Moebius

Il progetto Insulae Aqua, è un elogio dell’isola, come dimensione fondante del nostro stare al mondo. Isola – dal latino insŭla – è una terra interamente circondata dall'acqua, che ne definisce un territorio distintamente delimitato e poco accessibile dall’esterno, in cui l’esperienza fisica dell’isolamento si unisce a quella lirica di uno sguardo sempre teso verso l’infinito. Nella sua dimensione metafisica e introspettiva, l’isola è immagine, simbolo, sogno e metafora del nostro vivere contemporaneo. Insulae Aqua è un’indagine fotografica in ascolto del territorio e della comunità che abita la piccola e incontaminata isola di Linosa, luogo affascinante e magnetico dalle peculiarità paesaggistiche, geografiche e naturalistiche uniche, trionfo di complessità ambientale, biologica e vitale. La narrazione dell’isola più remota e isolata d’Italia attraverso gli scatti di Gianni Berengo Gardin e Filippo Romano.

Pittori come Monet, Renoir, Delacroix e Courbet colgono l’immediatezza e la vitalità del paesaggio normanno imprimendo sulla tela gli umori del cielo, lo scintillio dell’acqua e le valli verdeggianti della Normandia, culla dell’Impressionismo. Il volume raccoglie i capolavori della Collezione Peindre en Normandie– tra le collezioni più rappresentative del periodo impressionista– e racconta gli scambi, i confronti e le collaborazioni tra i più grandi artisti dell’epoca che– immersi in una natura folgorante dai colori intensi e dai panorami scintillanti– hanno conferito alla Normandia l’immagine emblematica della felicità del dipingere.

«Un'opera d'arte può venire solo dall'interno dell'uomo. L'arte è la forma dell'immagine formata sui neri, il cuore, il cervello e l'occhio dell'uomo.» (Edvard Munch)

Con oltre 200 opere, Hokusai rappresenta un’occasione unica per conoscere il massimo esponente dell’Ukiyoe, il filone artistico legato allo stile di vita e ai gusti delle nuove classi emergenti dell’allora città di Edo, oggi Tokyo. Katsushika Hokusai, artista eccentrico e poliedrico, ha saputo ritrarre con originalità la natura, la quotidianità e le molteplici sfaccettature della società del suo tempo, combinando la pittura tradizionale giapponese con le tecniche dell’arte occidentale, diventando un incredibile interprete della realtà a lui circostante. Il maestro delle iconiche vedute e bellezze paesaggistiche, come la celebre stampa “La grande onda”, è un artista raffinato e poetico. Della sua produzione troviamo, insieme ai capolavori conosciuti, le produzioni più sconosciute ma fortemente identitarie come i surimono, biglietti pubblicitari e inviti prodotti in edizione limitata, i dipinti su rotolo contraddistinti da raffigurazioni di seducenti bellezze e animali leggendari, i volumi dedicati ai Manga e utilizzati come manuali da disegno per pittori alle silografie dedicate a personaggi letterari e poetici, e tante alte produzioni che dimostrano la sua versatilità e visione. Un artista unico, capace di influenzare i grandi del passato come Degas, Toulouse-Lautrec.

Una retrospettiva antologica sulla figura di Carlo Orsi che presenta al pubblico una selezione di oltre 100 fotografie in bianco e nero selezionate dal giornalista e scrittore Giorgio Terruzzi. Un percorso suddiviso in sezioni che seguono le tematiche affrontate da Carlo Orsi durante la sua carriera, tra cui i lavori per il libro “Milano 1965” e l’esperienza della rivista “Città”, con immagini dedicate a Milano e ai suoi protagonisti. Un’altra sezione del volume è destinata ai ritratti di personaggi di spicco, da Pertini ai Beatles, da Arnaldo Pomodoro a Renato Pozzetto. Sono poi raccontate le collaborazioni di Orsi nel campo della moda, della pubblicità, del design e dell’architettura, ma anche aspetti legati ai suoi reportage, tra cui quelli svolti per volontariato in Tibet, Cina, Uganda, Bangladesh e Bolivia.

Per via della sua fragilità, per l'estrema umanità che rappresenta, Maria Maddalena esprime sempre emozioni forti, che non vediamo sul volto di nessun altro santo. Un personaggio perfetto per la sensibilità e il talento di Artemisia Gentileschi, che nella sua carriera ha dipinto quasi soltanto donne dalle vite straordinarie.

Premio internazionale di Architettura Sacra «Frate Sole» 2024.

"1950-1970. La grande arte italiana" vuole mettere in luce la qualità delle ineguagliabili collezioni della Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma e porre l'attenzione sul ruolo da protagonista che la Galleria rivestì nella costituzione del patrimonio artistico italiano moderno e contemporaneo, grazie soprattutto al rapporto attivo che la soprintendente Palma Bucarelli seppe intrecciare con gli artisti più significativi e innovativi di quella così alta stagione artistica. Il volume evidenzia le origini di quello che fu un vero e proprio "movimento artistico tellurico": un vero corpo a corpo fra i "nuovi maestri" dell'arte italiana del dopoguerra, di cui si esplorano le radici. Per l'arte italiana si tratta dei protagonisti germinali, oggi identificati come gli interpreti internazionali dell'allora contemporaneità da Giuseppe Capogrossi a Lucio Fontana, da Alberto Burri a Pino Pascali, da Piero Manzoni a Mario Schifano.

Il volume dedicato all’opera di Antonio Ligabue (1899-1965) offre un’approfondita analisi di questo straordinario protagonista dell’arte italiana del XX secolo. Tra le oltre cento opere presenti spicca il prezioso album di disegni, recentemente riscoperto, mai esposto prima. Questa raccolta aggiunge una nuova dimensione alla comprensione dell’evoluzione artistica di Ligabue e del suo stile unico che fonde realismo e fantasia. Esplorando i temi centrali dell’universo creativo del pittore –dalle fiere agli animali domestici, dalla vita rurale agli autoritratti – la pubblicazione si arricchisce di due contributi originali: un saggio del regista Giorgio Diritti, che offre una prospettiva cinematografica, e un’analisi di Francesca Romana Morelli sul rapporto tra Ligabue e Renato Marino Mazzacurati. Questi testi propongono per la prima volta una lettura completa del duplice successo del pittore, come uomo e come artista.

Fernando Botero è uno degli artisti più noti nel panorama internazionale, autore di opere iconiche che si sono impresse nell’immaginario collettivo. Le forme monumentali dei suoi soggetti e le fisicità corpulente sono da sempre il suo marchio distintivo, ciò che ha reso il suo stile unico e immediatamente riconoscibile: Botero rappresenta nelle sue opere l’opulenza delle forme, il volume enfatizzato dall’uso iperespressivo del colore, quell’abbondanza che è anche positività, ricchezza e vita. Questa pubblicazione racconta oltre sessant’anni anni di carriera artistica con dipinti, acquerelli, sanguigne, carboncini e sculture, tra i quali molti inediti: opere che rappresentano l’universo poetico dell’artista, che affonda le radici nella natia Colombia.

Il catalogo della mostra al museo Cleve Carney Museum of Art di Chicago, presenta una collezione di opere giapponesi, offrendo al pubblico un’approfondita conoscenza della produzione pittorica giapponese del periodo Edo (1603–1868), in particolare dell’ukiyo-e, le “immagini del Mondo Fluttuante”. Nel volume sono presenti una selezione di dipinti su rotoli verticali appesi (kakemono) e rotoli orizzontali dipinti a mano dai grandi maestri delle diverse scuole, a partire dalla metà del XVII secolo. Sono inoltre pubblicate stampe xilografiche a colori con contorni in nero e parti dipinte a mano – una tecnica che si è evoluta nelle nishiki-e, le celebri “immagini broccato” policrome – oltre a ventagli stampati e dipinti, e oggetti d’alto artigianato che testimoniano la ricca tradizione artistica e artigianale giapponese, come giochi da tavolo e strumenti musicali, raccontando l’evoluzione del gusto, delle mode e della cultura dell’intrattenimento sviluppatasi durante la lunga pace Tokugawa corrispondente al periodo Edo. Le straordinarie opere in mostra provengono dalle prestigiose collezioni italiane del Museo d’Arte Orientale E. Chiossone di Genova.