Carlo Cambi Editore

La collaborazione continuativa fra Accardi e Impellizzeri ha inizio alla metà degli anni Ottanta. Impellizzeri partecipa sin da giovanissimo alle attività dello Studio Accardi e, ancora oggi, con lo stesso amore e accudimento, continua ad occuparsi del lavoro di Carla, essendo uno dei membri del comitato dell’Archivio Accardi Sanfilippo. Il rapporto fra i due non si è mai limitato alle sole occasioni lavorative e in tale ottica, fuggendo qualunque intento antologico, il catalogo è stato pensato mettendo in scena una serie di accostamenti azzardati, di colloqui apparentemente impossibili ma efficaci, di chiacchierate fra opere diverse e fra autori distinti, ma non distanti. Accardi e Impellizzeri mostrano una modernissima mediterraneità ricca di rimandi e dall'esuberanza calibrata, senza paura di confrontarsi con la cultura araba o di incontrare e imbattersi nell'arabesco, dove colore, luce e segno trionfano.

Catalogo sull'illustre artista giapponese Yayoi Kusama. Una selezione altamente curata di dipinti, sculture e opere su carta sono pubblicati con l’obiettivo di offrire un viaggio nelle realizzazioni artistiche di Kusama, 28 opere in totale, databili dal 1951 al 2008. Dalla sua iconica serie di sculture "Hi, Konnichiwa (Hello)!" ai dipinti pois "Infinity". L'artista disse una volta che “nell'universo ci sono il sole, la luna, la terra, e centinaia di milioni di stelle” e ha poi descritto la sua vita come un punto tra migliaia di altri punti. Kusama ha associato i pois con il sole e la luna, poiché i punti hanno la loro stessa forma, per cui il sole simboleggia l’energia e la luna rappresenta la tranquillità. Pubblicate anche le magnifiche opere su carta, prodotte dal 1951 al 1981. In seguito Kusama ha rivelato che i disegni sono stati la fonte delle idee artistiche che ha esplorato per oltre sei decenni.

Fabio Viale torna a Firenze con una nuova mostra personale alla Galleria Poggiali, dopo una serie di apparizioni di successo alla Biennale di Venezia e alla Gipsoteca di Monaco. L'artista propone due installazioni: una per la sede di via della Scala, l'altra per lo spazio in via Benedetta. Gli spazi di via della Scala sono occupati da un gruppo di sculture già esposte nel Padiglione Italiano ai Giardini in occasione della Biennale veneziana (2019). In catalogo una dozzina di monoliti in pietra che replicano a misura reale quei pali in legno di rovere o di castagno alti tre metri e oltre che affiorano nella laguna di Venezia. Questi oggetti, denominati “bricole”, servono da segnali per la navigazione, creano dei corridoi e aiutano, nei giorni di poca visibilità e nella notte, a prendere la giusta direzione.

Dall'idea di Francesco Signorini, 8 anni, e di sua mamma Sara Poggiali, medico e membro del consiglio direttivo del Rotary Club Valdelsa 2020-2021, nasce la Storia di Renato, un immaginario coronavirus preistorico che ha perso la sua battaglia contro i globuli bianchi degli esseri umani ed è diventato buono. Un modo per l'autrice di spiegare al figlio e ai bambini in generale come si comportano e si evolvono i virus, anche il SARS-COV2 che ha cambiato la vita di tutti. Il volume è corredato da disegni e pensieri di bambini da tutta Italia. Il ricavato delle vendite del libro sarà devoluto a sostegno della ricerca scientifica del Prof. Rino Rappuoli e della fondazione Toscana Life Sciences, eccellenza senese impegnata con l'Azienda Ospedaliera Universitaria di Siena e con l’Ospedale Spallanzani di Roma nello sviluppo degli anticorpi monoclonali anti SARS-COV2.

Almeno una volta nella vita ognuno ha tracciato su un foglio segni con la matita, provando l’ebbrezza dell’apparizione di forme e contorni più scuri sulla carta. Solo gli artisti, però, hanno studiato veramente il disegno, impadronendosi lentamente di quest’arte. Acquisire abilità grafica ha significato, da un certo punto in poi della storia dell’arte occidentale, arrivare a possedere il segreto della creazione, e ciò è accaduto da quando l’attività artistica è stata giudicata alla pari delle altre attività liberali, distinguendola così dall'artigianato. Nel segno di queste analogie, il Museo Novecento avvia un progetto espositivo che si fonda sull'idea di disegno in rapporto alle altre discipline artistiche o alle scienze. “Il disegno dello scultore”, prima mostra e primo catalogo, presenta opere grafiche firmate da Adolfo Wildt, Jacques Lipchitz, David Smith, Louise Bourgeois, Luciano Fabro, Rebecca Horn e Rachel Whiteread, alternando figurazione e astrazione, studi sul corpo e indagini sullo spazio, schizzi e progetti.

Una pubblicazione sugli “Artisti al teatro”: spesso il fruitore di un’opera musicale si limita all'ascolto della musica e si appassiona alla storia e alle arie più famose, ma anche la parte scenografica e quella dei costumi sono protagoniste nella messa in scena dello spettacolo. Sarà quindi un’interessante sorpresa scoprire che molti artisti contemporanei si sono dedicati con successo ai bozzetti per i costumi degli interpreti e a quelli delle scene, ulteriore testimonianza, se mai ce ne fosse bisogno, dell’estrema qualità artistica e capacità di attrazione che da sempre caratterizza il Maggio Musicale Fiorentino. Grazie a questo catalogo scopriamo, quindi, che artisti del calibro di Gino Severini, Enrico Prampolini, Mario Sironi, Bob Wilson, Derek Jarman, Fausto Melotti, Giulio Paolini, Toti Scialoja, Franco Angeli, Piero Dorazio, Piero Sadun, Giacomo Manzù hanno amato il Maggio Musicale e ne hanno fatto uno stimolo della propria creatività. Un’occasione inedita per osservare da vicino disegni e modelli conservati a Firenze, presso l’Archivio Storico del Teatro.

Fabio Viale è considerato uno dei maggiori scultori italiani del nuovo millennio. Famoso per aver dato nuova vita al marmo, materiale aulico che induce alla retorica, trattandolo in maniera lieve, mantenendo sempre un gran rispetto per la materia, anzi esaltandola in un equilibrio perfetto fra forma e contenuto. Vincitore di premi prestigiosi come il Premio Henraux e il Premio Cairo, oltre a essere nominato dalla città di Carrara come l’artista che ha maggiormente contribuito a dare nuova vita al marmo. Si è imposto anche per aver saputo realizzare con le sue sculture in marmo performances che si trasformano spesso in incredibili eventi, documentati da canali televisivi. In primo piano fra queste performances la navigazione di mari, fiumi, canali con una barca di marmo Ahaglla, che ha solcato appunto le acque da Torino a Venezia, da Carrara a Mosca e a San Pietroburgo. Densa l’attività espositiva in Italia e all'estero, in musei e gallerie, come la Gagliardi e Domke di Torino, dove espone le opere di questa personale, "Fifteen".

I quadri di Pizzi Cannella raccontano tutti una storia, o meglio un capitolo di una storia che si intrama e che si dipana aprendo più di un dilemma. Una storia di ricerca, di esplorazione, di viaggio. Qui, in questa nuova sequenza di dodici quadri, siamo di fronte a un nuovo capitolo che narra l’attraversamento dell’ombra, quando in opere del passato talvolta la luce sembrava illuminare non la cosa ma le tenebre stesse. Siamo ora di fronte al tentativo di riconquistare la luce e, con la luce, abbiamo anche la riconquista dei colori del mondo, come fossero colori mai visti prima. E poi, alla fine, la conquista del bianco, che è forse al di là sia dell’ombra che della luce, che di fatto, come scrive lo stesso Pizzi Cannella, nel suo eccesso è ombra, è invisibilità. È qui che si apre un nuovo capitolo della storia che l’artista ha via via tracciato con il suo lavoro nel corso della propria vita. Si apre un nuovo capitolo, si apre una nuova strada, un nuovo itinerario che deve essere ancora esplorato, su cui è necessario interrogarsi.

Catalogo della mostra presso la Chiesa monumentale di San Francesco a Gualdo Tadino. Una selezione di capolavori - 70 opere di 40 artisti - della Collezione Massimo Caggiano, una delle raccolte d’arte contemporanea più significative e rappresentative in Italia, e non solo, sia per la qualità delle opere scelte, sia per l’ampiezza del panorama artistico. Per tutta la vita Massimo Caggiano (Salerno, 1958) ha cercato opere d’arte dei maestri figurativi contemporanei italiani e internazionali. L’amore per la bellezza lo ha sempre mosso, in maniera frenetica e infaticabile, verso l’acquisto di dipinti, disegni, tecniche miste, sculture, sulla base di precisi rimandi tematici, stilistici, cromatici, ma anche sentimentali, e sulla base di una precisa possibilità di collocazione nelle sue dimore o nel luogo del suo lavoro. Tra gli artisti, tutti conosciuti personalmente: Alberto Abate, Hermann Albert, Giuseppe Bergomi, etc...

L’operosità di Carla Accardi si dissemina in cento rivoli, condotta dall'olio o dalla tempera, dalla vernice, dal vinilico o dalla caseina sulla tela, sul sicofoil, sul perspex, sul legno, mentre il colore-trapunto dalla luce che attraversa il telaio lasciato in vista e il foglio sottile del supporto lasciato in tensione su di esso si deposita in segni che ingigantiscono, si sdoppiano, si depositano in elementi che s’uniscono in serie, disponendosi sulla parete a comporre figure talvolta geometriche, talvolta irregolari e inquiete. Accardi saggia ogni strada possibile per l’estrinsecazione di quel colore che ne sollecita ancora e sempre primariamente l’immagine: “forse per togliere al quadro il suo valore di totem”, dirà. E certo la sua conflittuale volontà di voler restare entro la pittura e di travalicarne i confini statuiti ne fa un’artista autentica e rara dei nostri anni.

Meraviglia ed estasi, l’effetto che promette di suscitare nel visitatore l’opera del pittore romano contemporaneo Luciano Ventrone. Un mondo di luce, colore, forma, scenografia e illusione, al fine di creare immagini dalla forte spettacolarità. A partire dalle proverbiali nature morte, tradotte sulla tela con l’inconfondibile cifra pittorica di una tecnica senza imperfezioni: fiori e frutta sono tra i soggetti più indagati dall'artista, a cui lo stesso attribuisce allusioni simboliche. In mostra e in catalogo circa venti opere, compresi due rari nudi che rappresentano un momento di riflessione sulla bellezza spirituale del corpo femminile e sulla sua plasticità. Completano, infine, due paesaggi inediti, "Silvi Marina" e "I racconti del vento", rispettivamente una marina e un deserto, vere istantanee di luce e colore, dove il sole sostituisce la luminosità elettrica delle nature morte.

La luce bianca e pallida sembra essere il carattere centrale dell'opera di Pizzi Cannella. È sempre presente, in maniera quasi invisibile, nelle sue tele e nei disegni, negli interni e nelle vedute, negli sfondi e nelle ombre, qualche volta più fredda e azzurra, altre volte calda e di un giallo leggero. Il bianco si riferisce all'ingenuità e alla franchezza, alla purezza, all'innocenza e alla virtù. Nelle scenografie di Pizzi il bianco è la condizione sine qua non. Il bianco non ha un significato unico, ma è “completo e vuoto” allo stesso tempo, come direbbe Rudolf Arnheim. Evoca sabbie di un deserto senza fine ed enormi ghiacciai artici. Ha a che fare con l’inizio della vita e con la fine di una forma che scompare nel bianco mortale della sera, illuminato dalla luna.