Gangemi Editore: Arte

L'arte contemporanea è un territorio aperto che non si lascia facilmente trattenere entro confini definiti. "Capsule Art Collection 5. Approfondimenti contemporanei" nasce con l'intento di offrire una panoramica accurata sulla produzione artistica internazionale, dove i sei artisti presenti offrono traiettorie distinte ma interconnesse, conservando ognuno la propria originalità, sensibilità e urgenza. Sei espressioni non riconducibili ad un'unica estetica ma accomunate dalla necessità di far emergere un linguaggio autentico e soprattutto non replicabile. In questo senso il volume si presenta come un prodotto di nicchia dove ogni artista rappresenta la colonna portante. Nell'unicità dei sei artisti rimane, comunque, un importante punto di contatto: la scelta di vivere l'arte come territorio di interrogazione, come spazio dove cercare risposte. Contemporary art is an open territory which is not easy to confine.

Questo libro rappresenta uno dei tanti mezzi che contribuiscono ad alleviare le tensioni e lo stress dagli impegni lavorativi. Il libro offre lo strumento, fortunatamente praticato da molti, di alternare il lavoro con una seconda attività, altrettanto impegnativa forse, ma sicuramente gradita a chi la pratica: la pittura. Nel libro sono quindi rappresentati alcuni dei quadri realizzati dall'autore, professionalmente impegnato in settori del tutto diversi dalla pittura, il quale ha inteso offrire al lettore(ulteriore motivo di attività per lui gradita) una breve spiegazione di ogni singola opera. È noto che ogni produzione artistica, o che pretende di classificarsi tale, suscita sull'osservatore sensazioni diverse (di ammirazione, entusiasmo, commozione, critica spesso feroce, netto rifiuto, derisione incontrollata e incontrollabile, etc.). Ed è questo che l'autore si è proposto di provocare. Con la speranza di non suscitare solo valutazioni e pareri negativi, resta comunque salda la sua convinzione di aver fatto un lavoro positivo perché, anche con qualche breve, autobiografico ricordo della sua vita, ha soprattutto indicato uno stimolo per trovare, nella pratica di una attività a carattere culturale, una efficace alternativa ai disagi, alle tensioni e allo stress della maggior parte delle scelte lavorative, all'origine spesso obbligate per le più delicate, complesse e del tutto comprensibili ragioni.

Villa Grazioli, gemma del territorio tuscolano, è qui analizzata nel suo divenire storico e con riferimento ai caratteri architettonici e alla decorazione pittorica. Un focus particolare è sulla Galleria dipinta da Giovanni Paolo Panini, di cui si presenta lo studio propedeutico al restauro e la sua realizzazione.

"La genesi dell'opera di Fermariello risale al 1987, quando inizia a tracciare con penna rapidograph a inchiostro di china una moltitudine di figure stilizzate - l'uomo con lancia e scudo, l'uomo a cavallo - che riempiono fogli di dimensioni contenute. Questi piccoli segni, assimilabili alle lettere di un manoscritto, collocano l'opera in una zona di confine tra astrazione e figurazione, dove la lancia e lo scudo del guerriero rimandano esplicitamente alle lettere "i" e "o" che, accostate, formano la parola "io"." (dal saggio critico di Demetrio Paparoni).

Un'artista astratta. Opere fisiche, emotive, figurative.

Nell'ultimo decennio della sua straordinaria vita artistica, Giorgio de Chirico, il Pictor Optimus, torna a esplorare con rinnovata intensità i temi fondamentali della sua poetica attraverso la raffinata tecnica litografica. Questo volume accompagna l'omonima esposizione curata da Lorenzo Canova e presenta un corpus inedito di opere grafiche realizzate negli anni Sessanta e Settanta, frutto della fertile collaborazione con lo stampatore Alberto Caprini. Le cinquanta opere provenienti dalla collezione della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico rivelano una nuova dimensione della ricerca dechirichiana: non semplici riproduzioni ma autentiche creazioni originali, in cui l'artista rielabora i suoi celebri soggetti metafisici con "più chiare e felici rivelazioni" e un profondo "sentimento di consolazione" che pervade tutto il periodo neometafisico. In queste pagine si dispiega l'intero universo iconografico del Maestro: dai misteriosi Soli neri ai suggestivi Bagni misteriosi, dagli enigmatici Archeologi ai sognanti Trovatori, dalle metafisiche Piazze d'Italia alle imponenti figure dei Gladiatori e dei Trofei. Completano la raccolta preziose illustrazioni destinate all'Ebdòmero, il suo celebre romanzo. Arricchito dai saggi critici di Lorenzo Canova, Piernicola Maria Di Iorio e Maria Stella Margozzi, questo volume offre una prospettiva inedita e affascinante sull'ultima fase creativa di de Chirico, dimostrando come la sua "Metafisica continua" abbia mantenuto intatta la sua forza visionaria fino al termine della sua esistenza. Un'opera essenziale per comprendere appieno l'eccelsa arte di Giorgio de Chirico e apprezzare la straordinaria libertà creativa che ha caratterizzato l'intero percorso di uno dei più grandi maestri dell'arte del Novecento.

Il chiostro del Rosario, adiacente al lato Nord della Basilica di Santa Maria sopra Minerva, fu realizzato negli anni 1559-1566, per volere di Vincenzo Giustiniani, Maestro generale dell'Ordine, dall'architetto Guidetto Guidetti, al quale subentrò poi Cipriano da Prata. A pianta quadrangolare, a due ordini di arcate su pilastri (doppi negli angoli), coperti al piano terreno da volte a crociera, il chiostro, orientato secondo le direzioni N-S e E-O, con ingresso dalla piazza della Minerva, si struttura su 5 assi vuoti sui 4 lati, fiancheggiati da 24 pilastri sui quali si innestano le 7 campate per ciascun singolo lato (prima e ultima di snodo) riproponenti, i primi, il ritmo delle ore del giorno, le seconde quello settimanale. Sono stati mantenuti inoltre due monumenti funebri quattrocenteschi, rimessi in valore come preziose reliquie nel nuovo contesto. Il tema principale della decorazione è costituito dai Misteri del Rosario, devozione legata all'Ordine dei frati predicatori che la promosse fin dal XIII secolo, cui dettero rinnovato impulso, dopo il concilio di Trento, Pio V e lo stesso Vincenzo Giustiniani. Il secondo è costituito dalla raffigurazione di 32 sante, santi, beate e beati dell'Ordine, richiamato nello stemma delle volte delle campate, insieme a quelli del Giustiniani e del vescovo Andrea Fernandéz de Córdoba y Cavajal, primo committente della decorazione, al quale subentrò il card. Francesco Tarugi e poi il Generale Nicolò Ridolfi. Quest'ultimo affidò il coordinamento dell'impresa a Giovanni Luigi Valesio e alla cerchia dei suoi collaboratori. Il terzo tema sul fronte ovest illustra cinque scene legate alla vita spirituale di S. Tommaso d'Aquino. Si tratta di un programma che manifesta in architettura e in pittura il rinnovato trionfo delle finalità dell'Ordine, vale a dire la salvezza delle anime mediante la predicazione e l'insegnamento, in continuità con i grandi eventi del XVI secolo: la riforma protestante e il Concilio di Trento, nella cui ultima sessione del 3 dicembre 1565 era stato emanato il decreto sull'arte sacra. Il decreto, a fronte della negazione da parte dei luterani del valore delle immagini sacre, ne ribadiva il loro impiego in funzione del culto e con esso quello verso Maria. Di qui, anche, il fiorire della preghiera del Rosario della Vergine, soggetto di infinite pale d'altare e alla Minerva, ove viene associata alla vittoria di Lepanto, di un intero ciclo pittorico. Non solo: a fronte dei protestanti che deploravano il culto dei santi e negavano il valore delle opere ai fini della salvezza, nei sottarchi del chiostro, furono dipinti 32 beati e santi, resi riconoscibili tramite il loro nome e gli attributi che danno risalto alla loro azione su questa terra o alla modalità cruente del loro martirio, e persino le visioni, fenomeni, questi, rifiutati dalle chiese d'oltralpe e qui riproposti a sottolineare l'interconnessione di tutti i temi rappresentati.

Questo volume è nato dall'intento originario di accompagnare il visitatore nella Sala Espositiva del Monastero Santa Maria della Neve e San Domenico di Pratovecchio (AR). Questa possibilità vuole ora essere resa fruibile anche ad un più ampio pubblico, prendendo per mano il lettore e facendogli riscoprire la bellezza del saper guardare con "altri occhi". Si tratta di un percorso attraverso le opere di tre antichi monasteri: San Domenico di Sesto Fiorentino, Santa Maria Novella di Arezzo e Santa Maria della Neve di Pratovecchio. È un modo per ritrovare la nostra capacità di vedere nel profondo, riscoprendo il valore del simbolo: un cammino che non si ferma alla semplice conoscenza esteriore ma ci riporta dentro l'opera, al cuore del suo messaggio. Un cammino tra arte e fede, che si apre a nuove vie dello sguardo, con particolare attenzione riservata alla spiritualità domenicana.

«Nell'arte di Cossyro si rinviene, in ogni ciclo, una valenza storico critica, un pensiero che si interroga sulla condizione umana, sulla realtà del nostro tempo, sulla scienza e i fenomeni che essa studia, sulla cultura che l'arte stessa contribuisce a determinare. Alla scienza e agli enormi e inarrestabili sviluppi della tecnologia, Cossyro ha dedicato molte sue esperienze, i cui caratteri sono rivolti a 'estrarre' dall'immaginario quanto la scienza stessa affacciata con i telescopi sugli universi ormai 'multiversi' o sui potentissimi strumenti puntati sulla fisica subatomica, ha ancora difficoltà a definire completamente.» (Bruno Corà)

Appaiono in questo libro le figure di amici, di persone care agli autori. L’amicizia non avviene come per l’amore, non si manifesta come un colpo di fulmine. Ci si sceglie l’un l’altro e si costruisce una specie di intimità con la frequentazione, e la frequentazione può portare un reciproco affetto che nel tempo si fortifica. Gli amici hanno affinità di carattere, si percepiscono, e spesso ti accorgi di ridere insieme per le stesse cose mentre il resto del mondo resta inerte. Una volta incontrati, non rinunci a questo arricchimento della tua vita. A quante cose serve l’amicizia? A nutrirti l’animo, a donarti e rubarti affetto “donandoci tutto, portandosi via tutto”, come dice Alda Merini. E qualche volta ti regalano la loro immagine per abbellire un bel lavoro, un bel libro di grafica, come in questo caso. Alcuni sorridono, alcuni si sorprendono, altri si distraggono o sono presenti e accomodanti. Hanno giocato a diventare disegni nel disegno, è una fortuna averli incontrati anche in uno scatto fotografico. In questo libro di grafica, in cui sono riportati molti dei tanti lavori realizzati da Michele e Gerardo Spera, sono stati privilegiati quelli ritenuti più consoni e sono state evidenziate, a volte, soluzioni che allora furono progettate ma scartate perché giudicate in quei tempi lontani troppo innovative. Si è dato anche più spazio a disegni alternativi, a certi particolari che erano un’appendice, studi preparatori o ricerche per più vaste soluzioni, ma che ora gli autori offrono come parte integrante di questo libro. Circolano sulla rete, e in alcuni libri di settore, manifesti attribuiti a Michele Spera ma assolutamente non disegnati dall’autore. Questo equivoco è nato dal fatto che editori e promotori di immagini si rivolgessero alla Federazione del Partito Repubblicano di Milano dove un certo grafico produceva materiale grafico per eventi locali che regolarmente distribuiva ai richiedenti che comunque pubblicavano a nome di Michele Spera. Ne è ad esempio quanto inserito erroneamente nei volumi de “Italia Moderna, La difficile Democrazia, 1960-1980”, BNL, quarto volume.

Olamilekan Abatan (Nigeria, 1997) è uno dei più raffinati maestri dell’iperrealismo africano. Le sue opere, realizzate con grafite e matita, uniscono la tradizione europea a motivi e simboli dell’identità africana.

Una biografia non canonica dell'artista Tano Festa, che raccoglie spezzoni di vita, sogni, avventure al limite della performance artistica, pensieri e confidenze.