Electa

Uno dei più importanti palazzi di Venezia, costruito nella prima metà del Quattrocento dal ricco mercante Marino Contarini, fu acquistato nel 1894 dal barone Giorgio Franchetti, che ne avviò il restauro con l'intento di trasformarlo in una straordinaria sede espositiva per le opere della propria collezione privata. La raccolta del nobiluomo si è arricchita dopo la donazione allo Stato italiano, che ha curato la conclusione dei restauri e l'allestimento del museo della Ca' d'Oro, favorendo l'aggregazione di preziose collezioni di sculture, affreschi, dipinti, mobili e ceramiche al nucleo originario.

Un libro che abbraccia 3000 opere d'arte e migliaia di anni di storia, dalle grotte di Lascaux fino ai più recenti interventi di arte contemporanea. Un lavoro che ha richiesto dieci anni di lavorazione e un team di specialisti che hanno dato vita alla più vasta collezione ideale per amante dell'arte. Questo volume è suddiviso in 25 gallerie e 450 sale; ogni stanza è organizzata secondo diverse esposizioni tematiche su argomenti specifici che contengono ognuna pezzi tra dipinti, sculture, affreschi, arazzi, tessuti, fotografie, incisioni, installazioni, performance, video e stampe che narrano l'intero svolgimento della storia dell'arte. È l'unico museo a poter ospitare in un sol luogo accanto alla "Monna Lisa" di Leonardo la collezione dei ritratti di Rembrandt, "Las Meninas" di Velázquez e "Guernica" di Picasso, le porcellane cinesi e le incisioni di Hokusai, i manufatti aurei del Perù e le opere di Jackson Pollock.

Il volume affronta il ruolo di Argan nella cultura del suo tempo, la ricostruzione del suo magistero come storico dell'arte, intellettuale e critico militante, tentando infine un bilancio sulla sua attualità/inattualità nel tempo presente. Attraverso un approccio tematico multidisciplinare, critici, storici dell'arte, architetti, archeologi, filosofi, quali Maurizio Calvesi, Antonio Pinelli, Salvatore Settis, Irving Lavin, Paolo Portoghesi, Andrea Carandini e tanti altri, illustrano la personalità e il pensiero critico di Argan. La raccolta di questi scritti, arricchita da una selezione di fotografie, carteggi e documenti inediti provenienti dall'Archivio Argan, testimonia l'ampiezza delle tematiche studiate da Argan, l'impegno per la difesa del patrimonio artistico e la promozione della cultura, il ruolo di primo piano nelle riflessioni teoriche e nel diretto sostegno alle correnti più avanzate dell'arte e dell'architettura contemporanee.

Una monografia completa dedicata al lavoro di uno dei principali rappresentanti dell'Arte Povera. L'opera di Giuseppe Penone sviscera il rapporto tra l'uomo e la natura, riflettendo sul ritmo insito nel ciclo naturale della vita e sull'impronta del tempo sugli esseri e sulle cose. E proprio allo scambio tra l'uomo e la natura si ispira la struttura del libro concepita dal curatore Laurent Busine in sette capitoli tematici: il respiro, lo sguardo, la pelle, il cuore, il sangue, la memoria, la parola. Realizzato in stretta collaborazione con Giuseppe Penone, il volume raccoglie contributi critici di studiosi di fama internazionale. Benjamin Buchloh conduce una conversazione con l'artista che consente di collocare il lavoro di Penone in una prospettiva storica più ampia, e Didier Semin elabora un'affascinante riflessione basata sull'opera L'albero delle vocali, ora esposta permanentemente nel giardino parigino delle Tuileries. La monografia, che dai primi lavori ci conduce fino alle realizzazioni più recenti, include 350 illustrazioni tra disegni, sculture, installazioni e fotografie, e un apparato scientifico determinanti per capire e contestualizzare l'intera opera di Penone, a testimonianza della sua rilevante posizione nell'arte del nostro tempo.

Il catalogo rende conto di una mostra complessa e articolata che ha l'ambizione di scardinare finalmente gli stereotipi dell'opinione diffusa sui Romani: un popolo violento, razzista, teso ad esercitare e a rafforzare il proprio dominio, allo sfruttamento delle altre genti, alla repressione del dissenso politico e delle religioni dissonanti con quella di Stato. Dai testi epigrafici, dall'attenta disamina delle fonti storiche e letterarie greche e latine, dalle testimonianze archeologiche e dai documenti dell'arte finalmente spiegati scopriamo che i Romani non erano sensibili alla purezza della stirpe, visto che fin dalle origini la loro era stata una Città aperta all'integrazione. I saggi contenuti nel volume sono numerosi, brevi e avvincenti nella scrittura perché pensati per un pubblico più vasto di quello degli specialisti e dei cultori della materia. L'apparato iconografico è molto ricco e illustra sia le numerose opere in mostra sia le iscrizioni e i monumenti più significativi in questo ambito socio­politico e culturale.

"David Claerbout ci invita a pensare all'opera come ad un evento che chiama in causa le nostre capacità ricettive. La dimensione quasi minimale del suo lavoro non deve trarci in inganno: non si propone come punto di arrivo ma di partenza. È dall'ostinato indugiare di uno sguardo, dove niente sembra accadere, che scaturisce l'elemento che informa la sua ricerca. Tutto appare redento dall'esemplare economia di chi mostra e non racconta, da un evento che non e-viene: un dinamismo immobile in cui l'opera custodisce il suo segreto." (Saretto Cincinelli)

La scultura italiana negli anni trenta vive una stagione di grande fermento, sia per la ricerca formale, che in alcuni casi ancora indugia sugli apporti delle varie Secessioni e quindi dello stile decò, sia per l'idealità che la orienta verso un ritorno alla classicità di tradizione, mediata spesso dalla conoscenza approfondita dei grandi scultori classici francesi, da Rodin a Maillol a Bourdelle, ma sostanzialmente impostata sul recupero dell'antico. L'aspetto monumentale della scultura di questo periodo, sicuramente il più interessante dal punto di vista dell'innovazione, non è il focus di questo studio, che invece vuole osservare, attraverso una selezione di opere e di artisti che è sicuramente parziale, derivando dalle collezioni precostituite della Galleria nazionale d'arte moderna, uno spaccato artistico di grande suggestione, ricomponendo per una volta, forse la prima nella storia della Galleria stessa, un insieme di opere di artisti in gran parte dimenticati, che negli anni trenta hanno trovato spunti e suggestioni dalla tradizione italiana e italica anzi, facendone spesso la ragione prima del loro operare artistico.

"David Claerbout ci invita a pensare all'opera come ad un evento che chiama in causa le nostre capacità ricettive. La dimensione quasi minimale del suo lavoro non deve trarci in inganno: non si propone come punto di arrivo ma di partenza. È dall'ostinato indugiare di uno sguardo, dove niente sembra accadere, che scaturisce l'elemento che informa la sua ricerca. Tutto appare redento dall'esemplare economia di chi mostra e non racconta, da un evento che non e-viene: un dinamismo immobile in cui l'opera custodisce il suo segreto." (Saretto Cincinelli)

Dopo il primo lungo viaggio in Italia, tra il 1901 e il 1902, Paul Klee ritornò più volte nel nostro paese: in Sicilia nel 1924 e nel 1931, all'isola d'Elba nel 1926, a Viareggio nel 1930 e, infine, nel 1932 a Venezia. Durante questi viaggi visitò anche Milano, Genova, Padova, Firenze, Ravenna, Pisa, l'amata Napoli. Ogni città fu di ispirazione per nuovi spunti di studio e in alcuni casi determinarono anche svolte stilistiche, come la fase pointilliste suggeritagli dalla visione dei mosaici bizantini di Ravenna. Ideati direttamente sul posto o creati al rientro in Germania, i "lavori italiani" sono una settantina e si presentano ora in termini astratti ed evocativi, ora di topografica esattezza. Molte di più, tuttavia, sono le opere di Klee nate sotto la spinta delle impressioni, delle riflessioni e dei ricordi suscitati dalla natura e dalla storia italiana. Quattro sono i punti che riassumono l'Italia nella visione di Klee: natura, architettura, classicità e musica, ossia le fonti della sua arte, le basi dei processi creativi e degli sviluppi propriamente tematici della sua opera. Il catalogo presenta le circa 70 opere in mostra, molte immagini di confronto, una selezione di documenti fra cui alcune lettere che Paul Klee scrisse alla moglie dall'Italia, in parte qui tradotte per la prima volta. Chiude una selezione di testi critici a firma di Argan, Ponente e Zahn a conferma delle fortuna critica dell'artista.

Il volume, dalla raffinata veste grafica, guida alla scoperta dell'area archeologica centrale di Roma, attraverso testi continui descrittivi chiari e accattivanti cui si accompagnano vere e proprie analisi d'opera dei monumenti principali e dei capolavori dell'arte antica custoditi nei musei. Godibile anche la lettura degli approfondimenti sugli aspetti più affascinanti della storia e della civiltà romane, dell'antiquaria, delle campagne di scavo, della fortuna letteraria che costellano l'itinerario di visita. Il percorso si avvia dal Foro Romano, un sito assai complesso dove coesistono costruzioni di epoche molto diverse dall'età arcaica all'Alto Medioevo, verso il Palatino, luogo mitico della fondazione della città da parte di Romolo con le sue case dipinte (dei Grifi, di Augusto e di Livia, l'Aula Isiaca) e le fastose dimore dei Cesari affacciate sul Circo Massimo. Grande rilievo è destinato al Campidoglio, sede dei Musei Capitolini, i più antichi musei del mondo di cui si visitano le sale storiche e i più recenti ampliamenti per apprezzarne i capolavori di scultura antica. Si attraversano anche i Fori Imperiali, descritti in ogni loro parte prima di approdare al Museo allestito nei Mercati di Traiano dove sono custoditi i reperti lì rinvenuti in scavi antichi e moderni. Non poteva mancare un'attenta disamina del monumento simbolo di Roma, il Colosseo, per il quale si attende una nuova stagione di restauri, e dei monumenti che lo circondano nella valle...

L'Italia ha avuto un ruolo importante nella formazione umana e professionale del più grande architetto del Novecento. Se negli anni dal 1907 al 1921 l'Italia è soprattutto un oggetto di studio per il giovane Jeanneret che compie i suoi viaggi di formazione, a partire dai primi anni Venti iniziano i contatti personali con esponenti della cultura italiana contemporanea, soprattutto in campo artistico e letterario. Dal 1926 gli architetti razionalisti italiani ricercano Le Corbusier e per tutti gli anni Trenta instaurano con lui stretti rapporti, in particolare a Milano, Roma e Venezia. Dopo il conflitto mondiale i rapporti riprendono intensi. Le Corbusier torna più volte in Italia nel secondo dopoguerra: a Bergamo nel 1949 in occasione del VII CIAM, a Milano invitato dalla Triennale a partecipare al convegno internazionale "De Divina Proportione", a Venezia alla Conferenza internazionale degli Artisti e alla scuola estiva dei CIAM, a Torino, ed infine a Firenze dove nel 1963, a Palazzo Strozzi, è allestita la prima grande esposizione italiana dedicata all'opera lecorbusiana. Nei primi anni Sessanta, alle occasioni artistiche si aggiungono quelle professionali con gli incarichi dei progetti per la fabbrica Olivetti a Rho e per l'Ospedale di Venezia. Il volume è illustrato anche grazie al contributo della Fondation Le Corbusier e al suo ricchissimo archivio iconografico.

L'artista francese realizza quest'opera all'età di 78 anni; afflitto da problemi di salute che lo costringono in carrozzina, Matisse non perde la sua instancabile curiosità e, aiutato dai suoi assistenti, sperimenta un nuovo modo di dipingere: con dei ritagli di carta dai colori intensi e brillanti crea dei grandi collage raffigurando composizioni di carattere astratto. Questo modo di dipingere viene denominato "papiers découpés" o tecnica del "dipingere con le forbici". L'uso delle forbici infatti permette a Matisse di stancarsi meno che con tavolozza e pennello ma di ottenere comunque risultati sorprendenti per senso di equilibrio e purezza delle immagini. Per creare "Jazz" Matisse trae ispirazione dai saltimbanchi, dal teatro, dalla musica e dalla mitologia; alcune tavole, come "Icaro" o "Il Mangiatore di spade", sono diventate vere e proprie icone dell'arte moderna. Questo capolavoro fu pubblicato nel 1947 da Editions Tériade con tiratura di soli 250 esemplari.