Moebius

George Hoyningen-Huene (San Pietroburgo 1900 – Los Angeles 1968) è riconosciuto come un pioniere indiscusso nel genere della fotografia di moda. Il suo stile elegante e sobrio ha avuto un impatto fondamentale sui fotografi di tutto il mondo e il suo lavoro continua ad avere rilevanza ancora oggi, come artista che ha creato alcuni dei ritratti e delle composizioni fotografiche più sorprendenti del ventesimo secolo. George Hoyningen-Huene (1900-1968) è stato un visionario della fotografia, capace di trasformare luce e composizione in pura poesia visiva. Maestro indiscusso del ritratto e della fotografia di moda, il suo obiettivo ha catturato l’essenza della haute couture negli anni Venti e Trenta per riviste iconiche come “Vogue”, “Harper’s Bazaar” e “Vanity Fair”. Questo volume rende omaggio al suo genio, conducendo il lettore in un universo in cui i canoni della bellezza classica si fondono con uno sguardo intriso di suggestioni surrealiste. Attraverso una straordinaria raccolta di immagini e saggi di illustri studiosi, si celebra l’eredità di un maestro che ha ridefinito la fotografia di moda come forma d’arte, lasciando un segno indelebile nell’immaginario collettivo.

La chiesa di San Rocco a Sambuceto nasce dalle rovine di un terremoto e dalla volontà di una comunità di cittadini di reagire per consolidare una propria identità di storia e fede. Il progetto di Mario Botta - raccontato in questo volume in prima persona e indagato nei saggi di Bruno Forte, Fulvio Irace e Bruno Corà - ha cercato di interpretare le esigenze di vita, le speranze e le attese anche nel bel mezzo delle contraddizioni del vivere quotidiano: "il compito dell'architetto, anche nei temi che coinvolgono lo spazio sacro", scrive Botta, "resta quello di testimoniare, nei tempi della propria storia, i valori identitari sedimentati nel grande passato e segnare una coscienza critica dell'essere oggi uomini sulla terra, nella convinzione che sacra sia l'architettura stessa, poiché trasforma una condizione di natura in una condizione di cultura".

Lo stridente vuoto che segue la perdita di una persona cara, l'ampia sensazione extracorporea del tocco sensuale, la spossatezza della malinconia e l'estatica ricettività alla luce del sole. La sua capacità di catturare e trasmettere sensazioni e sentimenti attraverso i materiali dell'arte pone l'artista norvegese Edvard Munch (1863-1944) all'avanguardia dell'arte europea all'inizio del secolo scorso. È interessante notare che l'esplorazione artistica di Munch della percezione e la sua persistente messa in discussione dell'oggettività della visione si intersecano con le idee maturate all'epoca nei campi della psicologia e dell'ottica sperimentale. "Edvard Munch. Il grido interiore" esamina queste connessioni. I saggi di questo catalogo esaminano questo fenomeno e indagano anche un aspetto meno noto dell'opera dell'artista: il rapporto di Munch con l'Italia.

Il linguaggio di Leonor Fini (1907-1996) si esprime attraverso l’arte, ma anche attraverso la vita, attraverso la persona nel senso più profondo del termine. Il suo lavoro induce a riflettere sulla complessità del mondo dell’intimità, sull’inafferrabilità dell’identità e sulla costruzione della propria immagine. Di fronte a qualsiasi tentativo di classificazione, oggi viene fatta una dichiarazione che fa riverberare il suo lavoro nel presente: “Io sono Leonor Fini”.

Le vetrine Galtrucco che con i loro drappeggi di tessuti colorati attiravano l'attenzione dei passanti sono rimaste, specialmente a Milano, nella memoria collettiva. Quei negozi, con il design degli interni e gli arredi progettati da famosi architetti come Guglielmo Ulrich e Melchiorre Bega, sono stati un segno della capacità di rinnovamento della cultura milanese del secolo scorso nel campo del commercio, dell'architettura e anche dell'eleganza. Il volume fa rivivere la storia dell'attività commerciale Galtrucco dagli anni Venti fino agli inizi del nuovo millennio, attraverso fotografie, figurini, disegni, progetti e pezzi d'epoca originali che ne ricostruiscono l'identità. Il libro dedica inoltre un particolare approfondimento al tema dei tessuti per abbigliamento che hanno reso famoso il marchio, il cui filo conduttore si ritrova negli album campionario e nelle tirelle di tessuto che, nel corso del tempo, hanno documentato il variare del gusto e del design della moda; a completamento, vengono presentati alcuni modelli realizzati con tessuti Galtrucco da celebri marchi come Armani, Krizia e Chloé.

Maurits Cornelis Escher è uno dei più famosi grafici e illustratori di tutti i tempi. Le sue creazioni, geniali e visionarie, hanno segnato l'immaginario collettivo del Novecento e dei nostri giorni. Ha saputo confrontarsi coni temi dell'universo geometrico e numerologico (spesso in anticipo sulle ricerche degli stessi specialisti, oppure in prodigiosa contemporaneità), misurandosi con i concetti di spazio e d'infinito e, quindi, di tempo e di eternità. Ma Escher è stato anche e soprattutto un grande artista, profondo conoscitore della storia dell'arte e in costante contatto con gli ambienti culturali italiani ed europei. Artista scoperto in tempi relativamente recenti, Escher è amato da chi conosce l'arte, ma anche da chi è appassionato di matematica, geometria, scienza, design, grafica. Attraverso circa cento opere, questo catalogo presenta l’intero percorso artistico, dagli inizi ai viaggi in Italia alle varie tecniche artistiche che lo videro impegnato per tutta la vita e che lo hanno reso un artista unico.

Attraverso sei straordinari capolavori dell’arte, il volume pone l’attenzione sull’importanza della collezione della Pinacoteca Civica “Francesco Podesti” di Ancona, testimonianza del livello altissimo della committenza locale. Tra le opere di Olivuccio Ciccarello, Carlo Crivelli, Lorenzo Lotto e Guercino, spicca indubbiamente la monumentale Pala Gozzi di Tiziano. I dipinti, fortemente legati alla storia di Ancona, descrivono un percorso artistico frutto di importanti contaminazioni tra correnti che hanno reso la città depositaria di assoluti capolavori tra il XV e il XVII secolo.

Il progetto Insulae Aqua, è un elogio dell’isola, come dimensione fondante del nostro stare al mondo. Isola – dal latino insŭla – è una terra interamente circondata dall'acqua, che ne definisce un territorio distintamente delimitato e poco accessibile dall’esterno, in cui l’esperienza fisica dell’isolamento si unisce a quella lirica di uno sguardo sempre teso verso l’infinito. Nella sua dimensione metafisica e introspettiva, l’isola è immagine, simbolo, sogno e metafora del nostro vivere contemporaneo. Insulae Aqua è un’indagine fotografica in ascolto del territorio e della comunità che abita la piccola e incontaminata isola di Linosa, luogo affascinante e magnetico dalle peculiarità paesaggistiche, geografiche e naturalistiche uniche, trionfo di complessità ambientale, biologica e vitale. La narrazione dell’isola più remota e isolata d’Italia attraverso gli scatti di Gianni Berengo Gardin e Filippo Romano.

Pittori come Monet, Renoir, Delacroix e Courbet colgono l’immediatezza e la vitalità del paesaggio normanno imprimendo sulla tela gli umori del cielo, lo scintillio dell’acqua e le valli verdeggianti della Normandia, culla dell’Impressionismo. Il volume raccoglie i capolavori della Collezione Peindre en Normandie– tra le collezioni più rappresentative del periodo impressionista– e racconta gli scambi, i confronti e le collaborazioni tra i più grandi artisti dell’epoca che– immersi in una natura folgorante dai colori intensi e dai panorami scintillanti– hanno conferito alla Normandia l’immagine emblematica della felicità del dipingere.

«Un'opera d'arte può venire solo dall'interno dell'uomo. L'arte è la forma dell'immagine formata sui neri, il cuore, il cervello e l'occhio dell'uomo.» (Edvard Munch)

Con oltre 200 opere, Hokusai rappresenta un’occasione unica per conoscere il massimo esponente dell’Ukiyoe, il filone artistico legato allo stile di vita e ai gusti delle nuove classi emergenti dell’allora città di Edo, oggi Tokyo. Katsushika Hokusai, artista eccentrico e poliedrico, ha saputo ritrarre con originalità la natura, la quotidianità e le molteplici sfaccettature della società del suo tempo, combinando la pittura tradizionale giapponese con le tecniche dell’arte occidentale, diventando un incredibile interprete della realtà a lui circostante. Il maestro delle iconiche vedute e bellezze paesaggistiche, come la celebre stampa “La grande onda”, è un artista raffinato e poetico. Della sua produzione troviamo, insieme ai capolavori conosciuti, le produzioni più sconosciute ma fortemente identitarie come i surimono, biglietti pubblicitari e inviti prodotti in edizione limitata, i dipinti su rotolo contraddistinti da raffigurazioni di seducenti bellezze e animali leggendari, i volumi dedicati ai Manga e utilizzati come manuali da disegno per pittori alle silografie dedicate a personaggi letterari e poetici, e tante alte produzioni che dimostrano la sua versatilità e visione. Un artista unico, capace di influenzare i grandi del passato come Degas, Toulouse-Lautrec.

Una retrospettiva antologica sulla figura di Carlo Orsi che presenta al pubblico una selezione di oltre 100 fotografie in bianco e nero selezionate dal giornalista e scrittore Giorgio Terruzzi. Un percorso suddiviso in sezioni che seguono le tematiche affrontate da Carlo Orsi durante la sua carriera, tra cui i lavori per il libro “Milano 1965” e l’esperienza della rivista “Città”, con immagini dedicate a Milano e ai suoi protagonisti. Un’altra sezione del volume è destinata ai ritratti di personaggi di spicco, da Pertini ai Beatles, da Arnaldo Pomodoro a Renato Pozzetto. Sono poi raccontate le collaborazioni di Orsi nel campo della moda, della pubblicità, del design e dell’architettura, ma anche aspetti legati ai suoi reportage, tra cui quelli svolti per volontariato in Tibet, Cina, Uganda, Bangladesh e Bolivia.