Vanillaedizioni

Catalogo della prima edizione di Connexxion. Festival Diffuso di Arte Contemporanea, dal titolo Riconnettersi a partire dalla città, a cura di Livia Savorelli, tenutosi a Savona – nell’ambito di Arteam Cup 2022 – dal 25 novembre 2022 al 7 gennaio 2023. Dodici artisti – Andrea Bianconi, Eleonora Chiesa, Vanni Cuoghi, Giovanni Gaggia, Loredana Galante, L’orMa, Ilaria Margutti, Camilla Marinoni, Vincenzo Marsiglia, Alice Padovani, Francesca Romana Pinzari e Mona Lisa Tina – hanno invaso la città con performance, installazioni, laboratori, talk, mostre. Le loro storie e ricerche si sono così intessute con quelle del luogo, dando vita a nuove narrazioni e percorsi di senso e, nel collegare passato e presente in vista di nuove prospettive future, hanno contribuito alla definizione di un nuovo paesaggio urbano, fondato sulla rilettura del patrimonio storico ed artistico della città.

Catalogo della XV edizione del concorso d’arte contemporanea Premio Nocivelli con le opere dei vincitori e degli artisti finalisti. “Nella XV edizione del premio Nocivelli duecentosettantasei artisti si sono esposti per essere valutati. Tutto parte da qui, da persone che pensano a questo concorso come un’opportunità utile nelle varie accezioni che questa parola possiede. Gli artisti sono un movimento, condannati al desiderio di creare cose, con la fede che il risultato abbia un senso per sé e possa averlo per gli altri. Per fare questo serve studio, tentativi, qualche fallimento, dedizione, ostinazione, radicalità e in mezzo a mille altre attitudini è fondamentale trovare occasioni ed esporsi”. (Francesco Pedrini) I vincitori del Premio Nocivelli 2023 sono: Luca Brama, Cocis Ferrari, Martina Mura, Roberto Picchi Natasha Rivellini, Tommaso Silvestroni e Agata Treccani.

Libro d'artista realizzato nell'ambito di Premio Nocivelli. «La selezione faunistica che viene presentata in questo volume è appartenente alla specie denominata Homo sapiens sapiens, secondo i dati in mio possesso. Presento una selezione di animali che ho potuto osservare, allo stato brado, all'interno del loro habitat nell'arco degli ultimi anni della mia carriera come osservatore faunistico. Riporto una descrizione di comportamenti, abitudini e caratteristiche che li contraddistinguono e che permettono di crearne un profilo». Andrea Pelizzaro «[...] Come ogni uomo di relazione anche Andrea è attratto dagli altri esseri viventi la cui identità è garantita dall'accostamento del nome col volto che sembra emergere dalle profondità dell'inconscio. Lo sfondo oscuro, senza riferimenti spaziali, diviene la dimensione ideale della mente alle prese con l'elaborazione pittorica e il racconto che delineano i tratti marginali quanto essenziali della vita di ciascuno di noi». Daniele Astrologo Abadal

«Nella sua ultima produzione Giò di Busca (Milano, 1959) mette in scena opere completamente d’oro, colore oro e foglia d’oro. Si tratta di un ciclo di opere materiche (Lave d’oro), nelle quali le pennellate si sovrappongono, creando spazi fantastici tra i quali appaiono, a volte, altre cromie come il verde, il rosso e il nero, o le pietre dure che sembrano nascere da questa materia magmatica, vissuta, la cui ispirazione nasce dai paliotti d’altare della Chiesa della Salute a Venezia. […] I suoi ultimi lavori, gli ori, appunto, ci parlano di un’arte “immateriale”, per usare un’espressione di Yves Klein, di una spiritualità che trascende la volontà dell’artista, e che cerca di interpretare quello spazio vuoto, quello iato tra materia e pensiero, quello stesso vuoto che non si può riempire solo con la ragione». (dal testo "Giò di Busca. Lave d’oro – Labirinti di emozioni" di Vittoria Coen)

“Mario Porcù (Villamassargia, CA, 1917 – Savona, 2001), pur lontano dal suo paese natale, la Sardegna, non dimenticò mai le sue radici. Nell’intera produzione dell’artista, è infatti possibile rintracciare elementi derivanti dalla natura e dalle tradizioni popolari sarde. Gli usi e le abitudini della sua terra furono complici del suo amore per la scultura. Porcù, infatti, ebbe per tutta la vita, un chiaro ricordo della madre che, nelle occasioni importanti, modellava la pasta del pane creando figure di stelle e animali. I protagonisti della produzione artistica di Porcù sono proprio gli animali, che poté osservare durante il periodo passato in montagna e che sono “elemento di richiamo e di amore verso la terra di origine”. Giuliano Niccoli definisce gli animali di Porcù “soggetti più sentiti ed amati” dall’artista, che coglie cinghiali, capre e mufloni (sacri per la civiltà nuragica), in atteggiamenti spontanei “nel segreto genuino della loro esistenza”. […] Gli animali del suo “bestiario”, in apparenza semplici, finiscono per assumere il valore di allegoria e si presentano come figure ancestrali e primigenie, appartenenti al passato”. Dal testo di Edoardo Fresia

"Nella sua pratica artistica, Ugo Marano ha unito la concretezza della ricerca sul design e sui materiali a una sensibilità che affonda le sue radici nelle antiche tradizioni meridionali. [...] L'arte di Marano trae spunto dal quotidiano e a esso ritorna, caricando sedie e tavoli, piatti e altri oggetti di uso comune di nuovi significati. La sua pratica appare continuamente vivificata dalla sua fervida immaginazione e soprattutto da una forte volontà di rinnovamento e riflessione consapevole sui propri mezzi espressivi."

Catalogo monografico edito in occasione della mostra Matteo Sanna. Sunglasses, a cura di Angela Madesani, NM Contemporary, Principato di Monaco, 17 marzo – 30 aprile 2023. "Per la sua terza personale nel Principato di Monaco, Matteo Sanna presenta la sua nuova ricerca attraverso cinque serie di lavori inediti, originati da una profonda indagine interiore resasi quanto mai urgente durante i momenti più duri della pandemia. La personale da NM Contemporary, dal titolo Sunglasses, ci avvolge in un ambiente accogliente, glamour per la forza dell’impatto visivo, per le tinte pastello e i blu brillanti. Tutto sembra perfetto ma di fatto quello che ci circonda non enfatizza la bellezza omologante, la perfezione a cui la nostra società ambisce quotidianamente quanto il suo esatto contrario, l’imperfezione, la fragilità, la caducità che trovano in queste sale la rappresentazione perfetta di quell'“Elogio dell’imperfezione”, citato dalla curatrice Angela Madesani nel suo testo in catalogo". [Livia Savorelli]

La fabbrica di ceramiche Giuseppe Mazzotti, fondata ad Albisola nel 1903 da Giuseppe Bausin Mazzotti, festeggia il suo 120esimo anniversario. La manifattura è stata tra le protagoniste del rinnovamento dell’artigianato e dell’arte, attraverso il suo lavoro ha portato sulle Rive del Sansobbia le più importanti personalità militanti nel panorama artistico internazionale, facendo diventare Albisola la capitale mondiale della ceramica nel corso del Novecento. Una metamorfosi culturale e produttiva che, per la prima volta, viene raccontata unitamente da Giovanni Rossello e Tullio Mazzotti, quarta generazione della famiglia e attuali proprietari delle Ceramiche Mazzotti e della Fabbrica Giuseppe Mazzotti 1903, le due ditte che continuano l’attività della ditta iniziale fondata dal loro bisnonno.

«Il tempo rarefatto nelle opere di Andrew Smaldone proviene dall’osservazione dell’architettura e da un processo di estrazione simile. Lo spazio genera immagini legate a un ricordo dell’artista in cui l’arte, come pratica, come formazione, come percezione, ha occupato quelle stanze: una scuola d’arte a Londra, una galleria non profit in Italia. Nel momento in cui vengono ritratte, dismessa la funzione originaria, le architetture di Andrew rivelano di conservare una memoria dormiente della loro storia, di quello che hanno accolto. Si tratta di qualcosa che, come nelle visioni dei personaggi di Resnais, non si è indurita in una forma definitiva, ma continua a trasformarsi, si mantiene plastica e modificabile da parte di chi torna a sollevare il sipario per lasciar passare la luce. Sensibilmente è proprio la luce (più persistente degli odori e dei sapori, più pervasiva di qualsiasi altro fattore nello scatenare la reminiscenza) a veicolare la memoria: il suo depositarsi sulle superfici, il suo attenuarsi, il suo creare, assieme all’ombra, un mondo riflesso, più intenso, fragile, più profondo del mondo materiale». (Dal testo “L’anno scorso da un’altra parte” di Pietro Gaglianò)

[..] Tempo e processo. Queste sono le due coordinate che certamente appartengono anche a Margherita Levo Rosenberg che, della concentrazione e della caparbietà, nel fare e nella coerenza di percorso, ha fatto la sua cifra stilistica, lei che si è dedicata all’arte come esigenza non più contenibile o rimandabile. […] La sua ricerca, dopo le prime incursioni nella pittura, ha saputo accogliere un’evoluzione in una scultura modulare, additiva che ha sviluppato forme tridimensionali tessendo e incastrando elementi modulari ricavati da vecchie radiografie, film plastici e materiali consimili. Levo Rosenberg, come Penelope, tesse e con pari trasporto crea, seguendo il ritmo del tempo e la scansione del processo che la conducono, passo passo, a maturare una forma organica; una scultura la cui materialità e plasticità sono addizionali, fatte di accumulazione progressiva, ripetuta ugualmente diversa, che è prassi intenzionale di un fare che non ha mai spazio di resa, né vuole averlo. Dal testo “La tenacia della ripetizione tra de-strutturazione e ri-creazione” di Matteo Galbiati.

Catalogo edito in occasione della mostra Iro Colore. Anelito tra quiete e tempesta di Tetsuro Shimizu, a cura di Matteo Galbiati e Serena Paderno, tenutasi al Castello di Palazzolo sull’Oglio (BS) e Villa Kupfer, dal 14 gennaio al 25 febbraio 2023. “La mostra Iro Colore. Anelito tra quiete e tempesta, grazie al suo taglio antologico, contribuisce a determinare una lettura precisa e puntuale, panoramica ed estesa, del lavoro e della ricerca di Tetsuro Shimizu: nelle due sedi del Castello di Palazzolo sull’Oglio e della vicina Villa Kupfer sono predisposti lavori che attestano la profonda coerenza con cui l’artista legittima la sua passione e vocazione totali per il colore. Tele e carte – e un prezioso libro d’artista – si susseguono attraversando trent’anni di riflessione, costante e ininterrotta, sulla dinamica evolutiva e costitutiva del “puro colore”...".

La Galleria de’ Bonis di Reggio Emilia propone la sua prima mostra monografica dedicata ad Antonio Ligabue, intitolata Terra: luogo d’origine, campo di lavoro, scenografia di una impresa. Quindici opere ad olio che celebrano il grande artista e la sua terra, indagando il suo viscerale legame con la natura. «Ho conosciuto a fondo Ligabue, fin da quando io ero bambino, e ritengo che l’unica sua ragione di vita sia stata solo ed unicamente la pittura», dichiara Sergio Negri, autorevole esperto del suo lavoro. «Ligabue non dipinge per trovare un punto di incontro con chi osserva – aggiunge il gallerista Stanislao de’ Bonis –, dipinge per sé stesso. Ligabue dipinge sé stesso, o meglio, libera sé stesso sulla tela».