Dito Publishing

Study for the female body e l’idea di immergersi nella nebbia. Si tratta ora di concludere in conversazione senza possibilità o meno di un incontro: non credo di affermare lo stesso per me. Di contro l’esperienza azzurra, l’avanzare delle foreste, la morale, la dignità umana ancora si rifiutano di accettare di non poter senza riserva sopravvivere. Esistente e violento come il nostro colore e insieme tutti gli altri. Spaventoso a dirsi, ma credo sia un’esperienza che molti hanno fatto. Accatastate in dimenticanze forzate era in sovrappeso di qualcosa che si potesse rompere. Alcune opere e per la sua rinuncia al figlio e per le incertezze tra cielo e terra circa il suo desiderio. Voci troppe combinate. Cambia nuovamente, trasferendosi da stanza a stanza. L’opera provoca scandalo? Senza le “sei teste” per la prima volta era un corpo solo. Il giallo è vomitato dalla morte del terreno – ne impediscono fin d’ora l’attuazione. Isolati i corpi dal blu più ingordo addirittura otteneva equivoci umani. Suonano e vi parlano degli infiniti. La sua maniera di trattare la materia. Una maniera unica come il movimento del sangue.

Catalogo di mostra che ne racconta il percorso attraverso le installation view e la amplia grazie alla presenza di una serie di bozzetti realizzati dall’artista durante la progettazione dell’installazione alla Andrea Festa Fine Art. – “No, non esistono degli altrove, non esiste un’uscita salvifica dalla messa in scena, esiste piuttosto la resistenza che, sola, ci rende consapevoli. Ma consapevoli di cosa, esattamente? Dell’illusione dei giorni che passano, dello spettacolo domestico della nostra quotidianità dentro la quale le sedie, i letti e le stanze che abbiamo abitato non sono che ombre dei nostri ricordi, e soprattutto dell’impossibilità della fuga.” Nicolas Martino

L’artist-run space SPAZIOMENSA conclude la stagione espositiva 2021 con la mostra collettiva Porta Portese, a cura di Gaia Bobò. Il progetto si propone come una riflessione sul dispositivo del mercato, inteso come luogo di trasmissione e transito degli oggetti e delle immagini, crocevia di diverse coordinate geografiche e temporali. La suggestione di uno spazio culturale effimero, ciclicamente performato dagli individui che lo percorrono, enfatizza la dimensione rituale, irrazionale e magica che ha determinato il magnetismo di questa prassi sociale attraverso il tempo. Partendo da un’indagine fortemente legata alla città di Roma, la mostra guarda alle possibili evoluzioni verso una dimensione accelerata e globale dei processi di scambio, offrendo una suggestione sulle dinamiche culturali, sociali e antropologiche connesse all’idea stessa di mercato in quanto luogo di condivisione e scoperta.

Veronica Milli utilizza la fotografia per sviluppare una narrazione immersiva della sua vita. Partendo dal luogo di origine di sua madre, Valdescura, una piccola frazione umbra assente dalle mappe, fa comparire elementi e persone che connotano fortemente il suo passato e la sua esperienza di quel territorio. Valdescura è lontana da tutto. I suoi abitanti sembrano incarnare le conseguenze di un isolamento e una distanza che rendono tutto plausibile. Tutto è ammantato da una sorta di decadimento atmosferico, una tensione verso la morte. L'autrice radicalizza quella tensione e la trasforma. Vita e morte diventano i poli di un attraversamento, il corpo, la maternità, fare esperienza dell'ignoto, cambiare. Alcune ecografie della gravidanza scandiscono la narrazione e alternate alla visione del suo corpo che cambia conducono all'interno di un movimento rituale.

"Nel buio più acceso" mira al raggiungimento di un’anti-raffigurazione per diventare opera illeggibile, anche a se stessa. Invisibilità e irraggiungibilità sono cercati all’interno di un movimento circolare dato dall’azione dell’avvicinarsi e dell’allontanarsi. L’appagamento visivo non è dato dal riconoscimento: l’immagine desidera un’alterità, intuire e intravedere una gamma di intensità in cui ogni zona è un tutto discontinuo delle altre, senza che vi sia totalità da nessuna parte.

Abisso è un luogo di cui non si può conoscere il margine, in cui la luce non penetra perché filtrata, o forse volutamente respinta. È un luogo dove si perde il senso dello spazio e del tempo, dove la coscienza vacilla provando a districarsi in una fitta e densa sostanza, cede… ma non cade. La sensazione di inabissarsi nelle profondità marine, forse l’illusione di voler raggiungere un nucleo di consapevolezza, è un percorso costellato di difficoltà che crea stratificazioni nella coscienza, ed è qui che arriva il ribaltamento: percepiamo la possibilità di fuoriuscirne. Questo abisso è lucente, tinto, si anima e brilla al mio passaggio inconsueto. Si rivela, ed io mi rivelo ad esso. Il litorale costiero del Salento è protagonista di un viaggio notturno e oscuro all’interno di un perimetro immaginario che subisce una metamorfosi surreale. È il luogo che divide il mare dalla terraferma e nasconde un suo universo fatto di pianeti e stelle.

Le immagini arrivano a noi come gesti della divinità, quando ci poniamo in ascolto, in preghiera nel silenzio. Appaiono, evocate dalla volontà; nel sogno, nell’abbandono mistico, nel momento dell’ebrezza panica. Esse sono icone, simboli sacri. Il loro tacere possiede l’eloquenza dell’assoluto, della notte ultima e dell’alba cosmica di ogni cosa. Questo libello è solo una delle infinite apparizioni dell’immagine di Arpocrate. È una nascita. Il fanciullo divino nato dal fiore di loto – il dito rivolto alla bocca – è il suo archetipo, e ci indica una via. Scegliamo di percorrerla anche nel buio, con l’ausilio di una lanterna, come eremiti o viandanti senza meta.

Il relitto, approdato sulle rive di un fiume o su una spiaggia, che giriamo tra le mani è a prima vista un oggetto alla deriva senza un’apparente volontà propria, senza apparente importanza o utilità. Sottovalutarne gli indizi può essere frutto di una visione dettata dalla fretta. È proprio di fronte a queste rivelazioni che bisogna prendersi del tempo, osservare con tutti i sensi l’oggetto, cambiarne la posizione, non pensare al suo ruolo convenzionale.

Sogno o Lydia è una poesia visiva. Procede attraverso una struttura discontinua ricalcando l’esperienza del sogno. La poesia si pone davanti ad un base casuale per sviluppare un percorso in cui fotografia e testo sono trattati come forma e fondo di un processo incosciente di ferita nell’interfaccia del linguaggio cosciente. Inscritte per essere spostate e manipolate: mai interamente riconducibili a uno sfondo di senso, ma esclusivamente alla sensazione che generano.