Manfredi Edizioni

"Il premio Michetti giunge quest’anno alla sua settantesima edizione. A parte pochissimi anni di interruzione, il Premio continua a promuovere l’arte in Italia dal 1947: un investimento sul futuro, fatto allora, difficile da dimenticare per il carattere di sfida e quindi di ottimismo che conteneva in sé. Opportuno mi pare richiamare tale 'scommessa'F(1851-1929) e la Fondazione a lui intestata sta progettando di ricordarlo adeguatamente. Il comitato tecnico della Fondazione Michetti, che è stato convocato nel mese di ottobre 2018, ha affidato a due suoi stessi membri la curatela del premio 2019: alla dott.ssa Anna Imponente, direttrice del Polo museale campano, e al prof. Claudio Cerritelli, docente di storia dell’arte presso l’Accademia di Belle Arti di Brera. Personalmente sono stato molto lieto di questa scelta rispondente a una piena ed efficace collaborazione."

"Visitare la mostra di Diego Cerero Molina è come imbarcarsi in una bizzarra avventura in cui si incontreranno molti personaggi insoliti. Questo viaggio ci porterà in un mondo senza senso, proprio come quando Alice cadde nella tana del coniglio e si ritrovò nel Paese delle Meraviglie. Tuttavia, anche se l’aspetto del Gatto del Cheshire lo rende il personaggio più surreale nella storia di Alice, c’è sicuramente molta logica nelle sue affermazioni. Quello che rende le cose intriganti è la dinamica dell’assurdo quando si osserva che “siamo tutti matti qui”. La follia è un dato di fatto nel Paese delle Meraviglie e il Gatto del Cheshire ci ricorda che spesso razionalizziamo le cose che facciamo, inventando scuse per il nostro comportamento esagerato per farlo sembrare normale. Ma non importa quali scuse inventiamo, molto di ciò che facciamo è semplicemente folle. Quindi, per apprezzare appieno questa avventura concepita come una mostra fuori dal comune, forse dobbiamo essere un po’ pazzi e disposti a seguire un coniglio parlante dentro la sua tana, proprio come Alice. La mostra Figuras vuole demistificare il ritratto tradizionale, attraverso elementi come il grottesco e la parodia."

"L’Accademia di Belle Arti di Roma è particolarmente orgogliosa di supportare un’iniziativa progettata e realizzata dagli studenti delle Consulte di Accademie di Belle Arti e ISIA, ospitata per cortese concessione dell’Istituto Nazionale di Archeologia e Storia dell’Arte, nella porzione di Palazzo Venezia destinata alla didattica delle discipline storico artistiche. La mostra presenza, oltre a testimoniare della piena maturità artistica raggiunta dai suoi protagonisti, si colloca nel novero di quelle iniziative degne di essere ricordate nel travagliato processo di attuazione di una Riforma del sistema dell’Alta Formazione Artistica, Musicale e Coreutica."

"Quando cammini per le strade di Istanbul sei avvolto da una travolgente sensazione di vivacità trasmessa dal patrimonio culturale, spirituale e politico cosmopolita della città. Per secoli la posizione unica e strategica di Istanbul al crocevia di continenti e civiltà è stata una fonte ricca di idee, credenze, scambi commerciali, trasporti e creazioni. La scelta di una mostra dedicata alla città di Istanbul in una galleria d’arte romana non è stata casuale. L’antica città di Costantino veniva anche chiamata “Nuova Roma” per la sua somiglianza con la grande città dell’Occidente. Non c’è da meravigliarsi che Istanbul e Roma siano pensate come città gemelle. Entrambe si estendono su sette colline con l’insediamento della vecchia Istanbul, confinata fra il Mar di Marmara e il Corno d’Oro, mentre Roma è prosperata su entrambi i lati del fiume Tevere."

«Fuoricentro dà immediatamente l’idea di “oltre”, di “altro”, al di là della periferia e della marginalità. Fuori dal centro riconosciuto e spesso, proprio per questo, superato, in funzione di un altro centro. Ed è in corrispondenza di tale – nuovo – centro che abbiamo voluto denominare in questo modo la presente collana di poesia e scrittura poetica, in parte nel recupero di quella “marginalità del periferico”, esaltata da Pasolini e ormai superata dalla decentrificazione urbana contemporanea e dalla globalizzazione mondiale. Nel Fuoricentro quindi di una nuova centralità, la parola poetica di Giampiero Cassarà acquisisce una sua prorompente fisicità e specificità. Una sua struttura immaginaria e visiva che inesorabilmente trascina, volenti o nolenti, dentro le sue Notti d’Alba. Notti che non significano una notte che non vedrà mai l’alba, come impone la scrittura di Céline. Notti che invece aspirano alla rinascita, data da un viaggio profondo nella notte stessa. Quella più viva e creativa di chi ha una grande speranza e una profonda fiducia nella forza rinnovatrice dell’animo umano.»

"Nel quadro della ricca produzione artistica contemporanea siciliana Croce Taravella, artista madonita originario di Polizzi Generosa, riveste un ruolo primario per la sua felice e ricca produzione ma soprattutto per il forte carattere identitario che traspare dalle sue apparentemente eteree immagini di paesaggi urbani vissuti ed analizzati in una prospettiva geometrica quasi surrealista. Tra i suoi meriti non possiamo sottacere quello di aver portato in alto la Sicilia con le sue prestigiose mostre europee ed extraeuropee. La mostra “Cronotipi” realizzata dal Riso, Museo d’Arte Contemporanea della Sicilia, sottolinea l’importante ruolo regionale del Museo catalizzatore delle iniziative del settore contemporaneo puntando l’attenzione su uno degli autori di maggior rilievo dei nostri tempi. Questa importante iniziativa culturale s’inquadra perfettamente nell’azione di tutela, conservazione, conoscenza, valorizzazione del patrimonio culturale e dei valori identitari che l’Assessorato dei Beni Culturali e Identità Siciliana promuove attraverso le attività dei suoi istituti."

"Quindi la mostra “Celeste” che abbiamo realizzato nella Galleria d’Arte Moderna non è altro che il proseguimento di questa sua ricerca su un colore così tanto amato, il celeste, una tonalità che richiama la dimensione serena del cielo, con sculture in bronzo e materiali vari che ci ricordano il mondo animale e vegetale attraverso dipinti, sculture, installazioni, disegni, ombre e curiose carte delle costellazioni. Un’altra cosa che mi sembra importante di questa mostra è che ha circuitato, cioè non si è esaurita con la pur bella sede di Cento. Le sue opere e con lui la sua città d’origine, sono state poi l’oggetto di altre mostre, tutte in luoghi magnifici, come l’Arsenale di Amalfi, la chiesa di Saint-Jacques e il Cimitero Sud di Tournai e infine la Galleria Paolo Tonin Arte Contemporanea di Torino."

"L'artista non ci offre una forma definitiva ma il generarsi della forma, che è poi il senso di questo contemplare il passato: l’opera non è morta, l’opera è viva, è feconda e il suo splendore attraversa i secoli e continua a illuminare gli uomini e il tempo. Uno splendore che si fa abbagliante in un’icona come l’Ultima Cena di Leonardo. A lei Puglisi ha voluto dedicare Il Grande Sacrificio, l’opera più imponente da lui realizzata. Scrive il poeta Davide Rondoni: «Il Grande Sacrificio nasce come doppia sfida. Perché dialoga con un capolavoro, e soprattutto perché da lì muove, sfidando ogni oscurità possibile – quella della vanità del sacrificio, come quella della vanità del tutto, compresa l’arte intera – per far emergere poco più di un segno, poco meno di un disegno o rilievo. Insomma, quasi balbettando da un nuovo sempre più estremo inizio»."

Tra i 12 progetti di Passione, un grande progetto che il Mart Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto dedica alla collezione della Fondazione VAF, spicca la prima tappa del prestigioso Premio VAF assegnato dalla Fondazione tedesca ad artisti italiani under 40. I partecipanti sono Nico Angiuli, Davide Balossi, Tania Brassesco & Lazlo Passi Norberto, Giulia Berra, Martina Brugnara, Nina Carini, Federica di Carlo, Andrea Fontanari, Giovanni Gasparro, Silvia Giambrone, Emanuele Giuffrida, J&Peg, Dario Maglionico, Domenico Antonio Mancini, Michele Parisi, Susanna Pozzoli. Durante l’estate il Premio sarà presentato in Germania, presso la Stadtgalerie Kiel.

Al contempo la domanda che dovrebbe sorgere è: il rilascio di un certificato di autentica è fine a sé stesso, o tutt'al più, destinato al mercato, o è invece un ulteriore strumento di ricerca e di crescita per il patrimonio di conoscenze di un archivio? E, allora, questa stessa conoscenza non meriterebbe di essere condivisa con una platea di collezionisti o studiosi dell’artista? Ecco perché da tanti anni lavoro per far affermare la tesi che gli archivi dovrebbero essere obbligati per legge a dare periodicamente alle stampe un repertorio di opere autenticate nel medesimo arco temporale. Ed ecco perché l’archivio dell’opera di Duilio Cambellotti sta lavorando con coerenza alla vastissima produzione dell'artista, per una catalogazione finalizzata alla nascita, ormai prossima all'edizione, del primo volume del Catalogo generale dedicato all'artista. Ciò comporta un grande impegno nel tempo, nelle risorse e, ahimè, preoccupazioni: un sacrificio ripagato dal perseguire l’obbiettivo di onorare un grande artista.

"Non so se è il sole nero degli alchimisti o la luce scura degli gnostici, e in realtà non me ne curo e non lo chiedo a Puglisi, ma so che, invece, quel nero mi cattura e quasi mi acceca, come il più vivido e brillante dei colori. E per questo mi affascina, come mi affascinano gli ossimori. Questa parola a me così cara, ossimoro, è una parola italiana dal greco oksýmōron, formato da oksýs «acuto» e mōrós «stolto, folle». A me è sempre sembrata una sorta di magia: il termine che definisce l'ossimoro è esso stesso un ossimoro. Il folle acuto, lo stolto fine. La pittura di Lorenzo Puglisi è insomma, secondo me, un po' così. È fatta di contrasti, di memoria presente, di amore per l'arte, di lunghe attese e gesti veloci, di pazienza ed ostinazione. È, se mai è possibile definire un'arte visiva con termini usi alla letteratura, una pittura ossimoro. E, forse, bisogna essere un folle acuto per vederla così. Non ne scrivo più. Attendo di poter vedere il prossimo quadro di Lorenzo. Meglio un silenzio eloquente".

“Santini, P. C…. Saroni, Sergio”. Scorrendo l’indice dei nomi in moltissimi manuali e saggi d’arte contemporanea, questa è la situazione che mediamente si incontra: non c’è il nome di Margherita Sarfatti. La prima donna al mondo ad affermarsi strutturalmente nel ruolo di critica d’arte, la teorizzatrice di una linea identitaria per l’arte italiana, l’ideatrice di un movimento oggi rivalutato come il Novecento Italiano, la promotrice del contemporaneo italiano sulla scena internazionale con decine di mostre in importanti capitali europee e americane, è stata per decenni rimossa dalla memoria e dalla storiografia. Perché? Sulla sua figura ha pesato la storia personale, una lunga relazione intellettuale e poi amorosa con Benito Mussolini, la colposa imperdonabile condivisione di pagine tragiche del fascismo, che poi peraltro – lei di origini ebraiche – la costringerà all’esilio sudamericano. Responsabilità pesanti, ma che non giustificano l’acritica ed aprioristica damnatio memoriae che ha colpito la Sarfatti – e molti degli artisti da lei sostenuti – fino ad anni molto recenti. Riflessioni che sono alla base di questo pamphlet biografico: che appoggiandosi a testimonianze e a documenti spesso inediti, tenta di restituire la giusta dimensione ad una studiosa che quando giunge al fatidico incontro con l’uomo che ne segnerà i destini, ha già costruita la sua solida identità di giornalista, scrittrice, teorica e critica d’arte, animatrice – con il suo salotto – della vita culturale prima di Milano poi di Roma.