Gremese Editore

Con l’espressione “danze storiche di società”, la Scuola russa indica le versioni stilizzate e teatralizzate dei balli di sala ottocenteschi – come la polka, la polonaise e il valzer – presenti nel repertorio del balletto classico. A inizio Novecento, la Scuola russa ha organizzato queste danze in una disciplina scolastica destinata ai primi tre anni di studio, al fine di introdurre gli allievi allo stile del balletto nei gesti, nei ritmi e nella relazione con lo spazio scenico. La presente pubblicazione offre un programma didattico di durata biennale parallelo al corso di danza classica. Tutti i passi e i disegni coreografici sono descritti analiticamente con il supporto di un ricco apparato illustrativo che include fotografie didattiche e schematizzazioni grafiche degli spostamenti nello spazio. Ogni danza è inoltre corredata dagli spartiti musicali che, insieme alle note introduttive di carattere storico, contribuiscono a rendere il testo uno strumento fondamentale per allievi e insegnanti, e un documento stimolante per tutti gli appassionati del balletto classico.

Ambra, sensibile e sognatrice, vive a Roma insieme alla mamma, al papà e al suo Lampone, un simpatico cagnolino che lei adora. La nostra storia comincia un pomeriggio di inizio dicembre. Finiti i compiti, Ambra sta guardando distrattamente la tv e passa da un canale all'altro quando, improvvisamente, un'intensa luce blu proveniente dallo schermo le inonda il viso: stanno trasmettendo un balletto classico. Dapprima indifferente, poi incuriosita e infine rapita da quelle immagini di bellezza e armonia, Ambra sente l'impulso irrefrenabile di alzarsi dal divano e improvvisare qualche passo di danza, mentre la musica la avvolge e sembra volerla sollevare dal pavimento. Ecco, la magia si sta compiendo: "Voglio diventare una ballerina!", pensa Ambra al colmo dell'eccitazione. Ma questo è solo l'inizio della sua favola. E anche qui, come in tutte le favole che si rispettino, non mancheranno ostacoli e difficoltà da superare, insieme a nuove ed entusiasmanti scoperte che forse cambieranno per sempre la vita della nostra protagonista. Età di lettura: da 7 anni.

È il 1969. Accadono magie sconvolgenti nella cittadina turca di Göreme, e accadono tutte nell’arco di una sola notte susseguente a un’intensa giornata di riprese dedicata alla lavorazione del film Medea, di cui è protagonista la più grande cantante lirica di tutti i tempi: Maria Callas. Nel ruolo di Giasone, amante di Medea, un campione di salto triplo reduce da due record del mondo alle Olimpiadi messicane dell’anno prima: Giuseppe Gentile. Regista del film: Pier Paolo Pasolini. In questo romanzo tutto è vero e tutto è alterato. È soprattutto vero che, sul set, tra Maria e Pier Paolo nacque un amore tanto potente quanto impossibile da vivere, giacché il desiderio di normalità di lei non avrebbe mai potuto conciliarsi con la sessualità di lui, ideologicamente votato a non derogare dalla sua eretica e inesausta fame di corpi. Tuttavia, è proprio in questa impossibilità che si insinua l’alterazione di una favola intessuta di prodigi che hanno il sapore di continui colpi di scena. Visioni folgoranti e incessanti rivelazioni compongono, infatti, una trama al contempo tenebrosa e lucente, traversata da magnifici fantasmi, come quelli di Caravaggio, di Masaccio, del carismatico Roberto Longhi (l’unico che Pasolini abbia riconosciuto come suo Maestro), dell’eroe ceko Jan Palach e anche dell’uomo più ricco del mondo, Aristotele Onassis. Con la potenza di un sortilegio, il dipanarsi della trama condurrà i suoi protagonisti attraverso snodi cruciali delle loro esistenze sino al compiersi di un esito inimmaginabile.

Scrittore “corsaro”, poeta d’opposizione, cineasta suscitatore di “scandalo”, Pier Paolo Pasolini è stato un instancabile protagonista di polemiche e l’autore di folgoranti anticipazioni su fenomeni ancora all’ordine del giorno (la deriva capitalistica, l’omologazione culturale, il consumismo del superfluo, lo sviluppo senza progresso). A 100 anni dalla nascita e a 47 anni dalla morte, Pasolini è ancora a noi contemporaneo e costituisce un “caso” politico-culturale a cui si fa continuo riferimento. Eroe del nuovo ma attento ai valori del passato, rivoluzionario incline alla contraddizione, votato alla classicità ma pronto a sperimentare linguaggi anche inediti, portato allo spiazzamento e all’intempestività, con la sua opera sterminata e proteiforme (narrativa, poesia, cinema, teatro, saggistica) ha affrontato temi generali ed eterni come il destino dell’uomo, il mito della Natura e della Storia, il senso sacro della vita e della morte, facendone materia di confronto, sfida, spesso provocazione. La forza e l’inesauribile vitalità della sua voce sono il tema di "Tutto Pasolini", un volume che con il contributo di 50 saggisti, accademici e critici militanti italiani e francesi, presenta l’Opera Omnia dell’Autore, mettendone in evidenza la profondità e la straordinaria attualità. Come scrive Joubert-Laurencin nel suo saggio: «Pasolini non ha mai smesso di morire nell’ultimo mezzo secolo, eppure è nato e non ha mai smesso di vivere da un secolo, prima nella sua vita, poi nella sua eredità». "Tutto Pasolini", con la forma di un dizionario-laboratorio diviso per voci alfabetiche di facile e funzionale consultazione, raccoglie l’intera opera pasoliniana e un’ampia e aggiornata rappresentazione del pensiero critico sull’Autore. Dalla “A” di Accattone alla “C” di Censura, dalla “R” di Religione alla “S” di Sartre, nel volume si passa dalla narrativa alla poesia, dal cinema al teatro, dalle famose invettive pasoliniane pubblicate sul «Corriere della sera» alla proficua frequentazione di altre discipline (semiologia, strutturalismo, antropologia) e di arti come la pittura, la musica, la danza. Pensato non solo per un pubblico di specialisti, bensì immaginando un’auspicabile nuova generazione di lettori, "Tutto Pasolini" propone un’ampia scelta di testi che pur salvaguardando completezza e qualità assicurano un tono leggibile e volutamente non accademico. Completano il volume un ricco apparato iconografico, una biografia completa e una selezione di testi pasoliniani.

Eric Franklin – autorità internazionale nelle tecniche di visualizzazione mentale per l’allenamento di atleti e ballerini – ha sviluppato un metodo di allenamento applicato in compagnie e scuole di danza di tutto il mondo. In questa nuova edizione di Preparazione alla danza, l’Autore integra i risultati delle più recenti ricerche scientifiche su forza, flessibilità e allenamento agli esercizi specifici per la danza da lui ideati. Il manuale, diviso ora in due volumi, offre una vasta gamma di materiali inediti. Oltre 100 nuovi esercizi per allenare tutte le parti del corpo, utili ai danzatori di ogni genere, forma o stile di danza. Foto e disegni interamente a colori, con oltre 100 nuove illustrazioni per spiegare gli esercizi e la loro esecuzione. 1 nuovo capitolo per un programma di allenamento completo. Nuove risorse online che includono: 22 videoclip (in inglese) nei quali lo stesso Franklin mostra la corretta esecuzione degli esercizi indicati nel testo; 2 serie da 20 minuti di esercizi total body con le fasce elastiche, per incrementare forza e condizionamento per la danza; 1 programma di allenamento personalizzato, per fissare capitolo per capitolo gli obiettivi da raggiungere e monitorare i progressi fatti. "Preparazione alla danza" unisce visualizzazione, focalizzazione e allenamento per migliorare tecnica e prestazioni, mettendo sempre in atto un’attenta strategia di prevenzione degli infortuni. Gli esercizi condotti secondo i principi della cinestetica svilupperanno in qualunque danzatore una maggiore consapevolezza di ogni suo movimento, apportando benefici immediati a forza e flessibilità del corpo.

In qualunque produzione per il grande schermo o per la televisione - cortometraggio, film o serie tv - , le immagini devono supportare la narrazione, presentando ambientazioni coerenti, accompagnando le svolte della trama e sottolineando le caratteristiche dei personaggi. In altre parole, devono raccontare visivamente la storia, cioè costruire un efficace visual storytelling. L'innovativa opera di Jane Barnwell, di cui questo volume rappresenta il primo tomo (vedi il Piano dell'opera), descrive il lavoro dello scenografo quale professionista che non si limita a disegnare le scene ma più in generale mette a punto il complessivo design della produzione, studiando e scomponendo la sceneggiatura, concordando il concept visuale con regista e direttore della fotografia nonché sovrintendendo agli altri membri del reparto creativo (direttore artistico, truccatori, costumisti, arredatori, ecc.). Per illustrare l'argomento, l'autrice ricorre all'analisi di cinque categorie specifiche: 1. Spazio - 2. Interno ed esterno: limiti e transizioni - 3. Luce - 4. Colore - 5. Arredamento del set, ed esamina ciascuno di essi con l'ausilio iconografico di fotogrammi, disegni e bozzetti di pre-produzione, istantanee di set e dietro-le-quinte. Le interviste esclusive con scenografi di fama internazionale offrono lo spunto per approfondire accanto alla teoria scenografica anche la pratica quotidiana sui set (location o teatri di posa), con esempi tratti da importanti produzioni come "The Legend of Tarzan" e "Minority Report", ai quali si aggiungono decine di altri titoli esaminati nel corso della trattazione. Ogni capitolo, infine, è concluso da appositi esercizi che accompagnano il lettore attraverso l'intero processo ideativo. Utile per qualunque appassionato di cinema e per gli studenti, i cineasti, gli scenografi e gli altri "creativi" dell'immagine in movimento.

Per celebrare uno dei più talentuosi registi viventi, è stato necessario fare appello a un insieme di 27 ricercatori e ricercatrici: una polifonia di spiriti liberi, psicanalisti, storici, scrittori e, naturalmente, critici cinematografici. Concepito per far rivivere il piacere di tutta la sua opera, questo libro propone un'analisi, allo stesso tempo tematica e film per film, di 23 lungometraggi e di circa una quindicina di corti. E possibile così viaggiare, grazie a prospettive diverse, attraverso lo stile e gli universi di Roman Polanski, che gli assicurano un posto d'onore nella storia del cinema mondiale. Un vasto e originale inserto fotografico, curato da Enrico Giacovelli, include disegni e immagini inedite tratte dai suoi storyboard, oltre a fotogrammi da tutti i suoi film. Alcuni dei quali come L'inquilino del terzo piano, Chinatown, Tess ma soprattutto Rosemary's Baby sono diventati letteralmente degli archetipi. Come afferma Malgosia Abramowska, sua assistente personale da Il pianista in poi, intervistata per questo volume da Alexandre Vuillaume-Tylski «Roman Polanski è un direttore d'orchestra che sa suonare tutti gli strumenti». Emerge allora il ritratto di un perfezionista, con un gran senso dell'umorismo e pieno di attenzioni, lontano milioni di chilometri dall'immagine sulfurea che i media e qualche critico hanno tratteggiato per decenni. Per Roman Polanski, come scrive qui Michel Ciment, «il principe di Danimarca è sicuramente Amleto. Ha indubbiamente trovato nella cultura britannica quel dialogo tra tradizione e innovazione che gli è caro».

Tratto da "Un anno sull'Altipiano", diario di guerra di Emilio Lussu, "Uomini contro" è un film non genericamente pacifista, bensì radicalmente antimilitarista, che poteva nascere soltanto nella stagione del Sessantotto, quando si espressero la libertà e il coraggio di mettere in discussione i miti pazientemente inculcati da fascismi vari e finte democrazie. Per la prima volta vi si svela in modo inequivocabile la natura vera della Grande Guerra e di tutte le guerre: non uomini di una nazione contro uomini di un'altra, ma classi dirigenti contro classi subalterne, ricchi contro poveri. E la forza del film sta nel fatto che la violenza insensata non è un prodotto della pazzia degli uomini ma della logica del militarismo. A distanza di cinquant'anni dall'uscita del film (1970), questo libro ne analizza la genesi e le motivazioni, ne racconta i problemi finanziari e di censura, ne descrive le sequenze principali confrontandole con il testo di Lussu, ne mostra il messaggio di straordinaria universalità.

Lillo: «questa biografia non è assolutamente autorizzata!! non c’è la benché minima chiarezza sulle fonti! Greg non è in grado di fornirmi testimonianze attendibili; tutti i fatti vengono elencati e raccontati con una precisione inspiegabile! Io stesso non ho memoria di certi eventi. Come può essere pubblicata una biografia così!?! Sono pronto a bloccare l’uscita del libro e ad andare per vie legali!». Greg: «Non posso che stigmatizzare sia questa presunta biografia, sia quel pennivendolo del suo sedicente autore! Un’accozzaglia di corbellerie, senza fonti dichiarate né plausibili, che non trovano fondamento nella mia memoria né, tantomeno, nella credibilità degli accadimenti, per chi conosca minimamente la mia storia o il mio passato. Diffido di questo sedicente biografo, emerito sconosciuto, il cui nome suona così artefatto da renderne palese l’inesistenza. Per la mia tutela, mi trovo costretto a incaricare della questione i miei avvocati!».

Ironico e audace, amante del lusso e delle belle donne, il celebre ladro gentiluomo creato dallo scrittore Maurice Leblanc nel 1905 ha l'incorreggibile tendenza a ritrovarsi in situazioni pericolose, alle quali spesso riesce a sottrarsi solo grazie all'astuzia e alla perspicacia sviluppate nel corso della sua lunga carriera criminale. Ebbene, è a queste stesse abilità mentali che i lettori dovranno fare ricorso per risolvere i 200 enigmi e rompicapi di questo volume, che si ispirano alle avventure dei tanti romanzi di Leblanc, rievocando accanto all'indiscusso protagonista Lupin anche altri personaggi della saga letteraria, come l'ispettore francese Ganimard e il detective inglese Herlock Sholmes. In 200 piccole sfide all'ingegno ambientate nelle soffuse atmosfere della Belle Époque, Il grande libro degli enigmi di Arsenio Lupin offre ai lettori un'inedita e quanto mai intrigante versione "enigmistica" del ladro gentiluomo per antonomasia. Buon divertimento!

Per la prima volta, la storia di una delle rock band più famose di tutti i tempi viene raccontata con testi e centinaia di immagini inedite da uno dei suoi membri: il co-fondatore, compositore e chitarrista Brian May. Un lungo racconto che a partire dagli anni Settanta ripercorre la travolgente affermazione internazionale del gruppo e approda alle sue più recenti performance insieme al cantante Adam Lambert, spingendosi fino sul set di Bohemian Rhapsody, il celeberrimo biopic vincitore di quattro premi Oscar. Ricordi, aneddoti e dietro le quinte sono rievocati in prima persona da May («Non esiste un ghost writer per questo libro. Sono solo io») e accompagnati da un ricchissimo e quanto mai originale corredo fotografico. Da sempre, infatti, May è un appassionato di fotografia stereoscopica, speciale tecnica di realizzazione e visione delle immagini capace di trasmettere un’illusione di tridimensionalità. Ebbene, Queen in 3D raccoglie oltre 300 foto stereoscopiche dei Queen scattate dallo stesso autore durante i momenti più vari della loro cinquantennale carriera, e in più, regala ai lettori uno speciale visore stereoscopico progettato appositamente da May. Inquadrando secondo le istruzioni ogni stereocoppia fotografica del volume, i lettori la vedranno animarsi in un emozionante effetto 3D e avranno l’impressione di stare proprio lì, insieme a Freddie Mercury e al resto del gruppo: sotto i riflettori dei loro grandiosi concerti e nei backstage, insieme ai fan, nelle camere d’albergo durante i tour in giro per il mondo, in sala di registrazione, persino in vacanza. Queen in 3D racconta come nessun altro aveva mai fatto prima l’avventura di una delle band più influenti e amate nella storia della musica: per milioni di appassionati ai quattro angoli del globo, l’unica vera “regina” che il rock abbia mai avuto.

Sommo poeta, ma anche straordinario sceneggiatore ante litteram, Dante Alighieri ha intrigato e ispirato il cinema fin dalle origini, con l’obiettivo – o forse dovremmo dire il sogno – di dare vita anche attraverso le immagini in movimento alle sue potenti visioni, ai drammi di cui è intessuta la Divina Commedia (in special modo l’Inferno), all’intensità psicologica ed emotiva dei tanti personaggi che ha reso immortali. Un’impresa affascinante e al tempo stesso titanica, che è riuscita solo in parte: ancora oggi la realizzazione di un film sull’universo poetico dantesco rappresenta una delle sfide più aperte ed emozionanti per produttori, registi e attori di tutto il mondo. In questa monografia l’autore, docente di letteratura e storico del cinema, ripercorre la parabola del filone dantesco nel cinema mondiale lungo le coordinate temporali (dal muto al sonoro) e geografiche, dal cinema americano delle origini a quello italiano, dalla Francia alla Germania, fino a Hollywood, contestualizzando i singoli film (molti dei quali perduti) secondo la ricezione culturale dell’opera di Dante e l’evoluzione artistica e tecnica del cinema, organizzando i documenti finora disponibili e offrendo ai lettori informazioni inedite e preziose. Particolare rilievo viene dato alle riduzioni cinematografiche dell’Inferno e ai numerosi titoli ispirati alle straordinarie figure femminili che Dante ha eletto a protagoniste di ciascuna delle tre cantiche della Divina Commedia. Un viaggio emozionante e ancora in progress, che incrocia anche i tanti film sognati, da Pasolini e da Fellini ma non soltanto, così come i tentativi di imitazione, le parodie, i progetti continuamente annunciati e mancati ancora oggi, nel settecentesimo anniversario della scomparsa di Dante.