Silvana: Arte

Anselmo Bucci, protagonista del “Novecento Italiano”, fu un artista “totale”: pittore, incisore, scrittore, ma anche progettista di arredi, giornalista e critico d’arte. Viene qui presentata un’antologia di opere che coprono l’intero arco della sua vita artistica e ne illustrano la visione culturale ironica, meditata, attenta all’attualità, poliedrica e sempre poco incline a rientrare in classi di appartenenza.

In occasione della 59ª edizione della Biennale d'Arte, il Padiglione Venezia propone Alloro, un viaggio che affronta il cambiamento e la metamorfosi attraverso la natura e l'arte. Il percorso ha inizio nella psiche - in un luogo pulito, quasi asettico, perfetto - e si conclu de nel calore della madre Terra, in un movimento in cui ogni singolo passaggio è scandito dal ritmo di una musica. L'arte indaga con il suo linguaggio multiforme sulle fasi del cambiamento, a partire dal libero arbitrio e dalla libertà di scelta, che prendono forma nella pianta di alloro, simbolo di sapienza e di gloria, della vittoria, della fama, del trionfo e dell'onore, ma che pongono le radici nel passato, nell'archetipo, nella mente. Il volume presenta i progetti artistici - Limpha, di Paolo Fantin e Ophicina, Portali di Goldschmied & Chiari, Gocce di Alloro di Pino Donaggio, Best Wishes di Ottorino De Lucchi - e le opere vincitrici del concorso "Artefici del Nostro Tempo", rivolto ai giovani artisti che, attraverso il Design del Vetro, le Opere in Vetro, la Fotografia, il Fumetto e Illustrazione, la Pittura, la Poesia Visiva, la VideoArte e la Street-Art sono chiamati ad interpretare "The milk of dreams", Il latte dei sogni, titolo della Biennale Arte 2022.

"Transmedialità dell'artista Arvedo Arvedi. Arte sostenibile" è un progetto editoriale nato da due incontri fondamentali di Arvedo: quello con John David Mooney, che accende la miccia della sua creatività in chiave di espressione artistica, e con Marco Eugenio Di Giandomenico, curatore del libro, che innesca in lui una più matura coscienza creativa e narrativa. Il racconto della vita e dell'arte di Arvedo diviene in queste pagine occasione preziosa per disquisire su tematiche cogenti nel dibattito sull'arte contemporanea, quali la sostenibilità e la medialità, in tutte le sue variegate declinazioni, anche grazie agli interventi di amici ed esperti d'arte quali Massimiliano Marafon Pecoraro, Riccardo Maria Braglia, Diana Alessandrini, Raffaella Salato. Un volume denso di riferimenti culturali di elevato valore dottrinario, nonché di tanta umanità, espressa con lucidità accademica e sguardo affettuoso.

Il volume è dedicato al sontuoso servizio da tavola commissionato dal re Carlo Alberto di Savoia-Carignano al grande argentiere francese Charles-Nicolas Odiot tra 1834 e 1840. Un insieme composto da oltre 1800 pezzi, destinato in origine al Palazzo Reale di Torino, poi trasferito a Roma dopo lo spostamento della Capitale nel 1873 e l'insediamento dei Savoia nella nuova residenza del Quirinale. I testi illustrano la storia e le forme delle opere, con approfondimenti sugli ambienti che le ospitarono, sul cerimoniale e sulle consuetudini dei pranzi sabaudi, e infine sulla personalità di Carlo Alberto, indagata nei fatidici giorni dell'esilio a Oporto.

I favolosi anni sessanta, il decennio dell'ottimismo, del progresso, del boom economico, dei diritti civili, della minigonna, della dolce vita, dei media e della pubblicità, delle auto e dei mobili in serie, degli elettrodomestici, dello sbarco sulla luna, del cinema italiano e dei cantautori, contengono in sé anche contraddizioni e spinte opposte. Per Genova rappresentano un periodo di grande espansione, sia della città fisica sia delle aspirazioni, delle idee e degli stimoli culturali. Il volume ne racconta le grandi trasformazioni in questo periodo storico, dal concerto dei Beatles del 1965 alla costruzione del Biscione, dalle prime esposizioni di pop art alla nascita dell'arte povera, fino al ruolo svolto dall'Italsider come promotore d'arte contemporanea. Genova sessanta, dunque, come fucina di nuove energie e visioni esistenziali: la città delle moderne arterie di comunicazione e dei nuovi quartieri, degli oggetti del design e della grafica industriale, dell'immigrazione e della contaminazione, della sperimentazione nelle arti visive, delle gallerie e dei nuovi musei, delle performance e della poesia, dei volti di una società che cambiava correndo con fiducia verso il futuro, ma portando con sé già i limiti e i contrasti che ancora attraversano il nostro tempo.

Il volume, a cura di Chiara Spangaro, presenta la selezione dei ritratti eseguiti dall’artista Pietro Costa tra il 2003 e il 2022, nei quali utilizza il sangue e la fotografia come medium. In essi sviluppa la ricerca già intrapresa dalla fine degli anni ottanta nella serie Bloodworks, che indaga il tema dell’identità tra arte e scienza, il concetto di ritratto fisico e biologico, la rappresentazione dell’io tra unicità e comunità. Le opere illustrano il suo lavoro sulla rappresentazione del soggetto singolo, della famiglia e del gruppo e aggiornano la sua pratica artistica apertasi ai ritratti corali nel 2018, quando ha iniziato la serie dei Family Portraits con il primo nucleo di otto soggetti che attraversa tre diverse generazioni. Prefazione di Simome Mangani.

Il volume, promosso dall’Archivio Scanavino, è dedicato alla produzione ceramica di Emilio Scanavino, a cento anni dalla nascita dell’artista. Scanavino - tra i protagonisti della cosiddetta generazione informale e del movimento spazialista affermatosi all’indomani della seconda guerra mondiale - si è dedicato per oltre trent’anni alla definizione, attraverso una riflessione sul segno, di un altro alfabeto e di un’altra lingua, non da leggere ma da decifrare. Anche i lavori ceramici - spesso trascurati perché assorbiti all’interno della sua più ampia produzione scultorea - si inseriscono pienamente in questa ricerca. Il volume, che presenta sessanta opere tra terrecotte smaltate e ingobbiate, maioliche e oggetti in metallo prodotti tra l’inizio degli anni Cinquanta e la fine dei Sessanta, consente dunque di riflettere sul suo rapporto dell’artista con la ceramica policroma di approfondirne l’indagine sulle problematiche formali connesse. Accompagnato da un testo critico del curatore, il volume è completato da apparati biografici.

Nato a Barcellona nel 1913, Antoni Clavé si è confrontato con la guerra fin dal 1937. Il tema del guerriero appare molto presto nella sua arte ed è tra i soggetti che gli assicurano il riconoscimento del pubblico a Parigi nel 1958. Tra le sculture e le maschere africane di cui Clavé si circonda nel suo studio, la figura del guerriero rimane fondamentale. Titolo e soggetto feticcio dell'artista, è un'immagine che si ripete come un refrain nelle sculture, nei dipinti e negli assemblaggi di tessuti o legno fino all'inizio degli anni Duemila: un tema che ossessionerà Clavé per tutta la vita. Attraverso il prisma delle maschere africane, questo catalogo propone uno sguardo originale sull'arte di Antoni Clavé, il cui legame con le arti dell'Africa è complesso e sfaccettato, un misto di omaggio, ammirazione e appropriazione. Come i suoi guerrieri, anche Clavé imbraccia le armi dell'artista per affermare la propria identità pittorica, caratterizzata da una modernità assoluta, atemporale e universale.

Il volume documenta Venetika, l’opera di Ferzan Ozpetek esposta nel 2019 al Padiglione Venezia della Biennale Arte, e trasformata in progetto itinerante, ospitato da grandi musei nazionali e internazionali: una scatola di 7x7 metri, all’interno della quale si è accolti in un percorso immersivo, dominato da una video-opera dedicata alla città lagunare. Il regista, per raccontare Venezia, si è immerso nelle sue acque e ne ha fatto un ritratto unico attraverso la figura di Kasia Smutniak: l’attrice, in apnea, è stata ripresa tra le proiezioni delle più famose rappresentazioni pittoriche della Città e dei suoi inconfondibili scorci.

Zorzi da Castelfranco, detto Giorgione: un artista che ha solo quattro opere a lui documentate – e di queste una giunta a noi –, citato in documenti d’archivio che si possono contare sulle dita di una mano e di cui ogni ricostruzione è del tutto ipotetica. Eppure, dopo un arco di carriera poco più che decennale, Giorgione ha raggiunto una fama rimasta immutata nel corso dei secoli. Principiando dalle lezioni di spiritualità e accordo tra uomo e natura di Giovanni Bellini, e dall’uso del colore di Giovan Battista Cima da Conegliano, il maestro di Castelfranco offre una particolarissima sintesi di musicale lirismo, connettendo corpi e paesaggio con una luce morbida e densa. È quella pittura tonale che, impostata da Cima e Bellini, diviene con Giorgione il linguaggio d’avvio della formidabile nidiata protagonista del grande Cinquecento veneto, la stagione di Palma il Vecchio, Sebastiano del Piombo e Tiziano Vecellio.

La pittura del Rinascimento veneto, il collezionismo degli Asburgo Lorena, il simbolismo mistico e allegorico dei fiori, l’incisione seicentesca: sono questi gli argomenti trattati nel presente volume, che offre un punto di vista particolare su numerosi temi dell’arte, della storia e della cultura nell’età moderna.

Zorzi da Castelfranco, detto Giorgione: un artista che ha solo quattro opere a lui documentate – e di queste una giunta a noi –, citato in documenti d’archivio che si possono contare sulle dita di una mano e di cui ogni ricostruzione è del tutto ipotetica. Eppure, dopo un arco di carriera poco più che decennale, Giorgione ha raggiunto una fama rimasta immutata nel corso dei secoli. Principiando dalle lezioni di spiritualità e accordo tra uomo e natura di Giovanni Bellini, e dall’uso del colore di Giovan Battista Cima da Conegliano, il maestro di Castelfranco offre una particolarissima sintesi di musicale lirismo, connettendo corpi e paesaggio con una luce morbida e densa. È quella pittura tonale che, impostata da Cima e Bellini, diviene con Giorgione il linguaggio d’avvio della formidabile nidiata protagonista del grande Cinquecento veneto, la stagione di Palma il Vecchio, Sebastiano del Piombo e Tiziano Vecellio.