Edizioni Cineteca di Bologna

Unico film italiano in concorso al Festival di Cannes 2025, “Fuori” di Mario Martone nasce da un lavoro del regista e della sceneggiatrice Ippolita di Majo sul mondo di Goliarda Sapienza. Il volume, curato da Paolo Mereghetti e Alberto Libera, propone la ricostruzione delle varie versioni della sceneggiatura, uno scritto del regista, il soggetto , due interviste (alla protagonista Valeria Golino e a Ippolita di Majo), un saggio critico e un profilo di Goliarda Sapienza. È inoltre corredato da fotografie scattate durante le fasi preparatorie e le riprese del film.

Otto viaggi sulle tracce di Georges Simenon, romanziere, ma anche giornalista, fotografo, pioniere della comunicazione, vorace collezionista di esperienze umane e professionali, attraverso i tanti luoghi vissuti (la natia Liegi, la Parigi degli Anni folli, l’America dell’immediato dopoguerra, la Svizzera francese), gli incontri decisivi, le sue carte, i film tratti dalle sue opere, gli scatti realizzati durante i viaggi-reportage in giro per il mondo. Un’enorme mole di documenti noti ed inediti che, insieme ai testi originali di John Banville, Cecilia Cenciarelli, Matteo Codignola, Benoît Denis, Adam Gopnik, Lisa Ginzburg, Carlo Lucarelli, Serge Toubiana, a un'intervista a due celebri cineasti di Liegi, i fratelli Dardenne, e alle testimonianze di amici illustri (Roberto Calasso, Jean Cocteau, Federico Fellini, Henry Miller, Jean Renoir, François Truffaut), offrono uno sguardo originale sul più prolifico scrittore del Novecento, che con i suoi romanzi e i suoi personaggi continua a essere un caso editoriale, ad appassionare i lettori e a ispirare gli artisti contemporanei.

“Con il cinema muto potevamo fare qualunque cosa, e ci riuscivamo”, parola di Buster Keaton a proposito della febbrile e luminosa stagione (1920-1928) durante la quale diresse e interpretò, in totale libertà, trenta fra corto e lungometraggi. Per la prima volta sono disponibili in Italia grazie a un progetto pluriennale della Cineteca di Bologna che ha riportato le sue opere, più volte rimaneggiate, a una forma la più vicina possibile all’originale. Il terzo e ultimo volume raccoglie dodici film che esaltano il genio di Keaton e la sua straordinaria capacità di reinventare il linguaggio cinematografico. Dalla grandiosità epica di The Three Ages, omaggio ironico ai kolossal di Griffith, ai western parodici Our Hospitality e The Paleface, fino alla commedia degli equivoci My Wife's Relations e alla romantic comedy Spite Marriage, il suo addio all'era del muto. Keaton si muove con la consueta eleganza acrobatica tra case stregate (The Haunted House), invenzioni futuristiche (The Electric House) e navi alla deriva (The Navigator), mettendo in scena la sua eterna lotta contro il caos del mondo moderno e la civiltà delle macchine. Il ritmo incalzante di The Goat, le improbabili imprese sportive di College e Battling Butler, l’umorismo nero e surreale di Hard Luck, piccolo gioiello a lungo dimenticato, confermano l’incredibile versatilità di un artista in grado di attraversare e mescolare i generi con naturalezza e audacia. Gli accompagnamenti musicali restituiscono tutta la ricchezza di questi capolavori senza tempo: dalle partiture per pianoforte di Daniele Furlati, Stephen Horne e Mirco Mariani, fino alle orchestrazioni composte e dirette da Timothy Brock. Ad arricchire l’opera, un prezioso booklet a cura di Cecilia Cenciarelli con schede dettagliate dei film e approfondimenti sui restauri.

Alessandro Blasetti è stato uno dei protagonisti del cinema italiano del Novecento. Dapprima come critico appassionato, poi come cineasta, è stato tra i fautori della ripresa dell’industria cinematografica nazionale alla fine degli anni Venti durante il fascismo, cui aderì convintamente, prima di distaccarsene e realizzare nel dopoguerra opere che univano il gusto per lo spettacolo a valori pacifisti. Regista instancabile – ma anche brillante sceneggiatore, curioso sperimentatore, insegnante e talent scout –, ha abbracciato generi differenti con film spesso innovativi e di grande successo, come “1860”, “La corona di ferro”, “La cena delle beffe”, “Quattro passi fra le nuvole”, “Fabiola”, “Altri tempi”, “Peccato che sia una canaglia” ed “Europa di notte”. Alberto Malfitano ne ripercorre la carriera, a partire dal vasto archivio personale conservato presso la Cineteca di Bologna. Un prezioso scrigno composto da migliaia di documenti che ci restituiscono il mondo di Blasetti e le sue molteplici intersezioni con la cultura e la società italiana del Ventesimo secolo.

Trent’anni al “Resto del Carlino”. Trent’anni da fotoreporter a guardare e a raccontare Bologna e quello che accadeva. Giornate a cercare la notizia, ad accompagnare i giornalisti, a seguire comizi, funerali, adunate, eventi sportivi, spettacoli, disgrazie; e poi le notti a fare la chiusura, ad aspettare le bozze appena uscite dalle rotative o a fare ‘il giro’ tra questura e ospedali. È questo il racconto in prima persona di Nino Comaschi, ricostruito da due innamorati di Bologna, suo figlio Giorgio, attore e performer, che questa storia la porta anche sul palcoscenico, e Giuseppe Savini, storico, studioso e appassionato di fotografia. Un racconto imbastito attraverso i ricordi e gli aneddoti che Nino ha lasciato, ma soprattutto grazie al suo sterminato archivio fotografico, ora conservato dalla Cineteca di Bologna. Comaschi lavorò al “Carlino” dal 1935 fino agli anni Settanta, passando pian piano dalla macchina fotografica a quella da scrivere. Anni che portarono dalle adunate oceaniche a un progressivo sgretolamento del regime ormai avviato a passo di marcetta verso la catastrofe. Poi la guerra, la Liberazione e il boom. Una parabola e una comunità che Comaschi ha saputo cogliere anche dietro le quinte delle occasioni ufficiali, grazie al suo sguardo disincantato e “distratto” – come preferiva definirlo –, attento agli aspetti modesti e quotidiani, a volte bislacchi, del vivere.

Nel 1923, quando finalmente assapora l’indipendenza creativa, Charlie Chaplin ribalta ogni previsione: il primo film da lui diretto, prodotto e distribuito non è comico. È un melodramma e senza il Vagabondo. Lo sconcerto del pubblico obbliga i cinema ad affiggere cartelli di avvertimento alle casse, ma gli elogi della critica sono unanimi. Chaplin ha realizzato qualcosa di unico, facendo compiere un balzo in avanti all’arte della regia. La storia prende spunto dalla figura di Peggy Hopkins Joyce, nota cacciatrice di dote per la quale un giovane innamorato si tolse la vita. Chaplin scava dentro e oltre le convenzioni morali e il perbenismo borghese che ha già preso di mira con le sue commedie. La raffinata analisi psicologica dei personaggi lo eleva al rango di ‘filosofo della natura umana’. Eppure “La donna di Parigi” non ha successo, e il suo autore abbandona la strada della commedia drammatica. Cosa sarebbe accaduto altrimenti non lo sappiamo. Sappiamo che Chaplin si conferma quel genio comico che tutti conosciamo e amiamo. Sappiamo che questo gioiello, da ogni punto di vista perfetto, è oggi, a oltre cento anni dalla sua realizzazione, un capolavoro da riscoprire. Rarità e approfondimenti: Chaplin Ritrovato: La donna di Parigi (2024) di Cecilia Cenciarelli. Voce narrante di Francesca Mazza; Edna Purviance Screen Test (1916 ca); Parigi anni Venti, attualità Gaumont-Pathé (1920-1926); Camille (1926) di Ralph Barton; United Artists (1919); Scene eliminate (1976); gli altri film della première londinese: Come to The Riviera – For 2 Minutes! (1924), Felix Goes to Hollywood (1923) di Otto Messner, La casa elettrica (The Electric House, 1922) di Buster Keaton ed Eddie Cline. Contenuti libro: Nel booklet curato da Cecilia Cenciarelli, un saggio di Peter von Bagh sul film e un’intervista di Kevin Brownlow a Michael Powell; tra i documenti, i ricordi di Adolphe Menjou ed Eddie Sutherland, una lettera di Chaplin a Edna Purviance e un ritratto dell’attrice, appunti di Chaplin per la storia e un resoconto della visione privata del film di Theodore Dreiser; un’antologia critica.

Su un pianeta lontano, gli Smei, di colore rosso, e gli Smufi, di colore blu, fanno di tutto per evitarsi. Quando due giovani delle rispettive famiglie si innamorano e decidono di fuggire su un razzo, Smei e Smufi partono alla loro ricerca, superando le reciproche diffidenze. Il gatto canterino Bigio Randagio e il musicista di strada Pino si esibiscono nel cuore di Londra, finché una inaspettata e lunga separazione non mette alla prova il loro forte legame. Ma le vere amicizie non finiscono mai. “Gli Smei e gli Smufi” e “Bigio Randagio” sono due nuovi splendidi adattamenti animati tratti dagli amatissimi albi illustrati di Julia Donaldson e Axel Scheffler, creatori di capolavori come “Il Gruffalò”, “La strega Rossella”, “Bastoncino” e “La chiocciolina e la balena”. Ci accompagnano con ironia alla scoperta di mondi ignoti, aiutandoci a comprendere che la diversità è, per chi sa coglierla, un arricchimento e non una minaccia.

«All'inizio degli anni Trenta, Vittorio De Sica rappresentò, nel cinema italiano, una presenza inattesa e fuori dai canoni, una rivoluzione e una ventata di modernità in un paese che non aveva nessun attore da contrapporre a quei divi di Hollywood che, tra muto e inizi del sonoro, avevano cancellato dai gusti del pubblico nazionale il cinema italiano: un cinema che al contrario, fino alla fine degli anni Dieci, aveva goduto d'un mercato e d'una risonanza mondiali. Portato sullo schermo dai successi del varietà e dalla popolarità dei suoi dischi, De Sica è stato il nostro primo divo moderno, comparabile alle stelle del firmamento cinematografico internazionale, a Maurice Cheva-lier, a Gary Cooper, a Hans Albers, a Jean Gabin. Ma questo fu solo l'inizio di una carriera multiforme che non ha paragoni possibili se non, forse, con Chaplin o Welles. "Io — diceva — sono nato e rinato alla vita artistica almeno cinque volte". Cantante e attore di rivista, di prosa, di cinema, De Sica matura, alla fine degli anni Trenta, la consapevolezza che se l'attore rinuncia a risolversi in un personaggio, il regista può essere tutti i personaggi, li può recitare tutti. Da quando diventa autore dei suoi film, plasma i suoi interpreti, si identifica con ognuno di loro, ne assume i punti di vista, mima e ripete con loro ogni singola scena. In coppia con Cesare Zavattini è uno dei massimi protagonisti del principale evento artistico italiano nel Novecento, il neorealismo. Vince i primi due premi Oscar del nostro cinema, aprendone l'Età d'oro, trasformando attori non professionisti in icone della storia del cinema...»

Luchino Visconti attraverso le sue lettere, quelle scritte e quelle ricevute nel corso di una carriera che ha segnato in maniera indelebile l’arte, lo spettacolo e il cinema del Novecento. Primo di due monumentali volumi, questo libro copre gli anni dal 1937 al 1961 (con un piccolo antefatto nel 1920). Un periodo cruciale per la nascita e la consacrazione del mito Visconti: dall’apprendistato con Renoir alla resistenza negli anni del fascismo, dalle memorabili regie teatrali e operistiche alle fortune cinematografiche, dall’‘invenzione’ del neorealismo con “Ossessione” fino al capolavoro definitivo “Rocco e i suoi fratelli”. Le lettere sono poco più di settecento: a dialogare con il regista personalità del calibro di Maria Callas, Franco Zeffirelli, Vittorio Gassman, Ingrid Bergman, Michelangelo Antonioni, Salvador Dalí, Cesare Zavattini, Suso Cecchi d’Amico, insieme a tanti altri attori, registi, scrittori, produttori, impresari, politici, maestranze di cinema e teatro. Un concerto con circa duecento strumenti intorno a un unico maestro, un’occasione rara per scoprire, attraverso le parole di Visconti e di chi ha avuto la possibilità di conoscerlo e collaborare con lui, il modo di lavorare, di pensare, di agire di un personaggio unico, capace con la sua visione di in influenzare la storia culturale del nostro paese.

“Quando facevamo cinema mangiavamo, dormivamo e sognavamo cinema”, avrebbe detto Buster Keaton riferendosi alla stagione (1920-1928) durante la quale realizzò e interpretò, in completa libertà creativa, trenta tra corto e lungometraggi. Per la prima volta sono disponibili in Italia grazie a un progetto pluriennale della Cineteca di Bologna che ha riportato le opere di Keaton, tra le più rimaneggiate dell’epoca muta, a una forma il più vicino possibile a quella originaria. Questo secondo volume si compone di tredici film che confermano che il cinema ha avuto un solo Buster Keaton. Da un capolavoro come The Cameraman – epica dichiarazione d’amore per il cinema – alle architetture dadaiste di The Scarecrow, al western parodico di Go West e The Frozen North; dal Keaton-uomo-orchestra di The Playhouse, alle tribolazioni d’amore di The Blacksmith, The Saphead e Seven Chances; dalle peripezie in gattabuia di Convict 13 e a quelle in mare e in cielo di The Boat, The Love Nest, Day Dreams e The Balloonatic. Gli accompagnamenti musicali riflettono la varietà di queste opere senza tempo: dalla musica per pianoforte di Daniele Furlati e Neil Brand a quella per ensemble di Donald Sosin, Robert Israel e Mont Alto Orchestra, fino alle partiture orchestrali composte e dirette da Carl Davis e Timothy Brock. All’interno un ricco booklet a cura di Cecilia Cenciarelli con schede dei film e note sui restauri.

Charlie Chaplin, opera numero settantanove, ennesimo capolavoro. “È la storia di un comico inglese che invecchia e che si innamora di una giovane ballerina”, lo descrive il suo autore. “È stato un uomo di successo, ma adesso ha la sensazione di non fare più presa sul pubblico. Ha paura di non riuscire più a farlo ridere”. Ambientato nella Londra del 1914, è un grande film sulla vecchiaia, sulla nostalgia, sul tramonto di un’epoca, quella del music hall, durante la quale il giovane Charlie si era fatto le ossa. Nato in forma di romanzo (Footlights, rimasto inedito per oltre sessant’anni e pubblicato nel 2014 dalla Cineteca di Bologna), Luci della ribalta è l’ultimo film americano di Chaplin –divenuto bersaglio del maccartismo, proprio durante il tour di presentazione europeo riceve il divieto di rientrare negli Stati Uniti – e il suo testamento artistico, di profondità e umanità impressionanti. Rarità e approfondimenti: Chaplin Ritrovato: Luci della ribalta (2023) di Cecilia Cenciarelli. Voce narrante di Lella Costa; Chaplin Today (2003) di Edgardo Cozarinsky. Con Bernardo Bertolucci e Claire Bloom; Chaplin a Roma (1952); A Night in the Show (1915); Les six soeurs Dainefs (1901); Living London (1904); Au music-hall (1907); L’Homme qui marche sur la tête (1909); Scena tagliata: Claudius the Armless Wonder (1952); Charlie Chaplin compone al pianoforte (1950-51). Contenuti libro: Nel booklet curato da Cecilia Cenciarelli, contributi sul film e le sue letture critiche e sul music hall tra fine Ottocento e inizio Novecento; alcune pagine del romanzo Footlights; i ricordi di Claire Bloom e Buster Keaton; il reportage inedito dal set di Henry Gris; documenti sull’arrivo di Chaplin in Italia nel 1952; un’antologia critica.

La principessa Sabrina, diventata una bravissima dottoressa, gira il mondo in sella al draghetto Zog per curare chi ha bisogno. Fino a quando suo zio, il prepotente re, non decide di fermarla. Una lumachina di mare sogna di viaggiare per il mondo, finché un giorno una gigantesca megattera si offre di portarla con se attraverso le acque dell’oceano, tra animali minacciosi e tempeste spaventose. “Zog e i medici volanti” e “La chiocciolina e la balena” sono due nuovi splendidi adattamenti animati tratti degli amatissimi albi illustrati di Julia Donaldson e Axel Scheffler – duo creatore di capolavori come “Il Gruffalò”, “La strega Rossella”, “Bastoncino” e molti altri. Ci conducono in un altrove lontano, per raccontare con la potenza delle immagini e la ricercatezza del racconto in rima un’amicizia inconsueta tra specie diverse e la presa di coscienza di una ragazza che vuol decidere autonomamente del proprio futuro.