Electa: CATALOGHI DI MOSTRE

La mostra del MAXXI presenta un'ampia selezione di scatti che consentono, a più di trent'anni dalla morte del fotografo, una riflessione sul ruolo della fotografia rapportata al mondo dell'arte. Già nel '73 Mulas affermava: "Al fotografo il compito di individuare la sua realtà, alla macchina quello di registrarla nella sua totalità". Due operazioni strettamente connesse ma anche distinte che, curiosamente, richiamano nella pratica certe operazioni messe a punto da alcuni artisti degli anni Venti con chiaro riferimento ai "ready made" di Duchamp e ponendo la fotografia al di fuori del perenne e dibattuto parallelo con la pittura.

L'esposizione, di cui questo libro rappresenta il catalogo, ha come obiettivo quello di ricostruire un quadro iconografico completo della ricezione dell'antichità classica del secondo Ottocento. Le suggestive scoperte archeologiche di Pompei e dell'area vesuviana, oggetto di scavi approfonditi nel corso dell'Ottocento, hanno esercitato un influsso fortissimo sull'immaginario di pittori e scrittori nel corso del secolo, restituendo un'immagine vivida e vitale del mondo antico, con la sua realtà sociale e politica. Il pittore Lawrence Alma-Tadema rappresenta uno tra i più noti e illustri interpreti del genere neopompeiano.

Tecnica solo in apparenza banale e fragile, il collage si è fatto veicolo espressivo di molteplici significati. I saggi di Federica Rovati, Alessandro Nigro, Plavio Fergonzi e Maria Grazia Messina ne analizzano alcune caratteristiche: la tecnica, le sovversioni di dadaismo e surrealismo, gli usi da parte delle avanguardie e nel secondo dopoguerra. Le opere presentate sono articolate in quattro sezioni tematiche: due diacroniche (dagli anni Dieci agli anni Sessanta, le prime sperimentazioni di Picasso, Braque e Gris, le riprese futuriste e le proposte di Rauschenberg, i giochi verbali, le associazioni di Soffici e Severini, i contenuti politici di Dix e Grosz, i décollages di Rotella); una dedicata al surrealismo (da Ernst a Mirò) e alla creazione dell'effetto disorientante; una alle componenti materiche emerse nelle opere di Prampolini, Burri, Novelli, Tancredi, Afro, Scialoja, e Motherwell; una alle analogie e differenze con la pittura.

L'arte africana contemporanea è "un'arte che viene dal popolo, si rivolge al popolo e torna al popolo", come sostiene André Magnin. Nata nel 1989 dall'incontro di Jean Pigozzi e André Magnin, la collezione Pigozzi è la più importante al mondo. Jean Pigozzi svela la sua passione e la sua ossessione per l'arte africana, attraverso un centinaio di opere selezionate tra le quali alcune mai esposte prima. In mostra disegni, dipinti, sculture, fotografie, installazioni. Attraverso le opere di 13 artisti, Frédéric Bruly Bouabré, Bodys Isek Kingelez, Chéri Samba e Malick Sidibé, e Makonde Lilanga e Keïta Seydou, viene mostrata la ricchezza creativa che supera lo stereotipo di arte folkloristica e decorativa dell'epoca post-coloniale per entrare in relazione con l'arte occidentale sviluppando una propria autonomia di linguaggio.

Il curatore del catalogo raccoglie in questo volume contributi di specialisti e schede critiche delle opere illustrate offrendo un percorso di lettura articolato su un'attività artistica, quella teatrale, che giocò un ruolo rilevante nella vita quotidiana dell'antica Roma, rivestendo una fondamentale portata economica, sociale e politica come forma di consenso. Il catalogo è diviso in diverse sezioni volte ad analizzare rispettivamente: la genesi delle forme spettacolari, gli attori e le tecniche, i rapporti con la letteratura e la religione, i modelli drammatici, i luoghi degli spettacoli.

Il volume è il catalogo della mostra di Vicenza (Palazzo Chiericati, 22 settembre - 21 ottobre 2007). La mostra, presentata in anteprima a Vicenzaoro autumn, la manifestazione internazionale orafo-gioielliera in programma alla Fiera di Vicenza dal 15 al 19 settembre, espone 75 capolavori dell'arte orafa peruviana preispanica. Grazie alla mostra, i preziosi reperti, selezionati dal professor Antonio Aimi dell'Università degli Studi di Milano, diventano rare testimonianze dell'abilità degli orafi dell'antico Perù nella lavorazione dell'oro e nella creazione di particolari combinazioni alchemiche le quali conferiscono ai metalli preziosi un'ampia gamma di colori, sfumature e brillantezza. Significativa la presenza di oggetti utilizzati nei rituali che dovevano garantire l'equilibrio del cosmo o rappresentare lo sfarzo e la potenza dei sovrani. "L'oro del Perù" apre quindi uno scenario affascinante sulle antiche culture peruviane attraverso raffigurazioni di divinità vere e proprie e di quegli elementi - animali reali e mitici - che alle divinità erano associati. La ricca selezione di manufatti quindi, incanta il visitatore contemporaneo attraverso la incredibile modernità espressa dai reperti esposti e soprattutto dalla creatività di artisti che hanno saputo anticipare di venti secoli molti degli "ismi" e degli stilemi dell'arte moderna (dal minimalismo al surrealismo, per limitarci solo ad alcune delle opere presentate a Vicenza).

Le opere dell'Atelier van Lieshout, conosciuto più comunemente come AVL, sono caratterizzate da una duplice natura: sono utopie contemporanee e allo stesso tempo soluzioni pratiche e funzionali per vivere in armonia con l'ambiente e rispettando la libertà dell'individuo. L'Atelier ha sviluppato numerosi progetti che uniscono arte, architettura e design, proponendo uno stile particolare e riconoscibile per arredi, mobili, case modulari, oggetti e sculture per esterni. Negli ultimi anni, AVL ha sviluppato uno stile ben definito in cui l'assenza di design è diventato un elemento importante; il marchio di fabbrica più evidente di AVL è tuttavia l'utilizzo di materiali industriali quali tubi d'acciaio e pannelli di legno compensato, la cui funzionalità grezza contrasta molto con le serie di sculture di poliestere colorato.

Tony Cragg è uno dei più affermati scultori della nuova scuola inglese. Formatosi nell'ambiente del Minimalismo e del Concettuale, Cragg ha riproposto una nuova fisicità della scultura con il recupero dei più vari materiali. Dai primi rifiuti urbani come legno, bottiglie, rottami di plastica, piatti e giocattoli, Cragg propone oggi complesse sculture monumentali di sapore post-industriale intrise di significati filosofici e culturali. Il volume è il catalogo della mostra di Milano (Fondazione Stelline, 27 settembre - 25 novembre 2007).

Marcello Mascherini è stato lo scultore di maggior rilievo della Trieste del XX secolo: il solo ad aver vinto un Gran Premio a una Biennale di Venezia (nel 1950) e a essere stato oggetto di un'attenzione critica e collezionistica di dimensione internazionale. Mascherini fu un artista permeatissimo dallo spirito del proprio tempo e in dialogo con le più sperimentali ricerche platciche condotte, dagli anni Venti agli anni Sessanta, in Italia e in Europa. La sua prontezza visiva, la sua capacità di allargare lo sguardo e di rielaborare linguaggi antichi e moderni, la sua capacità di incontrare il gusto di un colto e sofisticato mercato internazionale, ne fanno un unicum nell'arte triestina del Novecento.

Questi tre artisti concepiscono l'ambiente non come una realtà esterna e lontana ma come contingente e totalitario: noi siamo quello che ci circonda, siamo parco biomarino e riserva naturale, profondo oceano e deserto in espansione, casa privata e urbanizzazione selvaggia. La speranza non sta altrove ma è una componente della nostra quotidiana presenza ambientale e sociale.

La fotografia che Alberto Korda scattò a Che Guevara sembra essere l'immagine più riprodotta nella storia della fotografia. Quel ritratto è rimasto nel tempo il simbolo della rivoluzione e della ribellione giovanile, nonostante sia stato riprodotto innumerevoli volte su poster, magliette e oggetti kitsch. La mostra "Che Guevara: rivoluzionario e icona. The Legacy of Korda's Portrait", che si terrà presso la Triennale Bovisa esaminerà la straordinaria potenza di quell'immagine e la storia della sua diffusione. Dalla copertina dell'album American Life di Madonna all'American Five Dollar Bill di Pedro Meyer, in cui il viso di Abraham Lincoln è sostituito da quello del Che, il Guevara di Korda mostra una natura sia populista che controculturale. Oggi quell'immagine è oggetto di caricature e parodie e contemporaneamente è utilizzata come grido di protesta politica da parte di movimenti disparati che si battono per la cancellazione del debito, per l'anti-americanismo, per l'identità latino-americana, per i diritti degli omosessuali e delle popolazioni indigene.

Stephan Balkenhol, Wim Delvoye e Marc Quinn, tre artisti per la terza edizione di Intersezioni, ormai consolidato terreno di contaminazione tra la scultura contemporanea e l'archeologia. Lo scenario con cui molti dei maggiori protagonisti europei desiderano confrontarsi è quello, straordinario, del Parco Archeologico di Scolacium, il luogo che deriva da Minervia Scolacium, la colonia romana che s'installò nel 123-122 a.C. sulla città greca di Skilletion (prima di Balkenhol, Delvoye e Quinn, qui hanno realizzato i loro progetti Antony Gormley nel 2006 con Time Horizon e l'anno precedente Tony Cragg, Jan Fabre e Mimmo Paladino). La scelta di far convivere la poetica di tre artisti come Stephan Balkenhol (Hessen, 1957), Wim Delvoye (Gand, 1965) e Marc Quinn (Londra, 1964) che Alberto Fiz, curatore del progetto, ha deciso di coinvolgere per questa terza edizione, non è affatto casuale. La cifra di Intersezioni, ovvero una relazione forte tra luogo e creazione d'artista, è quest'anno potentissima ed emozionante e prima di realizzare i loro interventi, i tre artisti hanno voluto vivere il luogo, lasciarsi fascinare dagli antichi edifici, prima di progettare i loro interventi.