Carlo Cambi Editore

Shen Shaomin studia l'esplicita brutalità della natura umana attraverso lavori multimediali. La sua ricerca artistica spazia dalla realizzazione di sculture di vario genere e dimensioni, come i lavori composti da ossa di animali, che richiamano il rapporto tra l'uomo, il desiderio e l'artificialità, e i lavori in resina, dove Shaomin sceglie di produrre figure animali e umane addormentate: ciò conduce l'osservatore a una riflessione tra il reale e l'immaginario. Tra i lavori più recenti vi sono quelli della serie "Handle With Care", dove l'artista riproduce su tela, con la tecnica trompe d'oeil, imballaggi di pluriball che sembrano avvolgere celebri opere dell'arte moderna. Per realizzare questa serie di opere Shaomin si ispira al grande artista e maggior esponente della Pop Art americana, Andy Warhol, il quale era solito lavorare sulle sue opere seguendo un processo industriale, di fabbrica. L'artista cinese ritrae nei suoi dipinti volti di celebrità del passato o i capolavori dei grandi artisti dell'arte moderna, come Picasso, de Chirico, Mondrian, Rothko, Warhol ed altri.

“Mangiare con gli occhi”, un libro di didattica sui segreti di frutta, ortaggi e fiori nelle opere d’arte di Gualdo Tadino, a cura di Cesare Biasini Selvaggi, in collaborazione con l’Associazione Archivi Ventrone. Un libro-gioco, ideato e prodotto per bambini di età compresa tra i 6 e i 10 anni, che prevede un’originale “caccia alla natura morta” guidata dal maestro Luciano Ventrone, grazie anche alle coinvolgenti illustrazioni di Paolo Marabotto. Una vera e propria “indagine” sulla simbologia delle nature morte presenti nelle collezioni museali del comune umbro, a partire da quella che appare nel famoso capolavoro dell’Albero di Jesse di Matteo da Gualdo, presso la pinacoteca.

Questo catalogo documenta le serie di motivi che hanno caratterizzato le varie fasi della stagione informale dello scultore Francesco Somaini, con esemplari scelti delle Verticali, delle Orizzontali e delle Oblique, dei Martìri e dei Feriti, delle successive Memorie dell’Apocalisse, dei Racconti e delle Figure di Fuoco. Opere che, in buona parte, sono state in collezioni americane o sono state esposte nelle mostre che l’artista ha effettuato oltreoceano in quegli anni. Tra le opere presentate figurano anche alcuni esemplari delle serie di motivi avviati da Somaini dopo la stagione informale, come i Bozzetti del monumento ai Marinai d’Italia di Milano, le Cadute dell’uomo e i Da Sotto, legati alla riflessione sul rapporto tra scultura, architettura e contesto urbano, innescata dal contatto con la cultura americana durante i numerosi viaggi compiuti negli Stati Uniti e maturata nel corso delle esperienze di collaborazione con gli architetti, che lo hanno condotto alla realizzazione di opere monumentali per le città di Atlanta, Baltimora e Rochester.

Francesco Cervelli e Mauro Di Silvestre, autori di una riflessione sottile e complessa intorno al tema del tempo: un bene così effimero, che continuamente ci sfugge. Non possiamo possederlo né controllarlo direttamente, eppure fa parte di noi. Da una parte Di Silvestre, volgendosi al passato, si richiude in una memoria personale e intima, fatta di ricordi. Ci svela volti apparentemente familiari che si celano dietro vestiti d’infanzia, oppure gioca rappresentando giostre con cavalli in corsa, liberi da ogni vincolo. Diversamente, Cervelli volge lo sguardo verso una memoria collettiva della storia dell’arte. Così gli atelier e i grandi maestri, come Jackson Pollock, Francis Bacon e Théodore Géricault, vengono evocati nei titoli, ma le loro presenze non appaiono in scena. Entrambi gli artisti ci regalano un viaggio onirico e surreale, secondo citazioni colte che lasciano riflettere.

Pino Pinelli è tra quegli artisti che, determinati a continuare comunque nel fare pittura, pone un punto fondamentale. Una teoria di cui viviamo ancora di rendita, e sembra proprio questa la ragione – aldilà dei flussi del mercato e di quelle che Gillo Dorfles ha chiamato “le oscillazioni del gusto” – per la quale le sue ricerche e quelle a lui coeve risultano oggi più che mai al centro dell’interesse storico-critico. Per Pinelli, quindi, la condizione fondamentale e irrinunciabile del fare sta nella perfetta unione o sintesi tra l’estetica e l’etica. Egli non ha mai nascosto certo la personale propensione alla bellezza: forme eleganti e finite, perfetto controllo dello spazio, esecuzione sapiente che non esclude quel sapere artigiano che i minimalisti americani avrebbero rifiutato per ideologia, coinvolgimento plurisensoriale nella percezione dell’opera, a cominciare da quella sensibilità tattile retta su superfici vellutate, sensuali, coinvolgenti nella loro profondità.

Storie di gallerie e galleristi in mostra a Palazzo Collicola, a Spoleto. La Galleria Pack apre i battenti nel maggio 2001 con l’esposizione "Borderline", di Robert Gligorov. Da allora ha prodotto circa 100 mostre, partecipato a circa 70 fiere (Biennale di Venezia, Documenta, Biennale di Siviglia, Quadriennale, Biennale di Dakar) e ha esposto al Centre Pompidou, al Musée de Saint Etienne, al MACRO, al PAC (Milano), alla Tate Modern, alla Galleria nazionale d’arte moderna di Roma, all’Indianapolis museum of art, al MART di Rovereto. Il criterio con cui vengono scelti gli artisti è l’amore per la loro arte, che deve rispondere a requisiti fondamentali, spiega Giampaolo Abbondio: “deve parlare a chiunque, senza limiti, a prescindere da sesso, religione, razza, credo politico, età o provenienza geografica; succede spesso che mi vengano richieste (per esempio) artiste donne, devo allora scorrere un elenco per farmi venire in mente chi siano, perché non è certo il genere la caratteristica con cui tengo nel cuore queste persone”.

Cristiano Pintaldi (n. 1970), artista romano, aggiunge minuziosamente piccoli tocchi di pittura rossa, verde e blu ad una tela che crea un’immagine immediatamente decifrabile. Tra i suoi soggetti ci sono un fulmine che colpisce la Tour Eiffel, una pagina di login di Facebook e una scena finale di sesso, tratta dal film di Stanley Kubrick, "Eyes wide shut". I quadri in catalogo consistono sicuramente in una serie di pennellate che cercano di cogliere l’aspetto di qualcos’altro, di opere non astratte per lo meno, in cui Pintaldi comincia a usare in modo contemporaneo tre specifici colori, esattamente nello stesso modo in cui vengono utilizzati nei pixel di uno schermo televisivo o di un computer. Essi si uniscono per creare una vasta gamma di colori (conosciuto come spettro RGB) e, se le combinazioni dell’artista sono sbagliate, anche di poco, c’è il rischio che l’immagine venga sfuocata e, quindi, rovinata.

Giacomo Balla, Felice Casorati, Gino Severini, Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Massimo Campigli, Lucio Fontana, Giuseppe Capogrossi, Fausto Melotti, Afro, Giulio Turcato, Alberto Burri, Emilio Vedova, Roberto Crippa, Enrico Baj, Arnaldo Pomodoro, Piero Dorazio, Giuseppe Uncini, Enrico Castellani, Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Mario Schifano, Agostino Bonalumi, Gianni Colombo, Getulio Alviani, Gianfranco Zappettini, Giulio Paolini, Gianni Piacentino, Salvo, Nunzio: ecco i nomi dei trenta artisti menzionati nel titolo di questo volume con copertina in velluto; un volume che celebra la storia trentennale di una delle più importanti gallerie italiane con sede a Torino e a Londra...

Manfredi Beninati ha presentato una serie di nuovi lavori: pittura, scultura, fotografia, ma anche bronzi, light-box, bassorilievi in gesso, assemblage. La strategia espositiva che Beninati ha adottato, con lo scopo di attirare e sedurre lo spettatore, presenta cambi di scena, di ritmo, di materiali, di luce, d’iconografie, etc. Vince la varietà, la voglia di stupire e d’incantare, d’incuriosire e di affascinare piacevolmente. L’arte per Beninati è un’esperienza iniziatica, orfica; si trova in strada, nelle pieghe dell’inconscio, tra gli scaffali della memoria collettiva; è un attimo di grazia, d’illuminazione. L’artista si fa veggente e chiaroveggente, sciamano e alchimista...

Se è vero che, secondo la tradizione occidentale, l’artista è il vate, colui che vede prima e con maggior chiarezza rispetto agli altri uomini, colui che agli altri uomini può aprire una porta e indicare la via, è anche vero che questa via non è mai un ritorno verso il punto di partenza iniziale: è sempre un percorso in avanti, durante il quale l’artista spoglia se stesso e la propria arte per raggiungere infine il proprio centro. E il centro è fatto di vuoto, un vuoto circondato e custodito dalla materia (i raggi e l’argilla). Osservando le opere che Gianfranco Zappettini realizzò negli anni Settanta del secolo scorso, siano esse i quadri “bianchi” o le “tele sovrapposte”, quello che non vediamo è importante quanto ciò che vediamo. Nei “bianchi” vediamo una tela ricoperta di acrilico bianco, ma non vediamo la superficie nera dalla quale l’artista ha iniziato; nelle “tele sovrapposte” vediamo uno spazio vuoto sulla tela più esterna delimitato da un quadrato tracciato a matita, ma non vediamo gli spazi pieni o semipieni delle tele sottostanti...

Sara, una giovane fotografa, stupefatta di scoprire visioni e immagini nascoste nella propria carne, ma incapace di ascoltare e comprendere sino in fondo il richiamo degli organi. Carlo, un architetto professionalmente frustrato, che sottrae due taniche di benzina e fantastica di ritrovare dei vecchi nastri registrati da suo padre dopo un attacco terroristico. Manuel, uno psicoterapeuta distratto, e poi Erika, una sedicenne obesa, inutilmente in cura da Manuel. La loro esistenza, gli atti e gli eventi delle loro vicende – scrive l’autore – erano in qualche modo inscritti, avviluppati nella matassa di sogni che i miei organi avevano prodotto, suscitato e abitato. L’esistenza dei miei organi mi avrebbe obbligato a scrivere il libro che avevo in mente. Così come la statua della Grande madre, così come le intuizioni che volevo dettare al neonato, tutto il libro era il prodotto della mia reazione all'Apertura. Immaginavo me stesso in una sala operatoria, immaginavo di filmare il mio corpo, come se fosse un’aragosta mutilata.