Electa

Sette Stagioni dello Spirito ha portato alla progressiva riapertura di alcuni edifici storici e monumentali, abbandonati o dismessi, dislocati in diverse aree della città e radicalmente trasformati dall'intervento dell'artista. Questi luoghi sono diventati punti radianti per –opere-ambiente– che dal tessuto umano si sono estese a quello urbano, animando, spesso, interi quartieri. Nell'ideazione e realizzazione di Sette Stagioni dello Spirito, Tosatti ha ripercorso la traccia di Il Castello Interiore (1577), il libro in cui Santa Teresa d'Avila suddivide l'animo umano in sette stanze, e le ha trasfigurate in altrettante monumentali installazioni ambientali. Un'opera di matrice narrativa e filosofica e in formazione progressiva, tesa a ridefinire il rapporto fra arte e comunità – fra intervento artistico e tessuto sociale e antropologico. Il catalogo sintetizza le diverse tappe in una prospettiva unitaria, tende non solo a restituire la memoria dell'esperienza quanto a ricostruirne il percorso "dietro le quinte", permettendo al lettore di ripercorrere le sette Stagioni nella loro articolazione complessiva. Gli interventi critici, plurali, affrontano la complessità di Sette Stagioni dello Spirito da prospettive differenti: Christian Caliandro scrive della dimensione storico-politica del ciclo, Giorgio De Finis affronta le sue implicazioni da un punto di vista antropologico, Nicolas Martino indaga la matrice filosofica del lavoro mentre Alessandro Facente si concentra sulla dimensione cromatica del lavoro di Tosatti. Le conversazioni di Tosatti con Dough Ashford, Romeo Castellucci, Eva Franch, Mariangela Gualtieri, Alfredo Jaar, Paul Pfeiffer e Vicente Todolì approfondiscono la dimensione più intima del progetto. Il diario che accompagna la pubblicazione del catalogo, restituisce il racconto quotidiano ed intimo di questa esperienza, nel suo farsi.

“One day I broke a mirror” è un’esposizione concepita dall’artista-icona Yoko Ono e da Claire Tabouret, classe 1981, rivelazione sorprendente dell’ultima generazione. Dalle Gallerie di Ferdinando alla Loggia, dai magnifici giardini all’Atelier di Balthus, le opere delle due artiste dialogano come in un contrappunto musicale che trasforma Villa Medici in un unico progetto espositivo per due voci soliste. “One day I broke a mirror” è il titolo creato da Yoko Ono per la mostra a Villa Medici, la quale esplora principalmente gli anni 1960-1970 della produzione di un’artista eclettica e multidisciplinare, tanto attiva nella scena underground newyorkese da ridefinire e rappresentare assieme al movimento Fluxus – nel solco della ricerca di John Cage – l’arte di quel periodo. Tra “istruzioni”, coinvolgimento del “caso” ed esperienze sensoriali, le sue opere richiedono la partecipazione attiva del pubblico per essere complete e totali.

Cosa hanno in comune lo scrittore Orhan Pamuk e l'artista visiva Grazia Toderi? Parole e stelle, domande esistenziali e osservazioni degli astri. Words and Stars (2013-2016) è un progetto a quattro mani nato nel 2013 quando lo scrittore invita l’artista a ideare insieme un lavoro per il Museo dell’innocenza. Da una riflessione di Pamuk su un possibile collegamento tra gli interrogativi esistenziali dell’uomo e l’astrologia, che lo porta a scrivere un testo sulle stelle, è nato il contatto con l’artista italiana, che ha fatto di questo tema uno dei soggetti più ricorrenti nei suoi lavori. Il catalogo accompagnerà la grande installazione immersiva, una trilogia composta da otto proiezioni video, presentata per la prima volta in versione integrale al Mart di Rovereto nell’aprile del 2017. Una nuova, grande occasione per scoprire il Pamuk artista (che precede, come racconta lui stesso, la carriera di scrittore), e una testimonianza delle qualità generative della sua scrittura e del suo immaginario.

"Alto e robusto, con i capelli scuri e una lunga barba curata, sempre ben vestito in blu scuro o nero. Il suo amico Charles Angrand lo ricordava bello come il San Giorgio di Donatello. Aveva un comportamento calmo, riservato, riflessivo, orgoglioso e tenacemente ostinato, ma anche melanconico e con una vena ironica, a volte sarcastica. Per queste sue caratteristiche Degas l'aveva soprannominato scherzosamente 'il notaio' ... Ma nel caso di Seurat limitarsi all'apparenza è un errore. La sua vita che tende a essere identificata con la sua opera è in realtà per molti versi un affascinante enigma, che vale la pena esplorare con attenzione in profondità. E questa ricerca ci porta a scoprire aspetti sorprendenti, segreti, anche sottilmente inquietanti". Questo, in breve, il motivo del presente volume. C'è chi parla di "mistero Seurat": senza spingerci così lontano, non possiamo negare l'inquietudine che ci assale quando osserviamo le sue tele né le difficoltà, inconsuete, che incontriamo quando vogliamo penetrarne la biografia. Nella Parigi di quegli anni, che Francesco Poli racconta con piglio mirabolante, "il notaio" cammina quasi fuori posto, vicinissimo eppure lontano dalla mondanità artistica che renderà la Ville Lumière famosa in tutto il mondo. Francesco Polì passeggia per questa Parigi, in compagnia di Seurat e delle figure più affascinanti del suo tempo, regalandoci un ritratto sorprendente di uno dei pittori "solitari" più amati di sempre.

“Annette Messager non ha creduto alla principessa sul pisello, a Cenerentola e al suo principe, non si è impietosita per Biancaneve e i sette nani. Non ha trascorso la vita davanti a uno specchio chiedendogli: "Specchio specchio delle mie brame, chi è la più bella del reame?" II suo mondo, interiore ed esteriore, è popolato da pupazzi, figure di pezze, marionette, giocattoli, fantocci sproporzionati, marchingegni automatici, corde, bambole disarticolate, peluche mutilati, maglieria, ricami, organi interni ed esterni che si gonfiano e si sgonfiano, forme biomorfiche, ibride, animali impagliati. Con Annette il sogno non fa rima con la notte: è ad occhi aperti, si sovrappone alla realtà, spesso la sostituisce perché, come per Edgar Allan Poe nel racconto Eleonora, "coloro che sognano di giorno sanno molte cose che sfuggono a chi sogna soltanto di nette" Ciò che all'apparenza sembra familiare, da vicino diventa straniero, e lo straniero diventa familiare, il gioco si fa tragicomico.“

“Tante saranno state le imagines del Colosseo in antico - basti pensare alle vedute a volo d'uccello di Roma che, in prospettive intuitive, avranno restituito volume alla topografia della città impressa nelle lastre di marmo della Forma Urbis severiana o a plastici sicuramente esistiti - sia in ambito pubblico che nella sfera privata. Un rilievo singolare proveniente dal Sepolcro degli Haterii, rinvenuto nel 1848 sull'antica via Labicana, ce ne restituisce, semplificate, le fattezze che comunque lo rendono riconoscibile fra gli altri edifici famosi il cui appalto un membro della famiglia s'era aggiudicato: davvero un fiore all'occhiello per quella premiata impresa di costruzioni. Ma il Colosseo i romani potevano tenerlo in mano, toccarlo e rimirarlo da vicino in ogni sua parte, da un punto di vista insolito che mostrava persino i combattimenti nell'arena in mezzo alla folla assiepata sulle gradinate, negli splendidi sesterzi in oro, denari in argento, assi in bronzo coniati dalle zecche senatorie e imperiali, a più riprese, in occasioni speciali.”

“Tante saranno state le imagines del Colosseo in antico - basti pensare alle vedute a volo d'uccello di Roma che, in prospettive intuitive, avranno restituito volume alla topografia della città impressa nelle lastre di marmo della Forma Urbis severiana o a plastici sicuramente esistiti - sia in ambito pubblico che nella sfera privata. Un rilievo singolare proveniente dal Sepolcro degli Haterii, rinvenuto nel 1848 sull'antica via Labicana, ce ne restituisce, semplificate, le fattezze che comunque lo rendono riconoscibile fra gli altri edifici famosi il cui appalto un membro della famiglia s'era aggiudicato: davvero un fiore all'occhiello per quella premiata impresa di costruzioni. Ma il Colosseo i romani potevano tenerlo in mano, toccarlo e rimirarlo da vicino in ogni sua parte, da un punto di vista insolito che mostrava persino i combattimenti nell'arena in mezzo alla folla assiepata sulle gradinate, negli splendidi sesterzi in oro, denari in argento, assi in bronzo coniati dalle zecche senatorie e imperiali, a più riprese, in occasioni speciali.”

La mostra “New York New York” consente una nuova indagine sull'arte italiana del XX secolo, nel contesto internazionale, in particolare americano. Un'analisi, quella condotta da Francesco Tedeschi, che ripercorre i viaggi e i soggiorni degli artisti italiani in America e, grazie ai saggi dettagliati pubblicati in questo catalogo, documenta la presenza di opere italiane nelle mostre di musei e gallerie nordamericani. Apre il percorso della mostra, nella sede del Museo del Novecento, la grande opera su rame “New York 10” di Lucio Fontana, realizzata dall'artista al rientro dal suo primo viaggio a New York nel 1961 in occasione della personale alla Martha Jackson Gallery. Una sezione verterà infatti proprio sull'iconografia della città americana che ha affascinato molti protagonisti, da Depero e de Chirico, tra i primi a recarsi oltreoceano, a Novelli, Afro, Tancredi, Turcato. Per completare l'ampia rassegna è allestito nella sezione Archivi del Novecento un approfondimento - una vera "mostra nella mostra" - dedicato allibro pubblicato da Ugo Mulas ne11967, “New York: arte e persone”. In questa sezione si presenterà una selezionatissima raccolta di materiali d'archivio, dalle fotografie originali ai menabò assemblati dal celebre fotografo, oltre a copie originali del libro.

“La Terra Inquieta” prende a prestito il titolo da una raccolta di poesie dello scrittore caraibico Édouard Glissant, autore che ha dedicato la sua intera opera all'analisi e alla celebrazione della coesistenza di culture diverse. L'esposizione racconta il presente come un territorio instabile e in fibrillazione: una polifonia di narrazioni e tensioni. Attraverso le opere di più di sessanta artisti provenienti da oltre quaranta paesi del mondo - tra cui Albania, Algeria, Bangladesh, Egitto, Ghana, Iraq, Libano, Marocco, Siria e Turchia - e con l'inclusione di documenti storici e oggetti di cultura materiale, la mostra parla delle trasformazioni epocali che stanno segnando lo scenario globale e la storia contemporanea, focalizzandosi in particolare sulla rappresentazione della migrazione e della crisi dei rifugiati. “La Terra Inquieta” esplora geografie reali e immaginarie, ricostruendo l'odissea dei migranti e le storie individuali e collettive dei viaggi disperati dei nuovi dannati della terra. Il percorso dell'esposizione si snoda attraverso una serie di nuclei geografici e tematici - il conflitto in Siria, lo stato di emergenza di Lampedusa, la vita nei campi profughi; la figura del nomade e dell'apolide, la migrazione italiana all'inizio del Novecento - a cui si intersecano complesse metafore visive di questo breve e instabile scorcio di secolo.

L’imponente progetto “Sette Stagioni dello Spirito” di Gian Maria Tosatti è stata un'esperienza che per metodologia e prassi ha esulato dal concetto di mostra tradizionalmente inteso, a partire dalla durata: dal 2013 al 2016. Ripercorrendo la falsariga del Castello Interiore, libro scritto da Teresa de Jesus nel 1577, Gian Maria Tosatti ha intrapreso un lungo cammino, artistico ed esistenziale, fisico e allo stesso tempo metaforico, elaborando progressivamente un discorso per immagini, in cui le sette mansioni dell'estatica santa sono state a loro volta trasfigurate dall'artista in altrettante monumentali installazioni ambientali, tutte rigorosamente site-specific, in sette luoghi che intrattengono un rapporto identitario con la città di Napoli. Sette Stagioni dello Spirito ha così portato alla progressiva riapertura di alcuni edifici storici e monumentali, abbandonati o dismessi, dislocati in diverse aree della città e diventati punti radianti per "opere-ambiente" che dal tessuto umano si sono estese a quello urbano, animando, spesso, interi quartieri. Nel complesso, Sette Stagioni dello Spirito è stato un progetto teso a ridefinire il rapporto fra i domini dell'arte e quelli dell'abitare, e ancora tra arte e comunità, concepito come un unico grande "romanzo di formazione", come lo definisce Tosatti, visivo ma soprattutto performativo, organizzato in sette capitoli sull'animo umano, costantemente teso fra i limiti, antitetici ma complementari, del bene e del male. Questo libro è pubblicato in occasione della mostra finale dedicata al progetto, al museo Madre di Napoli.

A dieci anni dalla morte di Ettore Sottsass e alla vigilia del centenario della sua nascita, Barbara Radice gli dedica le pagine di un diario iniziato il giorno dopo la sua scomparsa, il 31 dicembre 2007, e proseguito per due anni. Riannodando il filo dei ricordi insieme al racconto del dolore, restituito con una minuzia di particolari quasi da entomologo, Barbara apre una finestra privata di riflessioni, anche ironica, e consente uno sguardo ravvicinato sul grande architetto e designer. Non solo. In una sequenza quasi cinematografica, lascia scorrere davanti al lettore i fotogrammi di una vita "bellissima" trascorsa "a guardare il mondo sempre dalla stessa parte della finestra". Sono i luoghi del cuore di Ettore e Barbara: le case di Milano, l'amata Filicudi, l'India dell'amica Prema, i Tropici, l'Engadina, gli amici, la famiglia, gli oggetti, la quotidianità di una vita non banale. Le immagini accompagnano il racconto. All'ultima pagina si arriva d'un fiato e ci si accorge di non potersi scrollare facilmente di dosso lacrime e silenzi.