Forma Edizioni

Monografia dedicata all'artista sassarese Pino Manos, esponente fin dal 1951 del movimento dello Spazialismo insieme a Lucio Fontana, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi e altri. La sua adesione e partecipazione è testimoniata con 41 mostre fra personali e collettive nel 1962. Nello stesso anno viene chiamato a Londra insieme ai trenta artisti più eminenti in Europa a costituire il Manifesto Europe 1962 Pittura e Scultura, organizzata dalla New Vision Centre Gallery come base della nascente Unione Europea. Il 16 maggio 2019 Manos è stato invitato all'Ambasciata Italiana a Londra quale ospite d'onore per presenziare con le sue opere alla mostra "Spaziale! Italian Spazialism and its Legacy" quale ultimo erede vivente dello Spazialismo. Un saggio critico di Sergio Risaliti, direttore del Museo Novecento di Firenze, e un approfondito apparato iconografico raccontano la vasta e trasversale attività artistica di un grande protagonista dell’arte italiana contemporanea.

La comunità allegra di un orto urbano, la quotidianità di un appartamento dove vivono ragazzi disabili, il volto di una giovane scienziata. Un viaggio lungo un anno nell'universo sociale e urbano della Fondazione Cariplo condotto da 13 fotografi senza fissa dimora, individuati dall'Assessorato alle Politiche Sociali di Milano. Nella mostra fotografica curata da Dalia Gallico che inaugura il 27 maggio alle Gallerie D'Italia fino al 1 settembre, Fondazione Cariplo affida il racconto della sua identità alle immagini di 13 progetti, scelti fra i 1500 che porta avanti ogni anno. Ma soprattutto allo sguardo di 13 uomini abituati a essere definiti per difetto: senza casa, senza lavoro, senza identità, senza futuro. Donne e uomini invisibili a cui la macchina fotografica ha restituito la dignità e la potenza dell'espressione. Un percorso reso possibile grazie alla collaborazione con l'associazione Ri-scatti, la Onlus fondata da Federica Balestrieri che dal 2015 porta avanti progetti di integrazione sociale attraverso la fotografia con il sostegno di Fondazione Cariplo, e con le Gallerie d'Italia. È infatti negli spazi prestigiosi del polo museale e culturale di Intesa San Paolo che saranno in mostra le 52 immagini inedite scelte tra i 9800 scatti che i 13 autori hanno realizzato nel corso di un anno, dopo aver partecipato ai corsi di fotografia tenuti dai fotoreporter dell'associazione The Witness Journal. Una prospettiva che unisce l'atto del raccontare a quello del raccontarsi: insieme alle immagini nella mostra verranno proiettate le videointerviste agli autori. Una testimonianza che illumina le vite di persone che ogni giorno attraversano l'anima periferica, fragile, marginale di Milano. Scopriremo chi sono, dove trascorrono la giornata, dove mangiano, come si lavano, chi hanno perso per strada, quali luoghi chiamano casa, che cosa desiderano e che cosa hanno visto osservando il mondo con la macchina fotografica. Un viaggio lungo un anno che li ha portati dalla periferia al cuore della città.

Quando parliamo di Barcellona pensiamo subito all’eclettimo di Antoni Gaudí, palpabile in ogni angolo della città, o all’Anella Olímpica con la sua torre disegnata da Santiago Calatrava, ma queste sono solo la punta dell'iceberg delle bellezze della capitale catalana, che è riuscita a fondere il vecchio e il nuovo con risultati sorprendenti e unici. L'architettura tradizionale gotica ha un'aria riservata e storica, mentre gli edifici costruiti negli ultimi 10 anni rimandano a correnti d’arte moderna come il cubismo, il neoplasticismo o il futurismo. Nominata capitale europea dell’innovazione nel 2014, la città gode di una pianificazione urbanistica assolutamente distintiva, data la peculiarità degli edifici ad angoli smussati, che rendono gli incroci più “aperti” e consoni per ospitare terrazze e dehors, dando quell'atmosfera socievole e comunitaria. Jean Nouvel, Herzog & de Meuron, Frank Gehry e Norman Foster sono solo alcuni tra i nomi più noti di una lunga selezione di progettisti che hanno contribuito a rendere Barcellona una delle città-simbolo dell'architettura contemporanea. La guida ci porta a scoprire gli angoli più affascinanti di una delle città più seducenti e surreali d'Europa.

In occasione dei 20 anni di attività dell'Estorick Collection of Modern Italian Art a Londra pubblichiamo il catalogo della mostra organizzata presso la fondazione londinese in collaborazione con Intesa Sanpaolo e l'Ambasciata d'Italia a Londra. Le opere esposte raccontano il momento di passaggio di Umberto Boccioni dal periodo divisionista a quello futurista: paesaggi ma soprattutto ritratti di donne eccellenti che sono state uno dei soggetti più amati dal pittore, e che evocano la intima conversazione delle signore in salotto con in sottofondo la Milano che cambia dell'inizio del secolo, riflettendone le nuove scoperte tecnologiche e i mutamenti da esse derivanti.

Oggetto della mostra e del catalogo è il ruolo di Lucio Fontana nei confronti di almeno due generazioni di artisti operanti in Italia nel secondo 900. La sua lezione ha contribuito a far compiere un salto all'ambiente artistico di Milano, già all'avanguardia grazie al Futurismo negli anni antecedenti la Grande Guerra, e che negli anni '50-'60 torna ad avere una posizione preminente a livello europeo. Nel diverso ricorso a manualità e tecnologia, al segno minimale e a una visione universale, le diverse vie di esplorazione della concezione spazio-temporale, sulla falsariga delle intuizioni di Fontana, sprigionano nel contesto artistico milanese e italiano tra gli anni '50 e '60 una serie di proposte che dialogano con le posizioni avanzate altrove (Parigi, New York, Londra o Amsterdam). Un dialogo fra specificità e condivisione di orizzonti, che ha ben rappresentato le aspirazioni di un'arte tutt'altro che separata dalle condizioni del mondo contemporaneo. Dova, Crippa, Tancredi, Deluigi, Baj, Manzoni e altri documentano con la loro arte le molteplici direzioni intraprese dall'arte italiana nel corso del Novecento in quegli anni.

Catalogo della retrospettiva antologica organizzata dalla Fondazione Giorgio Cini dedicata ad Alberto Burri (Città di Castello 1915 – Nizza 1995), curata dallo storico dell’arte e Presidente della Fondazione Burri Bruno Corà. Il progetto si propone quale coronamento di un percorso di riconoscimenti internazionali legati al centenario della nascita dell’artista umbro. La mostra ripercorre cronologicamente la carriera artistica di Burri attraverso circa cinquanta opere scelte tra le sue serie più significative: i Catrami, le Muffe e i Sacchi, fino ad approdare alle Combustioni, ai Legni, alle Plastiche, ai Cretti e ai Cellotex, ultima tappa della ricerca artistica del Maestro. Il catalogo mira a ricostruire nella sua interezza la parabola di uno dei più grandi pionieri della nuova pittura del XX secolo, che attraverso le sue ricerche ha affrontato il tema cruciale dell’utilizzo della materia e della sua trasformazione in opera d’arte ed è introdotto da saggi critici a cura di Bruno Corà e del Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini Luca Massimo Barbero.

Il catalogo della mostra, presentata alla galleria Tornabuoni Art di Parigi, esplora l’origine delle opere di Arnaldo Pomodoro (1926, Morciano di Romagna) e più specificamente la produzione degli anni 1956-65, periodo in cui le opere, che derivano dall’oreficeria prodotta a fianco del fratello Giò e Giorgio Perfetti, evolvono verso piccoli rilievi fatti di cemento e piombo. Successivamente realizza grandi tavole murali incise con glifi illeggibili, ispirati alla scrittura cuneiforme delle tavolette mesopotamiche, i papiri egizi e lo stile grafico di Paul Klee. Nel 1960 Pomodoro, con Novelli, Consagra, Tancredi, Dorazio e Fontana, è uno dei cofondatori del gruppo Continuità, che predica un’“estetica del continuo” intesa come “assenza, indeterminazione del limite” legata agli aspetti formali delle opere d’arte. Così produce le sue prime Sfere, usando bronzo dorato lucido come materiale principale, e la cui creazione segna il passaggio definitivo al momento più alto della sua carriera. Oggi le creazioni di Pomodoro possono essere trovate in musei prestigiosi come il Guggenheim a New York e i Musei Vaticani, inoltre sono esposte in più di 40 piazze pubbliche nelle più importanti città del mondo.

Catalogo della retrospettiva antologica organizzata dalla Fondazione Giorgio Cini dedicata ad Alberto Burri (Città di Castello 1915 – Nizza 1995), curata dallo storico dell’arte e Presidente della Fondazione Burri Bruno Corà. Il progetto si propone quale coronamento di un percorso di riconoscimenti internazionali legati al centenario della nascita dell’artista umbro. La mostra ripercorre cronologicamente la carriera artistica di Burri attraverso circa cinquanta opere scelte tra le sue serie più significative: i Catrami, le Muffe e i Sacchi, fino ad approdare alle Combustioni, ai Legni, alle Plastiche, ai Cretti e ai Cellotex, ultima tappa della ricerca artistica del Maestro. Il catalogo mira a ricostruire nella sua interezza la parabola di uno dei più grandi pionieri della nuova pittura del XX secolo, che attraverso le sue ricerche ha affrontato il tema cruciale dell’utilizzo della materia e della sua trasformazione in opera d’arte ed è introdotto da saggi critici a cura di Bruno Corà e del Direttore dell’Istituto di Storia dell’Arte della Fondazione Giorgio Cini Luca Massimo Barbero.

In questa edizione aggiornata con un capitolo dedicato al percorso produttivo del vino e alla storia del Sangiovese, il volume racconta il progetto per la cantina Antinori, che si inserisce nel contesto collinare-vinicolo del Chianti, a metà strada tra Firenze e Siena. La richiesta della committenza è stata quella di valorizzare il paesaggio e il territorio circostante quale espressione della valenza culturale e sociale dei luoghi di produzione del vino. Il tema concettuale del progetto si traduce in un involucro completamente interrato, privo di coperture, di pareti, di strade, di piazzali di parcheggio, secondo un disegno che tenta una difficile ma necessaria riconciliazione tra naturale e artificiale. È proprio il racconto di questa continua ricerca, della doverosa connessione fra architettura e paesaggio, il fulcro attorno al quale ruota l'intero volume. Centinaia di scatti hanno immortalato anni di lavoro in cantiere, raccontando tutte le fasi che hanno reso possibile la realizzazione di questo intervento così lontano dal comune. Questi, insieme a fotografie d'autore dell'opera, disegni tecnici a tutte le scale, testi critici e descrittivi, illustrano il processo progettuale che ha portato alla costruzione di un nuovo paesaggio.

Milano è una piattaforma che da sempre crea contenuti di design, grazie alla presenza sul territorio di strutture e infrastrutture che nel tempo hanno reso la città centrale nel panorama culturale, nonché un appuntamento fisso sul calendario internazionale grazie al Salone del Mobile e alla moda. Il libro racconta diversi designer italiani e stranieri accomunati dal contribuito disciplinare con cui si è consolidato su scala internazionale il sistema design di Milano nel corso di quasi un secolo (1950 - 2020). I profili sono stati selezionati in base alla carriera svolta, al legame con la città e a come hanno conservato una rilevanza internazionale nel tempo. Il filo conduttore sono da un lato i luoghi in cui avviene il processo creativo di progettazione, dall'altro la voce stessa dei designer: materiale di archivio fornito da eredi e fondazioni e un'intervista a ognuno dei protagonisti della scena contemporanea del design milanese per raccogliere idee, spunti e riflessioni dai creativi che animano la città con l'ambizione di registrare una situazione in costante divenire e con il desiderio di descrivere l'animo internazionale di Milano attraverso la voce di chi la vive.