Vanillaedizioni

"Queste sono indubbiamente le lontane radici della cultura new pop alla quale l'artista appartiene, ma nel presente quello che si offre al curioso lettore di queste opere è l'incontro fra il mondo dell'arte e il linguaggio del fumetto, l'ibridazione fra la meccanica del computer e la manualità dell'artista, l'intrigante contaminazione fra pixel e pennelli, seguendo un tracciato di armoniosa originalità che è la cifra forse più intima dello stile di Cristina Stifanic." (Tratto dal testo Il piacere di operare nel "mezzo" di Elisabetta Parente)

Si appassiona al disegno e come in un racconto visivo, Tamara Ferioli sa spargere i tanti pezzi di una storia per poi ricomporne il puzzle man mano che le immagini si compongono, un tipo di disegno, il suo, che a prima vista appare annebbiato, ma che in realtà ha un proprio impianto ben definito, in grado di far avvicinare lo sguardo fin quasi a cercare con l'opera un rapporto intimo. La storia adagio acquista corpo e coinvolge opera per opera, si svelano lentamente numerosi dettagli e piccole miniature, disegni e segni e tracce e impronte e passaggi di bellezza e di mistero che si insinuano nell'incontro casuale tra fiori, capelli, tronchi, sassi, insetti, foglie e segni. Lo sguardo di Tamara Ferioli sulla bellezza è uno sguardo romanzesco, e come sempre nei grandi romanzi, è uno sguardo incrociato.

Scorrevo tutte le opere finora prodotte da Svetlana Ostapovici. I pezzi non sono molti (notizia sempre piacevole) e si rivelano estremamente calibrati, danno l'immediata impressione di un'artista che lavora con metodo e disciplina, concentrata su ogni fotografia e installazione, convinta che il singolo progetto abbia bisogno di tempistiche adeguate, riflessione a lungo raggio e senso del sottrarre anziché aggiungere. Seguo da anni il suo rigoroso percorso dove l'impatto etico si rivela passaggio dopo passaggio, un rito ottico che ti catapulta nel turbamento morale del suo sguardo, nella coscienza ferita del reale che l'opera, senza alcuna enfasi, lascia defluire verso l'esterno...

Due sono i riferimenti mistici fondamentali del concetto di Natura rediviva: un passo del profeta Amos (8,1.2) in cui una cesta di frutta viene presa ad emblema profetico della maturazione dei tempi apocalittici per Israele, e un celebre passo di San Paolo (Lettera ai Romani, 8,19-22) in cui anche il creato viene associato alla dinamica del travaglio spirituale in tensione verso l'universale partecipazione alla Resurrezione di Cristo. Come il corpo glorioso del Risorto conserva le piaghe della crocefissione così la Natura rediviva, manifesta un'ipervitalità "innestata" in un'incelabile ferita esistenziale. La mistica del frutto che si perfeziona con il distacco, cioè con la morte, ergo il processo che trova nella massima individuazione la riconoscibilità di un'altra vita, cioè Cristo/Frutto che manifesta pienamente la propria gloria nella Croce.

"Stefano Di Stasio è un maestro della parola dipinta, un sostenitore della tangibilità intelligibile attraverso i simboli, di cui sceglie sapientemente gli elementi per restituire il suo pensiero del mondo. E lo fa con la consapevolezza di aver abbandonato l'andamento di un percorso artistico regolare, in virtù di una vertigine verticale che entra nell'osservatore attraverso le viscere ben prima di essersi rivolta alla ragione. Quella di Stefano Di Stasio è un'operazione che si basa sulla tradizione, coinvolgendo il concetto di realtà; la verità del mondo è una qualità relativa, eppure sembra oggettivamente ed indissolubilmente legata ad una certa corporeità della materia." (Tratto dal testo "Come il "mondo vero" finì col diventare una favola. Parole chiave di una possibile poetica dell'ebbrezza" di Viviana Siviero)

"Tutto ha inizio in piccoli taccuini, che non sono tanto diversi dai quaderni che appaiono nei quadri. C'è uno stretto rapporto tra quaderno e quadro, una consuetudine lessicale e formale che differisce solo in gradualità. I quaderni che noi vediamo in opere come The meeting, Last fish o One evening sono un surrogato dei taccuini che Max Rohr porta sempre con sé, in cui abbozza le idee e annota le composizioni. I dipinti e gli acquerelli su carta non sono altro che una riproposizione in scala di quei piccoli schizzi, già pienamente definiti nei loro dettagli, nelle proporzioni e nelle relazioni tra i vari elementi. In Lonely Day e If I was an Architect le figure maschili stringono tra le mani il loro quaderno/taccuino, ponderando i pensieri che saranno trascritti sotto forma di immagini; di quei quaderni vediamo soltanto la copertina, ma il loro contenuto non ci è precluso, ci è anzi esplicitato perché il dipinto è esattamente il duplicato di ciò che è custodito all'interno dei libretti." (Tratto dal testo critico "Appunti visivi" di Alberto Zanchetta)