Mandragora

Parlare di autorialità nel design oggi sembra una resistenza nostalgica e anticontemporanea. Gli ultimi dieci anni di storia italiana si sono in qualche modo caratterizzati, nel design, per un annullamento della primarietà della firma, per un superamento del segno, quasi per un’estetica rimossa. Il design si è comportato come se avesse dovuto metabolizzare un senso di colpa per l’eccesso; gli oggetti in parallelo hanno reagito introversamente, ripiegando sull’ostentazione dei processi, sottraendosi nell’esito, come se la loro presenza, il loro cosa e chi, fosse meno importante del loro come e perché. Pensare oggetti che esistono e che hanno occhi, orecchie, voci che non sono mai quelli di chi li possiede e non sono solo quelli di chi li ha disegnati e prodotti. Produrre oggetti che hanno una vita a sé, che supera il tempo istantaneo del consumo, quello sedimentato dell’archetipo, e quello singhiozzante della moda, per imprimersi con una persistenza retinica altissima, come animata. Pensare e produrre, di questi tempi, sono doveri che non possono prescindere dall’accordamento di un diritto, sono gesti più maturatamente coraggiosi che incoscientemente folli. Con diritto e con coraggio, quindi, Marta Sansoni parla di totem: undici designer diversi per biografia, età e linguaggio ricercano sul tema dell’espressione, e il loro ceramista, Alessio Sarri, racconta l’emozione di quando ha aperto gli occhi fisici e metaforici di queste sculture per la prima volta. Opere di: Giampaolo Babetto, Sergio Maria Calatroni, Nathalie Du Pasquier, Anna Gili, Johanna Grawunder, Massimo Mariani, Alessandro Mendini, Andrea Ponsi, Franco Raggi, Marta Sansoni, George Sowden.

Il volume ha l'obiettivo di offrire un contributo alla comprensione dei processi progettuali del settore moda, contestualizzandoli nei più ampi cambiamenti che stanno investendo le imprese contemporanee. Nella sua lunga evoluzione, infatti, la moda ha generato un sistema complesso che coinvolge figure professionali diverse con diverse competenze creative, tecniche e gestionali. Il volume, arricchito di grafici e immagini, è rivolto per il rigore dei contenuti agli studiosi del settore ma anche agli appassionati grazie al suo linguaggio chiaro e diretto.

Lo studio di Emanuele Zappasodi si distingue per l'ampio respiro geografico e la capacità di ricostruire il ruolo degli spazi conventuali occupati dalle donne all'interno del vasto movimento penitenziale nato tra il XII e XIII secolo. Lo status di reclusione delle monache - dette nella Tuscia pinzochere e bizzoche, nello spoletino incarcerate o encarcerate, altrove pauperes dominae o sorores minores - sarebbe stato messo a fuoco progressivamente dalle azioni del cardinale Ugolino dei conti di Segni (salito al soglio come Gregorio IX) e soprattutto dalla bolla Periculoso emanata da Bonifacio VIII che rendeva rigorosa la clausura. Gli spazi claustrali diventavano così inaccessibili dall'esterno, e assumeva un ruolo fondamentale nella vita monacale il coro, da cui le sorores, non viste, potevano seguire la celebrazione liturgica e che, da un punto di vista architettonico, veniva ad intrattenere con la chiesa di appartenenza un rapporto non vincolato da un modello comune. Infatti, lo troviamo collocato lateralmente, dietro all'altare, sospeso in controfacciata, siglando una varietà di soluzioni all'incontro fra norma e sperimentalismo. Lo studio di questi spazi, affrescati per garantire alle monache la comprensione della parola divina, e il loro ambiguo e mutevole rapporto con il corpo della chiesa di appartenenza sono al centro dei case-studies messi in evidenza dall'autore. A partire dalla basilica di Santa Chiara ad Assisi, con un'analisi e una ricostruzione delle vicende della celeberrima Croce di San Damiano e delle opere del coro che con essa dovevano dialogare, si incontrano la chiesa di San Pietro in Vineis ad Anagni e quella di Santa Maria delle Donne ad Ascoli Piceno nelle loro peculiarità architettoniche, la chiesa di Santa Maria di Monteluce e quella del monastero cistercense di Santa Giuliana a Perugia e i loro apparati decorativi; la chiesa di Santa Maria inter Angelos a Spoleto, dei cui spazi si fornisce un'acuta rilettura. Presentazione di Andrea De Marchi.

Dopo la mostra "In una Carne, il senso del corpo", tenuta presso il Grande Museo dell'Opera del Duomo a Firenze nel dicembre del 2016, la Sacred Art School-Firenze torna sul tema della corporeità nell'arte sacra con una giornata di studi di cui in questo volume si raccolgono alcuni degli interventi e contributi successivi. Il volume è uno stimolo alla riflessione per gli artisti che, insieme a storici dell'arte, filosofi e teologi, hanno avuto occasione di interrogarsi sul senso della figura e della corporeità nell'arte sacra cristiana contemporanea. I contributi di Maria Teresa Russo e di Oana Gotia ci introducono al senso filosofico della corporeità e alla "teologia del corpo". I curatori della pubblicazione Timothy Verdon e Giancarlo Polenghi affrontano il tema della corporeità in chiave teologica e storico-artistica e a partire dalla concreta esperienza culturale della Sacred Art School-Firenze. Tra gli artisti troviamo le testimonianze di due docenti statunitensi di tradizione figurativa (Anthony Visco e Cody Swanson) e un autorevole artista non figurativo italiano, Filippo Rossi. Il volume si chiude con la relazione del teologo Alessandro Clemenzia. Al volume si accompagnano le immagini delle opere più rappresentative degli allievi della Sacred Art School-Firenze, che attraverso la pittura, la scultura e l'oreficeria, mostrano quanto ancora vivo e "parlante" sia il linguaggio dell'arte sacra.

Il volume, splendidamente illustrato, affronta questioni che da sempre appassionano gli studiosi, ovvero perché tra i secoli XII e XIV sia nata in Toscana l'esigenza di visualizzare i contenuti del Vangelo nel luogo del suo annuncio liturgico, e quali rapporti quest'innovazione abbia con la spiritualità del tempo, e in particolar modo con san Francesco, con la predicazione e con le prime manifestazioni europee del teatro popolare. Il convegno, che ha coinvolto diciotto tra storici dell'arte e teologi, quattro diocesi e tre antiche fabbricerie, è promosso dal Centro Ecumenico d'Arte e Spiritualità Mount Tabor, ed è anche l'occasione per riscoprire straordinari capolavori di scultura medievale, realizzati da artisti celebri come Nicola e Giovanni Pisano - i cui pergami si trovano nel Duomo e nel Battistero di Pisa, nella Cattedrale di Siena e nella chiesa romanica di Sant'Andrea a Pistoia - ma anche da collaboratori come il grande architetto, scultore e urbanista Arnolfo di Cambio che, formatosi nella bottega di Nicola Pisano, ancora giovane lavora nella realizzazione dell'ambone per il Duomo di Siena e poco dopo, nel 1270, in quello della chiesa di San Giovanni Fuorcivitas a Pistoia.

Questa Divina Commedia è un adattamento del capolavoro di Dante Alighieri, reso semplice e comprensibile per i bambini. Un modo di avvicinare anche i più piccoli alla grande letteratura, trasformandola in un'avventura appassionante. Grazie al lavoro dei due autori, immagini e testo diventano uno strumento per trasmettere contenuti complessi e avvicinare, incuriosire e aprire la strada alle letture che verranno. Gli autori hanno scelto i "momenti" e i concetti considerati fondamentali per la raffigurazione compiuta del pellegrinaggio nel mondo della dannazione, della purificazione e della beatitudine e tradotti in immagini e versi endecasillabi - ma senza rima, una scelta che altrimenti rischiava di banalizzare il lavoro. Simboli, forme, linguaggio, colori trasmettono il poema dantesco e la cultura di quell'epoca in modo rispettoso e allo stesso tempo giocoso, così da raggiungere la comprensione, la fantasia e la forza immaginativa dei bambini. Il testo inglese raddoppia l'operazione culturale e comunicativa del volume. Età di lettura: da 7 anni.

Con saggi di Andrea De Marchi, Renzo Fantappiè, Claudio Cerretelli, Isabella Lapi Ballerini, Cristina Gnoni, Rita Iacopino, Marco Ciatti, Diana Toccafondi. Schede di Aurora Corio, Chiara Marcheschi, Andrea De Marchi, Carl Brandon Strehlke, Fulvio Cervini, Cristina Gnoni, Camila Amoros, Fabiana Carelli, Viola Casaglieri, Don Renzo Fantappiè, Valentina Baffi, Lorenzo Sbaraglio, Giovanni Giura, Anna Maria Guiducci, Francesco Caglioti, Rita Iacopino, Giada Petrillo, Daniela Degl’Innocenti, Marco Campigli, Simone Giordani, Paolo Benassai, Marzia Casini, Don Marco Pratesi, Giovanni Pestelli, Claudio Cerretelli, Monica Cecchi, Dora Liscia Bemporad, Valentina Rubechini, Franco Paliaga. La Sacra Cintola, la cintura della Vergine custodita nel Duomo che per secoli è stata il tesoro più prezioso di Prato, è un simbolo religioso e civile, fulcro delle vicende artistiche della città ed elemento cardine della sua identità. La sottile striscia (di 87 centimetri) di lana di capra broccata in filo d’oro è il fulcro di un’esposizione che comprende altre opere di valore, prima tra tutte la pala di Bernardo Daddi del 1337-1338 che racconta la leggenda di come la reliquia sia stata consegnata a San Tommaso dalla Madonna al momento dell’Assunzione, sia stata portata a Prato verso il 1141 dal mercante pratese Michele Dagomari e da questi donata nel 1172, alla pieve della città. Il catalogo dell’esposizione illustra, oltre naturalmente alla reliquia solitamente conservata nella cappella di Agnolo Gaddi nel Duomo, la serie di dipinti, sculture e miniature in mostra, che testimoniano le varie elaborazioni del tema dell’Assunta che dona la propria cintola. In aggiunta, testi e foto propongono lo studio della cappella affrescata da Gaddi, la prepositura di Santo Stefano, le ostensioni che abitualmente avvengono a Prato e la storia del suo culto nei secoli.

"Quel non so che di antico e di moderno....", scriveva Carlo Carrà, quando la corrente artistica e culturale, che ormai andava diffondendosi anche oltre i confini, veniva ambiguamente definita "Ritorno all'ordine". Il clima storico era profondamente mutato. La mostra, realizzata grazie al prezioso sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna, esamina quanto insopprimibile sia stato il richiamo dell'"antico" lungo tutto il Novecento, e ripercorre la storia del secolo scorso con uno sguardo diverso, mirato a documentare artisti e vicende che testimoniano l'attenzione all'"antico" non solo di autori estranei alla modernità, ma anche di molti che senza rinnegare la loro appartenenza a movimenti, gruppi, tendenze innovative, hanno attinto, in modi diversi, alla memoria storica. Da protagonisti come De Chirico, Morandi, Carrà, Martini, Casorati, al periodo cruciale del Ritorno all'ordine fra le due guerre, col "Novecento" di Margherita Sarfatti e Sironi, fino al cosiddetto "Realismo magico", ma anche alle versioni diversissime del "neobarocco", da Scipione a Fontana a Leoncillo; figure come Guttuso e Clerici, quindi la stagione della Pop Art, con Schifano, Festa, Angeli, Ceroli, e quindi, nel pieno dell'Arte Povera, Paolini e Pistoletto. E ancora, da Salvo ad Ontani, da Mariani a Paladino. Con una presenza rilevante di stranieri quali Duchamp, Man Ray, Picasso, Klein, per citare i principali.

Come i due precedenti, anche questo volume del catalogo dell'Alana collection è stato approntato da Miklós Boskovits, prima della sua scomparsa nel 2011. Sulla scia dei criteri di selezione già applicati in precedenza, il volume presenta trentasei opere realizzate da pittori italiani tra il XIII e il XVI secolo, attivi in Toscana, Veneto, Lombardia, Liguria, Emilia Romagna e Marche i quali testimoniano la varietà e la ricchezza di questo periodo artistico documentato nella collezione.

Il ciclo di conferenze, raccolte in vista del convegno internazionale "Il Battistero di San Giovanni. Conoscenza, Diagnostica, Conservazione" del novembre 2014, ribadisce come il Battistero fiorentino resti una delle fabbriche plurisecolari più importanti del contesto architettonico europeo. Da qui, una prima lettura di alcuni aspetti peculiari da consegnare al convegno: la ricerca, ormai giunta a risultati affidabili, sulle origini dell'edificio come domus romana; il valore profondo della figura dell'ottagono e dell'edificio sacro a pianta ottagonale nell'architettura e nella cultura antica e medievale; per passare poi ai valori artistici del Battistero: i mosaici che ne decorano la volta, le tre monumentali porte, le articolate "narrazioni" del fonte battesimale e del monumento all'antipapa Giovanni XXIII; fino ai problemi conservativi e di restauro che grande importanza hanno acquisito negli ultimi decenni. In ciascuna delle trattazioni qui raccolte vi sono spunti e sollecitazioni per una più corretta impaginazione dei problemi presenti, momento essenziale per conoscere e amare di più questo simbolo di arte cristiana e di architettura universale.

Nel 1956 Palazzo Strozzi ospitò la "Mostra del Pontormo e del primo manierismo fiorentino". Si trattava della prima importante rassegna dedicata al protagonista di un movimento che aveva da poco avuto una piena rivalutazione critica. Quasi sessant'anni dopo Palazzo Strozzi ripropone una mostra dedicata al Pontormo insieme all'altro principale protagonista di quel movimento, Rosso Fiorentino. Entrambi nacquero nel 1494, in un momento storico in cui Firenze e l'Italia assistevano alla rottura dell'equilibrio politico che aveva garantito loro prosperità e sicurezza, sul principio di una travagliata età di scontri religiosi e politici che avrebbero portato a un mutamento definitivo degli equilibri fra gli Stati. I due artisti, con attitudini e vicende che, a partire dal comune apprendistato alla bottega di Andrea del Sarto, si sarebbero sempre più distinte e allontanate, furono in egual misura artefici della trasformazione dei concetti di armonia ed equilibrio che avevano caratterizzato l'arte rinascimentale. Attraverso le opere dei due massimi protagonisti fiorentini della pittura che la critica novecentesca ha definito "manierista", il catalogo intende seguire lo svolgimento cronologico di quel movimento che Giorgio Vasari colloca agli inizi della "maniera moderna".