Mauro Pagliai Editore

Astro del divisionismo livornese, Gino Romiti (1881- 1967) è forse, tra gli allievi spirituali di Giovanni Fattori, colui che seppe elaborare la disciplina dei rapporti tonali di memoria macchiaiola con talento innovatore. Inspiegabilmente sottovalutato da parte della critica toscana nonché italiana, Romiti seppe invece intuire le possibilità evolutive della macchia nel contesto di una pittura evocativa, ai limiti del simbolo. Di innegabile riferimento internazionale possono dirsi gli stupefacenti fondi marini, realizzati fin dagli anni Dieci, in alcuni dei quali si avverte addirittura l'eco futurista. Il volume raccoglie circa un centinaio delle sue maggiori opere, pubblicate tutte a colori e a piena pagina. In apertura il saggio di Francesca Cagianelli "Un realista sognatore tra terra e mare". Concludono l'opera un testo biografico e una bibliografia aggiornata. Prefazione di Sira Borgiotti.

Quando una donna scopre d'essere incinta, sa che farà nascere un bambino, ma non sa che lei stessa sta per nascere di nuovo. Il racconto è il diario di una maternità voluta, desiderata e vissuta fino in fondo, con tanto di sconvolgimenti emotivi e ormonali, risate e lacrime, visite mediche e scoperte straordinarie della futura madre, soprattutto su se stessa, sul suo corpo e sul suo cuore. Un percorso che sembra lungo e che passa leggero, veloce come un soffio. Un'apologia della gravidanza serena in cui l'immaginazione è alimentata dall'idea che non sia una patologia, ma uno stato fisiologico, un modo di essere che dura nove mesi. Tutto perché un bambino nasca, insieme a una nuova famiglia e a una nuova donna che verrà chiamata col più zuccherino degli epiteti: mamma.

Teoria e tecnica della pappa al pomodoro. Ma anche pensieri, racconti, ricordi, riflessioni, poesie e canzoni che ruotano intorno a questo storico piatto della cultura toscana. Un vero viaggio alla scoperta di una pietanza all'apparenza semplice, ma che può diventare originale sovvertendo la tradizione. Largo alle cozze e alle uova, dunque.

Racconti taglienti e affilati come la lama di un serial killer. Rapidi e inattesi. Storie metamorfiche che trasformano il bene in male, i buoni in cattivi e viceversa. Brevi narrazioni per raccontare tutto il dolore e la pena che si annidano nella cosiddetta normalità e in una presunta innocenza, metafore dell'orrore con cui si fanno quotidianamente i conti: egoismi, disamore, arroganza, prepotenza, ansia di potere.

Proprio quando il giovane e abile arrampicatore sociale Armando Vega crede di aver raggiunto i vertici della sua scalata, una serie terribile di eventi negativi lo spinge a compiere un atto disperato. La sua incapacità di togliersi la vita lo induce ad assoldare un killer per farsi uccidere. Improvvisamente, però, gli eventi negativi che lo avevano spinto a quella estrema decisione si mostrano non essere più tali e di conseguenza Vega non vuole più morire. Ma intanto l'uomo che ha fatto da intermediario tra lui e il killer viene eliminato in un regolamento di conti e il giovane si ritrova così nel mirino di un sicario psicopatico e incontrollabile. Quando poi scopre che sulla lista del killer, tra altri nomi, c'è anche quello del suo odiato quanto potente futuro suocero, Vega si rende conto che l'unico modo per salvarsi e salvare dalla furia del sicario le altre vittime designate, è quello di scovare il feroce killer e fermarlo. Salverebbe tra gli altri anche una nota e bellissima popstar, anche lei misteriosamente finita nella stessa lista di morte. Le cose si complicano fatalmente quando il giovane decide, per sottrarsi alla caccia del killer, di cambiare identità...

È un volume multidisciplinare sulla pittura di Giovanni Fattori. Grazie al contributo di numerosi esperti scientifici, istituti e centri di ricerca, il lavoro raggiunge un traguardo pionieristico nel campo dell'indagine conoscitiva di un particolare gruppo di opere d'arte finalizzata alla conservazione e al restauro. Con la pittura di Fattori (e dei suoi contemporanei) si affacciarono all'universo delle tecniche artistiche tradizionali materiali nuovi dai comportamenti non noti né prevedibili: dai supporti in sottili legni esotici cavati dalle celebri scatole di sigari ai pigmenti che si arricchivano di prodotti chimici di sintesi. Alle procedure tradizionali di preparazione delle tavole e tele, pur note e tramandate in ambito accademico, si venivano affiancando metodi irrituali e sperimentali, più adatti a una pittura praticata en plein air.

È lecito chiedersi in cosa hai sbagliato, mentre puntano la pistola alla tempia di tuo figlio? Cinquanta parla di armadi che si aprono e ne escono minacce. Parla di televisori che non si possono spegnere. Di bambini che si chiedono cos'è un televisore e che gusto c'è a vederci la gente dentro. Parla del futuro. Del passato. Del presente? Cinquanta poteva nascere solo in Italia.Niente allarmismi, Cinquanta è una specie di fantascienza. O forse no.

A Dresda nel 1905 viene stilato il manifesto programmatico del gruppo Die Brüche (Il Ponte). Nello stesso anno Lorenzo Viani (1882-1936), espone al Regio Casinò di Viareggio, sua città natale, i primi lavori di timbro fattoriano e altri prevalentemente grafici, di atmosfera simbolista. Il suo personale espressionismo "intensivo", pur avendo l'aggressività primitiva e l'estrema convinzione anti-accademica, è ancora nella fase embrionale. L'artista si formerà come espressionista sulle rive della Senna, con uno stile contraddistinto dalla propria emotività anarcoide. Importanti, anzi determinanti, saranno gli incontri con le opere di Vincent van Gogh e la pittura dei Fauves. Al rientro in Italia il suo percorso si pone nei binari dell'avanguardia: la sua produzione entra di diritto tra le più significative del primo Novecento non solo italiano ma europeo.

Definito dalla letteratura critica "il Van Gogh livornese", Mario Puccini incarna la parabola dell'artista "selvaggio", anche a causa della parentesi esistenziale segnata, nell'ultimo decennio dell'Ottocento, dal ricovero nell'ospedale psichiatrico di Siena. Sostenuto e stimato dai protagonisti più illuminati del mercato artistico toscano dell'epoca, da Angelo De Farro a Romolo Monti, da Mario Galli a Gustavo Sforni, l'artista consegue progressivamente un proprio riscatto personale e professionale. Emblema della sua produzione, intrisa di violenti cromatismi e drammi sentimentali, possono considerarsi le numerose versioni delle scogliere del Lazzaretto di Livorno, trasfigurate da vortici di arancio infuocato.

Dalle sale dell'Accademia di Belle Arti di Pisa e quindi di Firenze, fino al Salon di Parigi del 1875 e del 1878, Francesco Gioli arricchisce l'originaria matrice purista con gli aneliti del naturalismo europeo e dell'impressionismo. Costantemente critico nei riguardi di qualsiasi novità tecnica l'artista segue un proprio personale e moderato percorso di aggiornamento stilistico che lo conduce sullo scorcio dell'Ottocento alle soglie del divisionismo e del simbolismo. Nel corso del Novecento, lungi dal ristagnare nell'orbita del macchiaiolismo, Gioli saprà farsi interprete di un rinnovato linguaggio di eleganza disegnativa e grazia cromatica, con cui affrontare le consuete tematiche della figura e del paesaggio, stavolta nell'ottica di una più vibrante poesia.

La pittura di Lomi non ricerca la teatralità e ama soffermarsi su tutto quello che non è appariscente. I suoi paesaggi, le sue marine (che sono il suo soggetto più noto e più amato), le sue vedute della Vecchia Livorno, come quelle dei laghi lombardi, le sue campagne con greggi e pastori, i suoi angoli di cascinali dove qualche donna cuce all'ombra e nell'ombra, ci parlano di un'arte sommessa, che non persegue l'eloquenza o il clamore. Nell'ambito della tradizione macchiaiola della quale respira l'inclinazione al vero e la sincerità espressiva, Lomi si distingue per una particolare vocazione alla misura, evitando ogni tematica solenne, così come ogni aspirazione al sublime. Fondamentale, nel suo percorso artistico, resta la capacità di tradurre l'impressione in una rinnovata visione sintetica della realtà.