Carlo Cambi Editore

L’opera di Roberto Barni, in pittura e in scultura, rinnova con visionaria originalità la superba linea dell’arte italiana impegnata, lungo il Novecento e oltre, ad affrontare la difficile, improrogabile esigenza di dare un’espressione visiva della figura dell’uomo, non già dell’uomo eterno, ma proprio dell’uomo malmesso dei giorni nostri. Per questo, nella sua opera, l’uomo ha cessato di possedere il privilegio di un’individualità, di una fisionomia riconducibile a una persona singola, per presentarsi col profilo assottigliato di un emblema anonimo costantemente affaccendato e in cammino, senza appartenere alla quantità, alla folla accalcata delle grandi metropoli, alla massa manipolabile degli utenti. Così è destinato a raddoppiarsi, a proliferare, a dare origine a folte concatenazioni e sequenze, fino a comporre delle colonne umane formate da un gruppo di uomini sovrapposti gli uni sulle spalle degli altri. In scultura, la fusione nel bronzo rappresenta la scelta funzionale di una materia e di una tecnica metallurgica che consente la moltiplicazione del modello nei confronti dell’inclinazione del marmo verso l’unicità aristocratica.

Questo è il catalogo della prima mostra personale organizzata a Dubai sull'enigmatico genio Salvador Dalí. Una serie selezionata di suoi lavori, oltre a fotografie intime che documentano magicamente l'artista nell'elemento creativo, che oggi è il suo lascito. Dalí, che nel 1966 produsse una serie di illustrazioni per il classico "Le mille e una notte", torna adesso in terra araba, dove vengono celebrati i sogni e i ricordi della sua vita e della sua personalità. Una volta egli stesso disse: “Nel mio albero genealogico il lignaggio arabo, tornando fino al tempo di Cervantes, è stato definitivamente confermato”. Citando il fotografo, regista e autore Robert Descharnes: "Dalí è geneticamente spagnolo, intellettualmente francese, esteticamente l'italiano e commercialmente americano”. Egli incarnò il surrealismo, producendo una fusione del suo lavoro in pittura, cinema, scultura, le tante espressioni artistiche di una storia senza tempo.

"Solo", ciclo espositivo presso il Museo Novecento di Firenze, da cui emergono brevi ritratti di grandi maestri del secolo scorso. Dopo Emilio Vedova, il successivo appuntamento è dedicato a Piero Manzoni (1933-1963), la cui apparizione nel cielo dell’arte è stata tanto breve quanto luminosa, di un’intensità che continua a crescere dopo l’ improvvisa morte a Milano, nel suo studio di via Fiori Chiari. II curatore di mostra e catalogo, Gaspare Luigi Marcone, si è concentrato sugli “oggetti” – o meglio i “concetti-oggetti” – che l’artista produce dal 1959 al 1962. Con particolare riguardo per le "Linee", che Lucio Fontana, intervistato alla radio l’8 febbraio 1963, ebbe a definire un’innovazione artistica di portata internazionale. Non mancano gli "Achromes" (realizzati fin dal 1957, ma così intitolati solo nella primavera del 1959, in occasione della mostra al bar La Parete di Milano), su cui si è concentrato in questi decenni l’interesse dei collezionisti.

Il più grande interprete italiano dell'hair style nel mondo. Un pioniere. Un rivoluzionario. Un talento creativo. La sua storia è lunga. Ha iniziato nel 1968, creando il coiffage per un servizio di Toni Kent. E poi ha continuato a collaborare con riviste e grandi fotografi a livello mondiale: da David Baily a Giampaolo Barbieri, da Peter Lindbergh a Fabrizio Ferri. Aldo Coppola è stato uno dei primi a trasformare lo status del parrucchiere che, improvvisamente, diventa una star, parte integrante del fashion system, disegnando look di celebrities e dame della haute societé. Lavora con Armani, Valentino, Versace, Ferré, i suoi styling sono fotografati da Toscani ed Helmut Newton. Famoso per la sua eccezionale manualità, per l'estro, la personalità, l'energia creativa. La sua recente scomparsa lascia un’azienda internazionale, una garanzia di qualità. Con questo libro, e la mostra presso la Triennale di Milano, si festeggiano i 50 anni di un Brand conosciuto e rispettato nel mondo.

Viene un tempo, nella storia critica di un artista, in cui la sua figura viene sottratta al gioco stucchevole delle affermazioni di grandezza, delle definizioni sloganistiche ad uso del compound di riferimento, delle volgarizzazioni chiassose dell’attualità. Il tempo degli studi, delle indagini acuminate, delle ricostruzioni partite, in cui la dimensione dell’attualità trascolora, facendo posto alla misura lunga della storia. È quanto sta accadendo ora, trascorsi più di 50 anni dalla morte, a Piero Manzoni. La Fondazione, infatti, si è resa interlocutrice di università, musei, enti pubblici, ha precisato la propria missione come promotrice effettiva di conoscenze: il che, in una temperie come l’attuale, davvero ne fa un’eccezione e un modello. La giornata di studi organizzata non ha alcuno dei caratteri delle occasioni accademico-conviviali che ammorbano il mondo della cultura, delle passerelle di morti di fama cui troppo spesso è dato assistere. È un momento specifico in cui la conoscenza si verifica, è l’inizio di un’altra fondamentale stagione, quella della riflessione e del confronto.

Quella di Giannoni appare una ricerca ispirata dal modo di apparire del visibile in quanto fenomeno pittorico, di una sempre inedita trasfigurazione materica dell’immagine, quindi sul modo di praticare l’arte pittorica percorrendo la sottile linea che attraversa il figurativo e l’informale, la tradizione e il modernismo. Ad esempio, l’immagine di una biblioteca con il soffitto affrescato, una veduta di città (Singapore o Firenze), quella di una sala museale come la Specola di Firenze, di una libreria, o un disadorno salotto di un antico palazzo italiano, subiscono una trasformazione pittorica che viene a generarsi de-figurando la griglia sottostante. Al piacere dell’immagine riconoscibile, all'imitazione, Giannoni oppone il godimento per la materia pittorica informe, del colore a olio, dello spessore raggiunto. Infatti, i punti di forza sono quelle zone del quadro in cui la pasta pittorica è spessa, ruvida, frastagliata. Il quadro ha una consistenza e una presenza che non sono limitate alla funzione mimetica, alla riconoscibilità figurativa. Il segreto di queste opere, la bellezza di questi quadri, è questo modo di sopravvivere e di essere altro.

Questo libro comunica scelte di vita e di lavoro che dimostrano come nel mondo dell’arte si possa ancora agire con successo senza abdicare a quel senso di condivisione, di amicizia, di rispetto che sono le basi di ogni nucleo “umano” capace di esprimere qualche idea nuova. Aurelio Amendola ha ritratto gli artisti che Santo Ficara ha esposto nel corso degli anni nella sua galleria: Carla Accardi, Roberto Barni, Enrico Castellani, Gianluigi Colin, Piero Dorazio, Marcello Jori, Luigi Mainolfi, Aldo Mondino, Luigi Ontani, Pino Pinelli, Roberto Pietrosanti, Antonella Zazzera. Un sistema di relazioni per immagini, una dichiarazione di poetica quasi sentimentale, perché ci si abbandona alla fisiognomica, ovvero a quella pseudoscienza che vuol riconoscere nelle fattezze di una persona, specialmente nel viso, il carattere, le qualità e magari anche qualche somiglianza col lavoro e con i suoi requisiti morali o intellettuali.

Nel rapporto tra il divenire dell’opera, l’aprirsi del suo spazio all'ambiente, e la variazione-oscillazione delle percezioni nello spettatore-fruitore-attore, risiede la vera rivoluzione dell’esperienza estetica di Chiggio e Landi, e delle loro poetiche. In entrambi è presente una forte componente di interattività: quel quid irriducibile alla sola dimensione retinica che mette in scacco il retaggio estetico occidentale, orientato verso la priorità sensoriale dello sguardo. Altra componente che accomuna le loro opere è il forte impianto tecnico-scientifico su cui si regge il loro lavoro, che distrugge la forma per accedere all'evento. Tensioni e contro-tensioni si affrontano e si sfidano, attraversando il loro lavoro dalla fine degli anni ’50 ad oggi. Reintrodurre la “tensione” all'interno dell’immagine – tensione come unica ed autentica garanzia di stimolo del pensiero – ci appare oggi come una delle caratteristiche e dei meriti più rilevanti dell’arte di Ennio Ludovico Chiggio e di Edoardo Landi.

Adami è un artista senza frontiere, che si è imposto pochi limiti geografici (Bologna, Milano, Parigi, Montecarlo sono solamente alcune delle località che ricorrono nelle sue note biografiche), artistici e intellettuali. Ciò è dimostrato ampiamente dalla raccolta di importanti saggi pubblicati in questo volume ed è certamente uno degli aspetti più interessanti della sua vita e della sua arte. Una linea, un confine definito, ciò che per prima cosa si apprezza nel suo lavoro. La linea è caratteristica – astratta, insistente e continua – e definisce le raffigurazioni di attimi quotidiani ed evoca un’apparente normalità. Ogni parola, scritta sulla tela, prospetta un “oltre” che contribuisce a spostare l’immagine dipinta dalla sfera di ciò che ordinariamente accade, ad una sfera del tutto straordinaria, quella che si delinea oltre l’immagine, oltre il colore intenso e totalizzante dei suoi quadri.

Tutta la produzione artistica di Fabio Viale è uno spiazzamento percettivo in cui i valori tattili della pittura e quelli plastici della scultura si fondono in un unico affinamento qualitativo per il sentimento: Door Release. È questo titolo, breve ma efficace, che ci vuol dire tutto e niente, che regola l’intero percorso del catalogo e della mostra. Door Release è anche il titolo di una delle opere simbolo della produzione artistica di Viale, che è più facile ricordare come la riproduzione tatuata della mano di Costantino: la volontà di voler inserire a grandezza naturale uno tra i più celebri resti della scultura romana tardo antica come la mano di Costantino, conservata ai Musei Capitolini, non è una citazione, o almeno non soltanto. È un continuum storico con la società odierna, con la quale l’artista spazia per l’intero percorso della mostra nella riacquisizione di un nuovo senso storico del gusto. Come un cortocircuito in cui Viale sovverte quegli storici equilibri estetici con i quali siamo stati abituati a guardare la scultura; un bello classico e ideale che nessuno prima di lui aveva pensato di rivoluzionare con un’altra tradizione, assai più antica: i tatuaggi.

Nelle sale del Museo Civico Archeologico e della Pinacoteca di Amelia (Terni), dove solitamente sono ospitati i classici, per esempio la celebre statua bronzea del generale romano Nerone Claudio Druso, sono esposte, e in catalogo, 30 dipinti del Maestro Luciano Ventrone, deciso a regalare contemporaneità all'antico, in una rilettura delle sue tipicità espressive. Nel proprio universo artistico il passato non si rinnega, ma si studia, si vive, si racconta, si cita, si supera. Con l'obiettivo di raggiungere un'attualità di linguaggi che renda eterno il messaggio dell'arte anche nel suo codice per dialogare, ancora e sempre, con lo spettatore. Un fil rouge con i nostri avi.

Il libro che riunisce due delle serie più famose dell'artista Piero Manzoni, ovvero gli Achromes (1957-1963) e le Linee (1959-1963), focalizzandosi unicamente sulla relazione tra questi due gruppi di opere e sulla volontà dell'artista di sviluppare forme che creino un legame intrinseco tra i materiali e l'idea d'infinito. Nel dicembre 1957 Manzoni scriveva: "Lo spaziosuperficie del quadro interessa il processo autoanalitico solo in quanto spazio di libertà in cui noi andiamo alla scoperta [...]. Qui l'immagine prende forma nella sua funzione vitale: essa non potrà valere per ciò che ricorda, spiega o esprime (casomai la questione è fondare) né voler essere o poter essere spiegata come allegoria di un processo fisico: essa vale solo in quanto è: essere". Parallelamente vi è la produzione dei primi "quadri bianchi" o "incolori", successivamente intitolati Achromes. Inizialmente la realizzazione dei "quadri bianchi" si inserisce nel clima di ricerca monocromatica internazionale, ma Manzoni vuole andare oltre la semplice monocromia per aprire ulteriori nuovi percorsi. La copertina del volume è la prima fedele riproduzione di uno degli Achromes, sia per quanto riguarda la tela che il taglio: il tutto è protetto in un cofanetto di plexiglass, che mantiene candido, ma maneggevole, il libro.