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Questo volume ci conduce lungo la via marittima di un percorso entrato nel mito grazie alla bellezza di gioielli etnici e antichi. Per svelare la ricchezza e varietà delle culture dei regni che si estendevano dall'Arabia all'Asia insulare, è stato scelto l'oro, metallo leggendario simbolo di eternità, come filo conduttore. Quasi quattrocento gioielli accompagnano il lettore sulle rotte della via della seta marittima, passando per i regni d'Arabia, d'India, i grandi imperi scomparsi di Birmania, Tailandia, Cambogia, e Vietnam fino all'Indonesia e alla Filippine. Questi gioielli di eccezionale qualità, fragili testimoni dello straordinario virtuosismo di orafi anonimi che immortalarono su piccole superfici la loro fede e i loro sogni, rivelano popoli, civiltà e culture di cui si perde il ricordo. Lungi dall'essere inutili carabattole, questi ornamenti per il capo, collane, orecchini, braccialetti o cinture gioiello scandiscono le grandi tappe della vita e molto spesso gioielli e talismani dalle virtù protettive sono un tutt'uno. Il volume accompagnerà il lettore di pagina in pagina alla scoperta dei gioielli esotici del Sud Est asiatico insulare in una crociera che riconcilia archeologia ed etnologia che si concluderà nelle isole paradisiache di Giava, Bali, Sumatra, Nias, Sulawesi, Sumba, Florès, Timor e Molucche.

Questa bellissima presenta 75 opere provenienti da un'importante collezione privata, riunite nel corso di più di quarant'anni con metodo, curiosità e passione. Si tratta di una delle più belle collezioni d'arte dell'Africa occidentale e centrale ma che comprende anche pezzi dell'Africa meridionale e del Madagascar. Dopo un'introduzione generale sull'arte africana e sulla nostra conoscenza delle culture a cui si devono questi capolavori, le opere sono raccolte attorno a quattro temi principali: governare e trasmettere; proteggere e curare; riunirsi (festeggiare, celebrare, premiare o condannare); servire, abbellire e nobilitare. Alle magnifiche fotografie che le illustrano segue un capitolo dedicato ad alcune famose fotografie d'avanguardia che rivelano la stretta relazione esistente tra quel movimento artistico e nove pezzi appartenenti alla collezione. Questi ultimi vengono infatti presentati accanto agli scatti di grandi fotografi: Alfred Stieglitz, Man Ray, Lajos Kassák, Hannah Höch, Erwin Blumenfeld, Maurice Tabard, Karl Blossfeldt e Robert Doisneau. Il volume si chiude, mantenendo l'equilibrio tra capolavori pubblicati più volte e altri meno conosciuti, con una selezione di opere di sette artisti fotografi contemporanei (Jean Marc Tingaud, Louis Tirilly, Nicolas Bruant, Roger Ballen, Groupe Street Collodion Art, Coco Fronsac e Frédéric Vidal) ai quali è stato chiesto di rappresentare nove pezzi importanti in uno stile personale e innovativo.

Attraverso quarantuno capolavori e un approccio innovativo questo libro svela la bellezza della scultura figurativa Mumuye. È solo verso la fine degli anni '60 che le statue della cultura Mumuye della Nigeria nordorientale sono apparse sulla scena dell'arte europea. Il loro impatto è stato immediato e profondo: gli appassionati di arte africana si meravigliarono dell'interpretazione astratta del corpo umano proposta dagli artisti Mumuye, che ricordava l'approccio all'anatomia degli artisti del movimento cubista ed espressionista. In effetti, le sculture antropomorfiche Mumuye sfoggiano una gamma impressionante di variazioni, che testimoniano la creatività illimitata dei loro creatori. In questo volume, una meticolosa analisi delle straordinarie forme delle figure Mumuye - grazie anche alle fotografie che, prese da diverse angolazioni, mettono in evidenza il loro intrinseco senso del movimento - conduce a un nuovo stile di classificazione che riconosce vari laboratori e anche le mani di singoli maestri. Una sintesi dei pochi studi sul campo esamina il ruolo essenziale delle figure, emblemi di status e rango, i loro legami con i culti ancestrali e le pratiche di guarigione e divinazione.

Gli appassionati d'arte conoscono bene le opere dei diversi gruppi di popolazioni che è diventata consuetudine chiamare "Guro" e che si trovano al centro della Costa d'Avorio. Situati in prossimità dei Wan, dei Baule, degli Yaure e dei Bete, questi gruppi hanno intrattenuto numerosi contatti con i vicini e le reciproche influenze si percepiscono nelle diverse creazioni plastiche. Le maschere, in particolare, hanno un'importanza che va molto oltre quella che hanno acquisito sul mercato dell'arte. Se la colonizzazione francese ha ampiamente contribuito a indebolire il prestigio degli uomini il cui potere consisteva nelle pratiche di guerra e di caccia, la conservazione dei riti complessi che implicano l'uso di maschere ha permesso alla classe maschile di preservare una forma di controllo politico e religioso. Diversificando le categorie di maschere tra quelle che ricevono sacrifici sanguinosi in onore di entità spirituali da una parte e quelle, all'insegna del divertimento, che si utilizzano in occasione di funerali, manifestazioni di propaganda politica e feste turistiche dall'altra, i Guro hanno reinventato, rivitalizzato e riadattato riti perfettamente integrati in una società contemporanea in mutazione permanente.

Gli appassionati d'arte conoscono bene le opere dei diversi gruppi di popolazioni che è diventata consuetudine chiamare "Guro" e che si trovano al centro della Costa d'Avorio. Situati in prossimità dei Wan, dei Baule, degli Yaure e dei Bete, questi gruppi hanno intrattenuto numerosi contatti con i vicini e le reciproche influenze si percepiscono nelle diverse creazioni plastiche. Le maschere, in particolare, hanno un'importanza che va molto oltre quella che hanno acquisito sul mercato dell'arte. Se la colonizzazione francese ha ampiamente contribuito a indebolire il prestigio degli uomini il cui potere consisteva nelle pratiche di guerra e di caccia, la conservazione dei riti complessi che implicano l'uso di maschere ha permesso alla classe maschile di preservare una forma di controllo politico e religioso. Diversificando le categorie di maschere tra quelle che ricevono sacrifici sanguinosi in onore di entità spirituali da una parte e quelle, all'insegna del divertimento, che si utilizzano in occasione di funerali, manifestazioni di propaganda politica e feste turistiche dall'altra, i Guro hanno reinventato, rivitalizzato e riadattato riti perfettamente integrati in una società contemporanea in mutazione permanente.

Il Vaso blu è un "piccolo" capolavoro conservato tra i tanti tesori del Museo Nazionale Archeologico di Napoli. Scoperto nel 1837 a Pompei in una nicchia della piccola tomba a camera prospiciente la Villa delle Colonne a mosaico, ha solo due colori: il cupo cobalto di fondo sul quale l'incisione dello strato vetroso bianco sovrapposto - realizzata proprio come se si fosse trattato di scalfire gli strati di agata o di conchiglia per ottenere un cammeo - disegna fitti tralci di vite sotto i quali dei bambini vendemmiano grappoli. Le azioni e i gesti dei protagonisti sono quelli consueti di una vendemmia, l'importante momento della vita dei campi raffigurato più volte nel corso dei secoli dagli antichi artigiani sulla ceramica, in affreschi, in mosaici o nel marmo. Ma se nella maggior parte delle rappresentazioni di vendemmia è presente il senso della fatica, qui c'è invece un'atmosfera giocosa, i piccoli personaggi sembrano divertirsi nel suonare i vari strumenti e sembrano muoversi con leggeri passi di danza. Oltre ad essi e, ovviamente, ai tralci di vite, ecco maschere su foglie d'acanto, rami di quercia, ghirlande d'edera, uccelli, spighe di grano, capsule di papaveri, mele cotogne, rami di alloro, melograni e tanti altri frutti dell'estate e dell'autunno, contrapposti e mescolati nell'evocazione di una natura feconda e generosa. La scelta delle essenze vegetali non è casuale: ognuna di esse è carica di significati religiosi e simbolici.

Questo volume costituisce un punto di accesso essenziale all'opera e alla pratica artistica di Robert Mapplethorpe. Robert Mapplethorpe ha lasciato un'eredità ricca e complessa: ha suscitato polemiche, polarizzato i critici e ispirato numerosi artisti che oggi proseguono le piste aperte da questo fotografo fuori del comune. Mosso da un profondo desiderio di celebrità, Mapplethorpe è stato un vero autodidatta, ha imparato tutto da solo: dalla storia dell'arte a come gestire uno studio e mantenere vivo l'interesse del pubblico. Al contempo ha saputo elaborare una visione molto personale, basata su una perfetta conoscenza della tecnica fotografica e su un'estetica dalla grazia classica. Quest'artista, uno dei più influenti e controversi del suo tempo, è tuttora di esempio per i giovani fotografi desiderosi di sondare i limiti della loro arte e di giocare sulle diverse concezioni della bellezza. La pubblicazione arriva in un momento in cui è in corso una rivalutazione del suo lavoro. Attingendo alla straordinaria collezione di quasi 2000 opere pubblicate, oggetti realizzati con tecniche miste e polaroid - collezione acquisita congiuntamente nel 2011 dalla Robert Mapplethorpe Foundation dal J. Paul Getty Museum e dal Los Angeles County Museum of Art -, ma anche agli archivi Robert Mapplethorpe conservati presso il Getty Research Institute, gli autori e i collaboratori di questo volume hanno potuto esplorare materiali e documenti nuovi e presentare prospettive inedite sull'artista.

Questo volume presenta vari stili di "tavole votive" tipiche delle numerose etnie delle regioni del Golfo di Papuasia. Esse sono state scelte tra le collezioni pubbliche o private più interessanti del mondo intero e illustrate con fotografie a colori a tutta pagina.