Mandragora

Più liberi ma soli, o più soli ma liberi? Antonio Brizzolari è stato una singolare figura di artista che, rimasto nell’ombra per decenni, non ha mai interrotto una pratica artistica con la quale è possibile identificare la sua stessa vita. Studente promettente dell’Istituto d’Arte di Porta Romana e poi giovane talento del panorama artistico fiorentino negli anni sessanta, quindi insegnante di Disegno e Storia dell’arte in diversi istituti della città, sarà costretto al ricovero presso strutture protette a causa dell’acutizzarsi dei disturbi psichici da cui era tormentato da tempo. Solo oggi, grazie alla determinazione del fratello Giuseppe e della curatrice Elena Bottinelli, si è riusciti a ricomporre una parte sostanziosa, circa 150 opere, del corpo che l’artista ha sparso lungo la sua travagliata vicenda, facendo emergere un’identità artistica che richiama alla mente i vortici cromatici di Van Gogh, l’allucinata visionarietà espressionista, la sensibilità al colore dei CO.BR.A. e della Transavanguardia, ma che mantiene tuttavia una identità precisa riscontrabile nella ricorrenza di alcuni temi (le astronavi, l’assassino, il grido), nella qualità materica della superficie pittorica, nella varietà dei supporti utilizzati. Una personalità di cui ci viene trasmessa un’immagine viva e ricca di poesia grazie al commosso contributo di Antonio Natali e al racconto di Elena Bottinelli, che fotografa l’artista nella sua eterna condizione di outsider.

Con il catalogo Divine Creature si completa e conclude l’ambizioso progetto che coniuga pittura, fotografia e disabilità, nato da un’idea di Adamo Antonacci, prodotto da Stranemani International e ospitato al Museo dell’Opera del Duomo di Firenze. Partendo infatti da una selezione di dieci celebri opere d’arte sacra che illustrano la vicenda umana di Cristo – dall’Incarnazione nel grembo virginale di Maria fino alla cena in Emmaus, Antonacci ha concepito la messa in scena di altrettanti tableaux vivants interpretati da ragazzi diversamente abili. Questi quadri viventi, realizzati con un’attenzione particolare ai singoli attori e alle loro specifiche esigenze, sono stati immortalati con sapiente maestria dall’obiettivo del fotografo e postproduttore Leonardo Baldini per essere poi affiancati al modello, in uno straordinario accostamento dove a fatica si distinguono originale e “copia”. Accompagna il lettore nella disamina tecnica, biblica e soprattutto umana della mostra un saggio di Antonio Natali che non manca di sottolinearne l’unicità e la straordinaria ricerca d’uguaglianza: «Esposizione di rara bellezza. Non solo perché son belle le foto, ma anche perché bella è l’invenzione». Completa il testo un saggio di Andrea Mannucci dedicato alla storia del corpo nel cammino della diversità: un excursus che ripercorre il concetto di “normale e diverso” partendo dall’antico Egitto fino alla recente istituzione delle Paralimpiadi.

"Vasari. Il Teatro delle Virtù" è un invito a seguire l’intricato percorso di decifrazione dell’opera del colto ed eclettico maestro aretino. Fra le celebrazioni che ricorrono quest’anno in suo onore, il progetto espositivo – dislocato in due prestigiose sedi nel cuore di Arezzo e declinato in otto sezioni tematiche – e il catalogo che lo accompagna si stagliano, infatti, in un nuovo filone interpretativo, volto a riesaminarne i complessi apparati visuali e allegorici. Per molto tempo, le sottilissime citazioni e la carica simbolica che permeano le creazioni vasariane sono state percepite come un appesantimento erudito, dettato più da intenti celebrativi della committenza che da significati reconditi e pregnanti. Oggi, invece, critici e storici dell’arte hanno riportato alla luce i “mondi” sia visibili che invisibili di Vasari. All’interno di questi “mondi” le Virtù – da qui il titolo – sono protagoniste, nonché uno dei concetti cardine. Virtù intese sia come valori che guidavano la condotta personale dell’artista, sia come principi ispiratori della sua arte. Grazie al mirabile lavoro del comitato scientifico – che ha selezionato e reperito in Italia e all’estero quadri, oggetti d’arte, disegni, documenti e pubblicazioni rare – i fruitori e i lettori vengono introdotti nell’universo parallelo che sta dentro e al di là di Giorgio Vasari e che, seppur distante, è vicino alle realtà virtuali della società odierna.

La vigorosa scultura, di qualità molto elevata, rappresenta un volto maschile con barba incolta e capelli folti e scarmigliati, che ride in maniera beffarda. La fisionomia sgraziata e l’espressione caricata rimandano ai tratti di un fauno, divinità italica con aspetto semiferino che vive nei boschi. La scultura appare come una sorta di opera sperimentale frutto di elaborazioni variate, ripensamenti, aggiustamenti, dove tutti gli indizi sembrano rimandare alla celebre scultura che Michelangelo Buonarroti realizzò nei primi anni della sua frequentazione del giardino delle sculture in piazza San Marco intorno al 1490-1492, a seguito della quale Lorenzo il Magnifico lo accolse nella propria dimora. Quella del fauno scolpito dal Buonarroti è una vicenda che ha conosciuto grande fortuna figurativa nel corso dei secoli, la cui dispersione ha da sempre affascinato e messo in difficoltà la critica. Il volume, attraverso i numerosi confronti con l’opera michelangiolesca, giacché la testa di fauno presenta tratti stilistici e motivi che ritornano più volte nel corpus del maestro, rappresenta uno stimolo suggestivo per approfondire l’opera giovanile di Michelangelo.

Il volume è consacrato alla smagliante tavola con l’Adorazione dei Magi di FineArt by Di Mano in Mano. L’autore ne argomenta con efficacia l’attribuzione al pittore fiammingo Cesare Smet, attraverso il confronto con il catalogo noto dell’artista, incaricato della commissione dalla nobile Giulia Correale nel 1599. Ma non solo. Attraverso il quadro ricostruito dall’autore in queste pagine, l’opera è ora – finalmente e in modo nitido – collocata nel suo contesto d’origine, quello della Napoli di fine Cinquecento e della colonia fiamminga presente in città, assumendo così la sua corretta posizione nella catena dei dipinti di analogo soggetto – le cosiddette Epifanie meridionali – realizzati dai maestri ponentini nel centro-sud Italia.

Padre Andrew, artista e sacerdote dell’arcidiocesi di New York, racconta le sue impressioni durante un ritiro itinerante in Toscana alcuni anni fa, sotto la guida di Timothy Verdon un prete che è anche storico dell’arte. La speranza di Timothy Verdon era di aiutare gli ascoltatori ad aprirsi alla bellezza spirituale ed estetica degli edifici, delle sculture e dei dipinti visti insieme, e il libro di padre Andrew indica che qualcosa di questo tipo è accaduto, almeno nel suo caso. Tuscan Résumé è un lavoro ‘ispirato’ dallo stesso Spirito che ha toccato gli architetti e gli artisti, i cui capolavori padre Andrea descrive.

Milano è uno scrigno di tesori e curiosità da scoprire. Questo percorso pensato a misura di bambino propone un viaggio attraverso le principali bellezze della città in modo da unire il piacere degli adulti per l’arte e l’architettura del luogo al divertimento dei bambini nella scoperta di storie, simboli, leggende. Scritto in modo semplice e chiaro, tracciando un possibile itinerario di visita lungo le strade del centro cittadino, il volumetto propone brevi investigazioni e suggerisce uno sguardo giocoso sui musei e le opere in modo da aiutare i più piccoli a osservare con entusiasmo e interesse luoghi di straordinario valore come il Castello Sforzesco, la Basilica di Sant’Ambrogio, il teatro alla Scala, i navigli. Come nel caso degli altri volumi della collana dedicati a Firenze, Venezia, Roma, Siena, anche in questo libro il disegno si abbina alla fotografia; è stato pensato per i più piccoli, perché anche loro abbiano la possibilità di apprezzare una delle maggiori città italiane da un punto di vista che non sia sempre e soltanto quello degli adulti. Età di lettura: da 6 anni.

Milano è uno scrigno di tesori e curiosità da scoprire. Questo percorso pensato a misura di bambino propone un viaggio attraverso le principali bellezze della città in modo da unire il piacere degli adulti per l’arte e l’architettura del luogo al divertimento dei bambini nella scoperta di storie, simboli, leggende. Scritto in modo semplice e chiaro, tracciando un possibile itinerario di visita lungo le strade del centro cittadino, il volumetto propone brevi investigazioni e suggerisce uno sguardo giocoso sui musei e le opere in modo da aiutare i più piccoli a osservare con entusiasmo e interesse luoghi di straordinario valore come il Castello Sforzesco, la Basilica di Sant’Ambrogio, il teatro alla Scala, i navigli. Come nel caso degli altri volumi della collana dedicati a Firenze, Venezia, Roma, Siena, anche in questo libro il disegno si abbina alla fotografia; è stato pensato per i più piccoli, perché anche loro abbiano la possibilità di apprezzare una delle maggiori città italiane da un punto di vista che non sia sempre e soltanto quello degli adulti. Età di lettura: da 6 anni.

"La fiorentina fashion, style e luoghi cult di Firenze" è la prima guida di Firenze non turistica, un itinerario dettagliatamente ed elegantemente illustrato tra i suoi aspetti più cool. L’autrice Martina Olivia Bondi è una fiorentina doc che ci porta a scoprire i tratti caratteristici della “fiorentinità”, la sua anima ricercata, tradizionale ma anche al passo con i tempi. Dopo vari lavori in ambito creativo, ha deciso di far confluire la sua esperienza da blogger, la passione per la moda e il buon cibo che le hanno tramandato i suoi genitori in questo libro. Seguendola passo passo, scopriamo chi è la fiorentina per antonomasia, cosa le piace, come si veste per le varie occasioni, come arreda la casa, come celebra le festività e molto altro. Il libro diventa poi un percorso tra le botteghe artigiane, i negozi storici e quelli di abbigliamento. Uno spazio è dedicato anche alle librerie e ai negozi d’arredamento più interessanti. Non mancano i fioristi e i luoghi dove portare i bambini a fare acquisti e a trascorrere il tempo libero, così come gli amici a quattro zampe, a cui è dedicata una dettagliata sezione. Arte, cultura, artigianato, ma anche cura estetica della persona. Particolare attenzione viene data alla ristorazione con qualche ricetta da provare. Non mancano i consigli su dove fare la spesa e, per chi non è di Firenze, i suggerimenti sugli hotel più esclusivi. Musei rigorosamente non convenzionali e luoghi particolari per occasioni speciali, anche fuoriporta. Grazie alle foto e alle raffinate illustrazioni, è un libro da non perdere per chi vuole conoscere Firenze dall’interno e sentirsi parte integrante della sua atmosfera.

Il volume dà conto della giornata di studio che si è tenuta a conclusione della mostra “Meraviglia senza tempo” allestita presso la Galleria Borghese (25 ottobre 2022-29 gennaio 2023) e ideata a partire dalla collezione del museo. In questo contesto, i materiali, la loro ricerca, la loro lavorazione, le interazioni tra i vari artigiani responsabili dei supporti pittorici e delle cornici sono stati oggetto di vari studi e di questi saggi. L’uso pittorico della pietra, così frequente nelle architetture romane dal tardo Cinquecento, è stato esaminato in relazione alla sfarzosa cappella Paolina di Santa Maria Maggiore, edificata per volontà di Paolo V. Inoltre, si è indagata l’origine della pittura su pietra che non può più essere datata intorno al 1530, come spesso si è sostenuto, ma a prima del Sacco di Roma del 1527, forse già nel 1522, quando Sebastiano del Piombo aveva previsto di dipingere la pala d’altare della cappella Chigi a Santa Maria del Popolo su conci di peperino. Se pochissimi pittori si specializzarono in questo genere artistico, molti lo praticarono in modo occasionale; la disponibilità locale di certe pietre e la specializzazione di alcuni artigiani nel lavorarle hanno significativamente condizionato le loro scelte. Negli anni venti in area veneta la passione per i supporti lapidei andò tramontando; nella Roma barberiniana invece la produzione di dipinti su pietra per una clientela raffinata passò nelle mani di gioiellieri che lavoravano lapislazzuli e ametiste, mentre l’alabastro fu destinato a un collezionismo minore. In questo infinito gioco offerto dalle pietre è difficile sottrarsi al loro fascino: per Roger Caillois sono segnali di una “bellezza primigenia, più vasta di quella intuibile dall’uomo”. Alchimia, magia, fede e scienza ci aiutano a penetrare nel loro mondo e a svelare i sottili intrecci tra natura e arte, tra sustrato e soggetto rappresentato.

La Galleria dell’Accademia di Firenze, che di recente è stata oggetto di importanti interventi di ammodernamento, raccoglie in questa pubblicazione tutti i dipinti di attribuzione certa e anonimi, ma anche altre classi di manufatti per un totale di 270 esemplari. Il repertorio si presenta strutturato in ordine alfabetico, secondo una disposizione che lo rende facilmente fruibile e godibile: a ogni pittore, infatti, è dedicata una scheda di approfondimento biografico, seguita dall’opera – o dal corpus – presente in Museo che viene accompagnata da un puntuale approfondimento cronologico e tecnico, da una breve spiegazione e dall’immagine in altissima qualità. Introduce il volume un ricco saggio del direttore della Galleria, Cecilie Hollberg.