Postmedia Books

Il passaggio da oggetti a iperoggetti nasce dal bisogno di creare nuovi percorsi per la progettazione e in secondo luogo, come possibilità di costruire ponti e vie secondarie per facilitare gli incontri, così da liberarci delle visioni univoche della storia del design, dalla costante tentazione di gerarchizzare gli esseri e gli oggetti. È un futuro non ancora scritto, capace di combinare tradizioni acquisite o ereditate, interpretazione, sperimentazione e creazione di qualcosa di nuovo, con l'intento principale di partire da questo mondo per altri mondi possibili. Il design di Formafantasma si profila, sin dalle prime espressioni progettuali come arte conoscitiva del possibile, una ricerca di alternative allo status quo.

Il catalogo (in italiano e inglese) della mostra al Mac di Lissone comprende i saggi di Francesca Guerisoli, Marco Senaldi e Pietro Gaglianò, include inoltre ampie descrizioni della maggior parte delle opere in mostra. Francesco Lauretta è un artista poliedrico, fine pensatore e autore di scritti filosofici, noto nell'ambiente artistico per la sua straordinaria capacità di interpretare il mondo attraverso la pittura, spesso non limitata alla bi-dimensione del quadro, bensì estesa allo spazio tridimensionale attraverso l'impiego di materiali eterogenei, di uso comune, che danno vita a installazioni multisensoriali. Francesco Lauretta è nato a Ispica-Ragusa, nel 1964 e vive e lavora a Firenze. La sua produzione spazia dalla pittura, al disegno, alla scultura, alle installazioni multimediali.

Mirella Bentivoglio è stata un artista, poetessa e performer che ha operato nell'ambito delle poetiche verbo-visuali occupandosi sia di poesia concreta che di poesia visiva come critico e artista, con le sue composizioni di parole e immagini, collage e grafiche. Mirella Bentivoglio ha anche curato numerose iniziative di arte al femminile in Italia e all'estero, tra cui la mostra di ottanta donne Materializzazione del linguaggio ai Magazzini del Sale nell'ambito della 37a Biennale di Venezia (1978). Ha pubblicato poesie in volume per Scheiwiller nel 1943 e monografie e saggi in Italia e all'estero (Francia, Stati Uniti, Paesi Bassi, Germania), editi, tra gli altri, da Fabbri, Mazzotta, Eidos. Nel 2011 l'artista ha donato la sua ricca collezione-archivio di arte al femminile, raccolta in anni di forte impegno anche come curatrice di mostre, al "Mart" di Trento e Rovereto. Il libro accompagna l'omonima mostra al Museo Stazione dell'Arte di Ulassai (2021) e all'Istituto Italiano di Cultura di Atene in collaborazione con Gramma_Epsilon Gallery (2022). Con saggi in italiano e inglese di Rosaria Abate, Davide Mariani e Rosanna Ruscio.

Già vent'anni fa, Rosalind Krauss aveva preso in esame la "condizione post-mediatica" e la necessità di "reinventare la fotografia" ogni volta che si materializza la sua obsolescenza. In ogni epoca si è sempre cercato di reinventare il medium, di spostare ulteriormente nuove questioni, di dare spazio ad altre potenzialità espressive e concettuali... Mauro Zanchi Le argomentazioni in questo libro sono un tentativo di ripensare i termini, i limiti e le logiche con cui produciamo o veicoliamo immagini e immagini fotografiche, tentando sconfinamenti o reinvenzioni attraverso diverse declinazioni. Forse è vero che nel tempo attuale sia più corretto parlare di immagini piuttosto che di fotografie, visto che il fotografico è stato inglobato nella complessa macchina combinatoria dell'iconosfera, tra la rete e gli smartphone, tra i social e qualcos'altro che ancora non conosciamo. Ci sono numerose declinazioni del termine "immagine", anche ibridazioni fra diversi tipi, utilizzi e direzioni diverse. E la fotografia veicola tutte queste tipologie di immagini senza essere ciò che esse rappresentano dentro il medium che le ha messe in visione.

Lettering, grafica, arte, design, scultura, architettura.. sono campi chiaramente distinti e distinguibili oppure l'orizzonte è più sottile di quello che il senso comune sembrerebbe suggerire? Questo testo cerca di mettere a confronto questi ambiti, attraverso una serie ragionata di esempi dalle Avanguardie Storiche ai giorni nostri, per provare a capire quanto di diverso esiste, ma soprattutto cosa hanno in comune queste discipline creative. Il percorso non è propriamente in ordine cronologico, ma piuttosto suddiviso in tre parti, ognuna con una sorta di opera o autore di riferimento da cui far scaturire il discorso: le prime sperimentazioni tipo-grafiche di inizio Novecento; le architetture tipografiche di Fortunato Depero ed il lettering monumentale di Robert Indiana; l'ambito dell'Arte Concettuale e della Public Art, in cui gli spettatori possono essere, più o meno consapevolmente, parte attiva. E forse sorprenderà scoprire che non sempre i casi che più di altri sfidano e sfiorano il confine sono quelli cronologicamente più vicini a noi.

"La moda è arte? Con questo interrogativo si apre il volume, il cui intento è indagare i mutamenti che hanno caratterizzato, nel tempo, il rapporto tra l'arte e la moda, due discipline distinte che, oggi più che mai, si incrociano all'insegna di reciproche contaminazioni. Nel corso del Novecento, infatti, si è a lungo dibattuto sul fatto che la moda potesse essere ritenuta una forma d'arte e, solo di recente, si è arrivati ad attribuirle una maggiore considerazione, tanto nell'ambito accademico quanto in quello artistico. Un epilogo felice verrebbe da dire che, tuttavia, cela una relazione non sempre pacifica ed equilibrata, qui ricostruita attraverso le osservazioni di critici, storici dell'arte e addetti ai lavori. Come scrisse Germano Celant nel 1996 nel catalogo della Biennale di Firenze: "con il tempo gli storici si sono accorti che in realtà la moda forniva, un'interpretazione del corpo, come la fotografia della realtà... Penso che la moda e l'arte siano entrambe gelose una dell'altra. L'arte vorrebbe diventare più popolare, in modo da avere un pubblico più grande, mentre la moda vorrebbe dare più spessore alle proprie creazioni." (Swetlana Heger)

Milano possiede uno dei sistemi teatrali più solidi e articolati sul territorio nazionale e, fuori della luce dei riflettori, si muove una scena indipendente ed estremamente varia, che mescola stili e approcci differenti sia dal punto di vista artistico sia da quello organizzativo. Il teatro indipendente produce un importante lavoro sul territorio, copre aree di ricerca poco battute dalle realtà ufficiali ed è un incubatore di modelli di diffusione e gestione culturale innovativi. Nonostante ciò, ogni giorno, lotta per la sua sopravvivenza in un settore privo di adeguate tutele per i lavoratori, nel quale è molto complesso dare continuità alle proprie attività. Questo libro segue i percorsi di alcuni artisti, compagnie e spazi indipendenti che hanno segnato fasi importanti della storia teatrale cittadina e nazionale, dagli anni Novanta all'esplosione della pandemia di Covid-19. Lo fa attraverso la voce dei suoi protagonisti, ripercorrendone gli inizi, i progetti più originali, i fallimenti e i successi. Fra le sue pagine scorrono visioni di teatro, racconti di eventi formidabili, riflessioni sul senso dell'atto teatrale, esperimenti coraggiosi e analisi di come sia stato possibile realizzarli. Questo volume vuole essere un affresco su vent'anni di teatro sotterraneo e un manuale di sopravvivenza per chi abbia energie e vocazione per continuare a renderlo vivo.

“Incubazioni oniriche” è un progetto di arte diffusa che l'artista Laura Cionci ha portato alle Murate di Firenze con la cura di Non Riservato, il contributo del Comune di Firenze e il supporto di Base Digitale, il progetto ha avuto il suo concreto inizio presso Murate Art District. È in questo spazio che Laura Cionci ha coinvolto un gruppo di partecipanti in un processo creativo condiviso. Così, esplorando i temi dell'onirico, il tentativo è stato quello di tessere un filo che collegasse le esperienze personali di ciascuno alla natura. Una serie di fiere e di bestie, elementi naturali e antropomorfi, immagini legate al simbolismo della natura, alcune direttamente riferite all'opera di Dante Alighieri. Questo il repertorio visivo che ha ispirato la creazione, per mano dell'artista, di diversi manifesti coi toni del rosso e del blu, a evocare il sacro e il mitologico (9 tavole a colori inserite in questa pubblicazione). In questo modo, “Incubazioni oniriche” si è inoltrato nelle vie della città, dove tutti hanno potuto interfacciarsi con queste visioni fantastiche. Suggestionati – anche inconsciamente – da queste immagini sui manifesti, i passanti potevano scoprire come queste opere fossero state realizzate inquadrando un qr code che dava l'accesso a video e foto. Laura Cionci è solita impiegare pratiche relazionali nel suo lavoro, dando forma a nuovi processi creativi legati alle energie delle persone ma anche al territorio. La pubblicazione è un giornale con 9 tavole a colori e la trascrizione dei testi elaborati dai partecipanti al workshop.

Esiste un filo sottile che lega le donne ai territori sperimentali dell'audiovisivo, dove il cinema si interroga, si mette in discussione, supera i suoi stessi confini. È cinema altro o meglio CINEma oltre, fatto di sconfinamenti, di eccessi, di 'smarginature' che aprono a invenzioni e narrazioni impreviste. Sono molte, e ancora poco esplorate, le artiste italiane che dagli anni Settanta a oggi hanno scelto l'immagine in movimento come medium di espressione e talvolta di lotta. Questo volume si occupa di loro e intende aggiungere nuovi tasselli a una cartografia in divenire, non esaustiva ma promettente, che tenta di restituirne la complessità e la ricchezza. All'incrocio tra Film Studies e Women's Studies, è qui radunata una selezione di artiste differenti – note, emergenti o da riscoprire – chiamate a dialogare fra loro in una sorta di immaginario convivio. Dalle esperienze storiche del cinema di ricerca e degli albori della videoarte, nell'ottica di una genealogia da ricucire, gli studi proposti in queste pagine si espandono fino all'attualità degli ultimi anni, tenendo insieme le pioniere delle origini e le audaci sperimentatrici d'oggi. Questa ricerca è frutto di una collaborazione con il Dipartimento di Scienze Umanistiche e Sociali dell'Università degli Studi di Sassari. Con saggi di: Luisa Cutzu, Lucia Cardone, Lucia Di Girolamo, Francesca Gallo, Sandra Lischi, Elena Marcheschi, Jennifer Malvezzi, Raffaella Perna, Simona Pezzano, Farah Polato, Giulia Simi, Maria Teresa Soldani, Bianca Trevisan, Deborah Toschi, Lucia Tralli.

Esperienza e realtà affronta il tema della ricostituzione di una unità organica tra le quattro dimensioni fisiche dello spazio-tempo e quella dell’esperienza, cui si riferiscono filosofi quali John Dewey ed Herbert Marcuse. Che cos’è, dunque, la dimensione dell’esperienza e in che modo essa è fortemente legata al concetto di estetica? E ancora, qual è il ruolo dell’arte in un mondo in cui la frattura tra materia e spirito, tra lavoro e felicità viene ricomposta? Queste domande e il tentativo di una articolata risposta costituiscono la prima parte del libro, che inizia con una analogia su come il rapporto tra fisica classica e moderna abbia modificato profondamente la nostra percezione della realtà lasciando tracce significative nella filosofia del Novecento e nell’arte contemporanea. La seconda parte di questa pubblicazione affronta, invece, le applicazioni che una prospettiva pentadimensionale della realtà ha avuto nell’arte del XXI secolo. Gian Maria Tosatti (Roma, 1980) è un artista visivo italiano. I suoi progetti sono lunghe indagini su precisi argomenti relativi al concetto di identità, dal punto di vista politico e spirituale.

L’avventura dell’Ed.912 è breve e attraversata da contraddizioni, ma si rivela capace di registrare e riflettere, con assoluto anticipo, la progressiva trasformazione che in quel periodo interessa i territori dell’arte, sempre più influenzati e contaminati dalla nascente cultura alternativa. Si tratta di un mutamento radicale, che risponde alla necessità di una metamorfosi del lavoro culturale, da intendersi come un’azione concreta, reale, politica, lontana da speculazioni meramente teoriche ed estetiche. Nella Milano della metà degli anni Sessanta, scenario di tensioni socio-politiche in cui emerge forte l’ambizione di sovvertire i modelli culturali vigenti, i poco più che ventenni Gianni-Emilio Simonetti, Gianni Sassi e Sergio Albergoni fondano l’Ed.912, una casa editrice che, in appena due anni, dal 1967 al 1969, dà vita a una pluralità di iniziative e progetti, fra cui riviste, manifesti, libri, oggetti e concerti Fluxus, che la rendono “la più grande casa editrice d’avanguardia in Italia”.