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Il volume Pretiosa Vitrea, il cui titolo è ispirato alla definizione di vetro presente nell'opera latina Satyricon scritta nel I secolo d.C. da Gaio Petronio, intende dare risalto al patrimonio vitreo conservato nei musei statali della Toscana e in alcune importanti collezioni private della regione. La qualità degli oltre cento reperti presentati è inestimabile e comparabile all'eccellenza dei manufatti in vetro che si possono trovare nei più importanti musei a livello internazionale. Si trovano qui riuniti i capisaldi dell'arte vetraria romana in Toscana, come il vetro cameo di Torrita di Siena o la crisografia di Arezzo. Accanto alle produzioni vitree elitarie è presentata anche un'ampia varietà di reperti che illustrano l'evoluzione delle tecniche di produzione in serie, dall'uso degli stampi fino all'affermarsi del vetro soffiato nella metà del I secolo a.C.. Questa tecnica in particolare dimostrò fin da subito i propri vantaggi rispetto alla tradizionale produzione ceramica non solo in termini di minori costi ma anche di mantenimento inalterato del gusto dei liquidi e dei cibi contenuti.

Alla fine degli anni Sessanta c'è stata un'importante rivoluzione politica e sociale. "You say you want a revolution?" ripercorre l'epoca in cui i giovani chiedevano ciò che pareva l'impossibile e mettevano tutto in discussione. Questa irrefrenabile ondata di ottimismo e sperimentazione, per quanto effimera possa essere stata, ha avuto effetti duraturi che continuano a influenzare la nostra idea del mondo. È in quel periodo, infatti, che emerge l'attenzione per quelli che sono i temi più scottanti del nostro tempo — le disuguaglianze, la globalizzazione, l'ecologia e la comunicazione. Questo libro spazia dalla musica alla moda, dal cinema al design, dalla controcultura alle esperienze psichedeliche, dai festival alla politica, per studiare i movimenti culturali nati nel turbolento periodo compreso fra il 1965 e il 1970. Imperniato sulle canzoni che hanno accompagnato quegli anni, da "A change is gonna come" di Sam Cookie a "My generation" degli Who, passando per "Purple haze" di Jimi Hendrix, e su avvenimenti storici come le manifestazioni del maggio '68 a Parigi, il Festival di Woodstock o le comunità alternative della West Coast americana, quest'opera analizza l'impatto delle rivoluzioni degli anni Sessanta sul nostro modo di vivere e sulla nostra visione del futuro.

Frutto della pazienza di alcuni collezionisti privati che hanno saputo riunire i grandi nomi dell’arte della incisione e della passione di artisti contemporanei vicini all’Atelier de Saint-Prex, questa collezione permette di ripercorrere la storia dell’incisione, dalle prime incisioni su legno del XV secolo alle invenzioni più libere del xx secolo. Uno sguardo soggettivo che più che un approccio cronologico, si propone un accostamento libero e sensibile che fa emergere le affinità fra maestri antichi e artisti moderni. Così troveremo un cliché-verredi Pierre Schopfer accanto a un paesaggio di Corot o alle incisioni a bulino di Yersin, Dürer, Nanteuil o Mellan; potremo accostare alcune vedute di Palézieux alle lastre di Canaletto o di Claude Lorrain, associare il tratto tagliente di Urs a un’acquaforte di Callot e riconoscere in alcune litografie di Edmond Quinche la tal pagina di Daumier o lo stile di Toulouse-Lautrec; e ancora, vedremo Pietro Sarto seguire le orme di un Gautier-Dagoty o di un Goya, e infine potremo ammirare un’acquaforte di Rembrandt, le invenzioni di Piranesi o una lastra in rame di Picasso. E non per fare raffronti o stabilire gerarchie, ma per rammentarci che da sempre le interrogazioni formali e le ambizioni tecniche si rispondono da un’opera all’altra e trascendono il tempo.

È l’estetica il filo conduttore della nota collezione di Nicole e John Dintenfass, i cui pezzi sono stati pubblicati in tanti libri. I Dintenfass hanno collezionato con passione, diligenza, serietà e rigore, sculture monumentali e miniature in legno provenienti prevalentemente dalle regioni africane. Concentrandosi su pezzi di altissima qualità artistica, il volume adotta lo stesso punto di vista dei due collezionisti, raccogliendo e offrendo ai lettori aneddoti che offrono uno sguardo nuovo ai collezionisti di oggi e di domani nella loro ricerca sull’arte africana. Il collezionismo è una passione che spesso porta a stabilire conversazioni più intime o esperienze emozionali con gli stessi oggetti. Inoltre, tanti collezionisti condividono la loro esperienza unica di gioia e ammirazione nei confronti degli artisti del XX secolo che a loro volta hanno collezionato arte africana e hanno generosamente fornito consigli, suggestioni e sostegno nel rispondere all’entusiasmo del collezionista. Grazie alle tante, bellissime e attente fotografie di ciascun pezzo, il lettore potrà instaurare una conversazione intima con quei maestri scultori africani che hanno profondamente influenzato il realismo, il cubismo e l’espressionismo moderni.

Khajurāho, situata a nord dell’India, nello Stato del Madhya Pradesh, è uno dei siti più prestigiosi del patrimonio monumentale indiano, noto per l’armonia delle sue architetture e la sensualità delle sue sculture. Tappa obbligata di ogni viaggiatore che approda in India, Khajurāho deve la sua fama internazionale allo splendore dei suoi santuari indù. Un tempo importante centro politico e religioso, contava qualcosa come ottantacinque templi, come testimoniano le numerose rovine sepolte sotto i monticcioli di terra disseminati per la vallata; oggi sono rimasti venticinque santuari. La più antica testimonianza di Khajurāho risale al VII secolo. Dopo il crollo del regno della dinastia dei Candella, Khajurāho cadde nel dimenticatoio per più di quattro secoli e l’orgogliosa cittadella diventò una povera borgata al centro di una steppa arida per diversi mesi l’anno. Venne scoperta per caso da soldati inglesi all’inizio del XIX secolo. Cominciarono allora i lavori di restauro che si susseguirono fino a oggi e il sito è stato dichiarato patrimonio mondiale dell’umanità. L’iconografia così particolare dei bassorilievi gli ha conferito un’aura demoniaca e nel corso degli anni sono state attribuite le storie più stravaganti a queste originali sculture. Grazie alle splendide fotografie di Iago Corazza, Gilles Béguin presenta i templi del sito, illustra le diverse figure e introduce il lettore alle meraviglie monumentali dell’India.

Il presente volume presenta le opere in miniatura create dai Kulango, nel nord-est della Costa d'Avorio, antichi vassalli dei due regni del paese (Bouna e Gayman). La loro arte, poco conosciuta, straordinariamente varia, incuriosisce e sconcerta al tempo stesso. Le loro creazioni, perlopiù in metallo, denotano una straordinaria libertà d'espressione, rompono con i canoni iconografici che caratterizzano le loro statuette in legno. Liberati dalla ieraticità, i corpi sembrano reinventare il movimento adattando a volte una gestualità quasi coreografica, una grazia aerea, delle linee sinuose. Oppure, in una fremente tensione, rivelano busti inattesi, inarcamenti provocanti, talvolta si allungano fino al parossismo, con virtuose scorciatoie, volumi stilizzati. Alcune opere sono ancora più strane, come i siamesi, un trio indissolubile, creature senza testa o con un'unica testa e due busti, una gamba sola o quattro gambe, piedi palmati, braccia pinnate, corpi anellati. Chi sono questi esseri enigmatici dagli occhi prominenti che scrutano nell'invisibile? Le scelte plastiche si limitano a questi pochi esempi? La rosa di stili è stupefacente, le forme più imprevedibili. Il volume presenta più di cento statuine, tutte al di sotto dei dieci centimentri di altezza: ciondoli, talismani, statuette divinatorie, pesi per l'oro. Introdotte nel nostro universo attraverso la metamorfosi fotografica, trasfigurate dall'illuminazione e dall'inquadratura, queste opere così resuscitate risorgono, come apparizioni da un altro mondo.

Il presente volume presenta le opere in miniatura create dai Kulango, nel nord-est della Costa d'Avorio, antichi vassalli dei due regni del paese (Bouna e Gayman). La loro arte, poco conosciuta, straordinariamente varia, incuriosisce e sconcerta al tempo stesso. Le loro creazioni, perlopiù in metallo, denotano una straordinaria libertà d'espressione, rompono con i canoni iconografici che caratterizzano le loro statuette in legno. Liberati dalla ieraticità, i corpi sembrano reinventare il movimento adattando a volte una gestualità quasi coreografica, una grazia aerea, delle linee sinuose. Oppure, in una fremente tensione, rivelano busti inattesi, inarcamenti provocanti, talvolta si allungano fino al parossismo, con virtuose scorciatoie, volumi stilizzati. Alcune opere sono ancora più strane, come i siamesi, un trio indissolubile, creature senza testa o con un'unica testa e due busti, una gamba sola o quattro gambe, piedi palmati, braccia pinnate, corpi anellati. Chi sono questi esseri enigmatici dagli occhi prominenti che scrutano nell'invisibile? Le scelte plastiche si limitano a questi pochi esempi? La rosa di stili è stupefacente, le forme più imprevedibili. Il volume presenta più di cento statuine, tutte al di sotto dei dieci centimentri di altezza: ciondoli, talismani, statuette divinatorie, pesi per l'oro. Introdotte nel nostro universo attraverso la metamorfosi fotografica, trasfigurate dall'illuminazione e dall'inquadratura, queste opere così resuscitate risorgono, come apparizioni da un altro mondo.

Il fotografo Eugène Atget è conosciuto soprattutto per le sue cronache in immagini di una Parigi romantica ma già in via di scomparsa a inizi Novecento. Questo libro presenta un aspetto particolare del suo lavoro, una serie di cartoline postali sulle piccole attività e mestieri della città: Les p’tits métiers de Paris. Esse rientrano in una lunga tradizione di raffigurazioni di commercianti e artigiani al lavoro e furono tra i pochi lavori pubblicati durante la vita dell’artista, che fu riscoperto negli anni Venti. Queste immagini ci rimandano la natura effimera della vita di strada. Atget coglie con il suo apparecchio fotografico le bancarelle dei mercati, le piccole attività artigianali, i venditori ambulanti, i piccoli svaghi che animavano le vie contribuendo al fascino particolare di Parigi.

Espressione di uno dei numerosi stili luba, le grandi sculture maschili create da maestri della cultura hemba nel sud-est del Congo a partire almeno dal dalla metà del XIX secolo possono essere annoverate tra le migliori espressioni della statuaria dell'Africa sub-sahariana. Con il loro sguardo sereno e l'espressione meditativa, trasmettono una pace e una dignità che ben si addicono a questi ritratti idealizzati di importanti capi del passato. Pervasi da una forza o energia vitale particolari, questi oggetti erano in grado di comunicare tra i vivi e i morti. Grazie al loro potere, agivano sulla sfera materiale permettendo agli antenati di influenzare positivamente la vita dei loro discendenti. In questo volume la sensibilità e l'acutezza di sguardo di Luigi Spina permettono di scoprire nove sculture hemba tra le più riuscite, il cui stile classico è stato comparato a quello di alcuni kouroï della Grecia antica. Le fotografie di Spina ci aiutano a capire come mai queste statue di antenati dalle proporzioni ben equilibrate e dalla concezione simmetrica abbiano suscitato l'ammirazione degli appassionati di arte africana. Allo stesso tempo questa lettura personale ci conferma che queste opere meritano un posto nella storia dell'arte, nonché nel "Museo immaginario" di André Malraux.

Il catalogo accompagna la mostra monografica dedicata dal Museo Vincenzo Vela a Mendrisio-Ligornetto all’opera dell’artista Lawrence Carroll (1954). Nato a Melbourne, Carroll nel 1958 si trasferisce in California, per poi stabilirsi a New York nel 1984, dove porta avanti la propria ricerca artistica al di là delle mode del momento, con una profonda coerenza e dedizione al linguaggio e alla pratica della pittura. Quest’ultima interpretata come gesto che si attua al confine tra le varie espressioni formali dell’arte: una pittura che è lenta stratificazione di colore, di materiali e oggetti, in cui la superficie del quadro si apre all’ambiente rendendo labili i confini stessi tra i linguaggi di pittura, scultura e installazione. Nei suoi diversi spostamenti Carroll ha sempre ricercato la quiete dello studio e una dimensione intima di lavoro. Esplora la durata come fragilità di tempi e di spazi, dove la memoria è al centro della sua poetica. Antichi ricordi affiorano sulla superficie, si sedimentano strato su strato come sovrapposizione di luce, polvere e materia in campiture di colore chiaro – un pigmento inteso il più simile possibile al supporto della tela. Nella flagrante porosità della superficie emergono tracce e grafemi, si appoggiano oggetti. Ne consegue un universo poetico di rarefatte rispondenze, di narrazioni in divenire e allo stesso tempo avvolte in un’atmosfera sospesa e metafisica, da intendersi come “metafisica del quotidiano”. Strutturata come una sorta di autobiografia allestita nella sale della casa-museo, l’esposizione presenta opere di Carroll dagli esordi fino ai nostri giorni, evidenziando le sottili tematiche ricorrenti come pure gli snodi dai quali hanno preso avvio nuove ricerche. Nella pubblicazione gli autori affronteranno per la prima volta l’intero percorso creativo dell’artista, nelle sue varie declinazioni. Il volume sarà corredato di un ricco apparato iconografico e bio-bibliografico, oltre che di un’intervista all’artista.