasso, sono linguaggi eterni che non conoscono limiti di tempo e di spazio, diventano canto e tensione dell'anima, che filtra il reale per diventare pura idea. La loro instancabile esperienza attraverso un lungo cammino artistico li porta alla semplicità dell'essere. È l'alchimia della vita, gioco di luce, di tratto e di colore che si intreccia al filo dell'esistenza, che sorprende e stupisce, che alimenta la forza dell'immaginazione per arrivare ad un perfetto punto di incontro tra pittura e poesia. Pablo Picasso e Joan Miró, con le loro somiglianze e differenze, sono artisti puri e geniali, dalla vita appassionata e poetica, mossa da un fine unico: fare arte.