Silvana: Arte

Questo volume è dedicato a Purim, una delle feste più gioiose del calendario ebraico, e alla sua protagonista, la regina Ester. A distanza di secoli, la vicenda dell’eroina biblica che per salvare il suo popolo corre il rischio di svelare la propria identità, e decide di affrontare con coraggio un uomo potente, risulta di grande attualità e trasmette un fascino immutato. I saggi di approfondimento qui raccolti ci guidano in un originale percorso che esplora l’evoluzione dell’episodio biblico nel tempo e nello spazio, e la sua percezione in ambito religioso, artistico e folkloristico. Il ricco apparato iconografico del volume testimonia poi la fortuna che la storia della regina Ester ha riscosso in ambito ebraico e non solo. Un itinerario tra arte rinascimentale e contemporanea, che offre riletture, interpretazioni e una immaginifica riproposizione delle principali scene del racconto.

Nei primi decenni del XX secolo, la strenua lotta delle avanguardie contro un modernismo estetizzante passa inevitabilmente anche dal progresso tecnologico e dalle nuove modalità di percezione della realtà da esso derivanti: la macchina avvia, così, un rapido processo di integrazione con la produzione artistica offrendosi a essa sotto forma di struttura, simbolo o funzione. I movimenti e gli artisti che il presente studio prende in considerazione (Futurismo, Dadaismo, avanguardie russe, Picabia, Duchamp, Man Ray, Ernst, Léger, Munari, Moholy-Nagy, Calder e Tinguely) sono paradigmatici di questi diversi, e spesso antitetici, approcci.

Attraverso centoventisei opere provenienti dalla collezione Giuseppe Iannaccone e dai Musei Civici di Roma, viene documentata una delle stagioni più originali della cultura artistica italiana della prima metà del XX secolo, quella dell’espressionismo degli anni venti-quaranta. La rassegna riflette su alcune delle più importanti personalità artistiche come Scipione, Carlo Levi e Renato Birolli, tra gli altri, che, individualmente e nel contesto dei gruppi di tendenza della Scuola Romana, dei Sei di Torino e di Corrente a Milano, si sono fatti promotori di un linguaggio spiccatamente antiaccademico, incentrato sulla trascrizione del dato soggettivo interiore, di un colore antinaturalistico e ribelle, di un’idea di “deformazione” rispetto al canone “classico” di bellezza fissato dal Novecento di Margherita Sarfatti che, storiograficamente, dimostra ancora una volta come l’arte italiana fra le due guerre sia tutt’altro che “provinciale”, avendo intessuto feconde e proficue interazioni con gli orizzonti europei.

Nato a Milano da famiglia ticinese, Angelo Giorgetti (1899-1960), pittore e scultore figurativo, dopo essersi formato negli studi di Adolfo Wildt e Aldo Carpi, agli inizi degli anni venti si trasferisce a Parigi, vivendo il clima internazionale degli “Anni folli”. Di questa stagione rimangono eleganti ritratti femminili e felici vedute della capitale francese. Rientrato nel Ticino alla vigilia della Seconda guerra mondiale, Giorgetti si specializza nella ritrattistica e nei paesaggi, dedicandosi anche a temi di figura, natura morta, fiori e all’arte sacra, e sperimenta tecniche quali l’affresco e il mosaico. Amante della montagna, che dipinge in luminosi scorci delle valli sopra Lugano e dell’Engadina, compie viaggi di aggiornamento in Germania e in Italia, scegliendo di trascorrere a Lugano gran parte della sua vita.

Un filo lega il Trionfo della Morte, affresco realizzato da un anonimo maestro intorno al quinto decennio del XV secolo per il cortile dell’Ospedale Grande di Palazzo Sclafani a Palermo, poi staccato e conservato a Palazzo Abatellis; Guernica, il capolavoro di Pablo Picasso del 1937, qui proposto nella seconda versione tessile realizzata nel 1976 da Jacqueline de La Baume-Dürrbach in stretta collaborazione con l’artista spagnolo (la prima versione è esposta nella sede del Consiglio di sicurezza dell’ONU); e la Crocifissione dipinta da Renato Guttuso nel 1941. Le tre opere sono qui poste in relazione, in modo inedito e originale, sollecitando un fecondo dialogo tra capolavori che non solo affrontano il medesimo tema dell’inesorabilità della morte, ma si rimandano a vicenda anche per l’impianto compositivo e figurativo. Picasso probabilmente conosceva l’affresco siciliano da riproduzioni fotografiche, Guttuso lo aveva frequentato direttamente quando era di servizio come allievo ufficiale a Palazzo Sclafani. Come scrive Guttuso, Picasso era “così profondamente entrato nell’ingranaggio poetico di quel dramma da averne prodotto uno equivalente”.

Giorgio Griffa è un maestro della pittura contemporanea che, attraverso i suoi segni, linee e colori, suggerisce un viaggio silenzioso attraverso lo spazio e il tempo. La coerenza della sua pittura, segnata da un personalissimo equilibrio tra i tratti della mano, le linee geometriche e lo spazio vuoto della tela, si accompagna da più di cinquant’anni a una profonda riflessione sulla pittura come strumento di conoscenza. Le opere di Griffa sono state esposte in mostre e collezioni nei musei d’arte contemporanea di tutto il mondo, dalla Tate Modern al Centre Pompidou fino al Museu de Arte Contemporânea de Serralves e al Palazzo Ducale di Genova. Inoltre, le sue tele sono state presentate alla Biennale di Venezia nel 1978, nel 1980 e nel 2017.

Il volume è dedicato a David Reimondo, il cui lavoro, frutto di un pensiero libero e anticonvenzionale, slegato da logiche di strategie e mode, è ripercorso in queste pagine nella sua interezza. La sua è una ricerca “evolutiva”. Si è sviluppata negli anni per “capitoli” seguendo una propria logica interna di evoluzione dalle Anime di fine anni novanta, alle Cellule, dal Corpo (pane) al Pensiero - con le opere delle sue note Etimografie e della Cromofonetica - per giungere all’Interazione. Il valore del suo lavoro è illustrato nei saggi pubblicati in questo volume, per il quale sono stati invitati sette autori capaci di analizzare la ricerca di Reimondo da diversi punti di vista che coinvolgono, oltre alle arti visive, anche la filosofia, la psicoanalisi e la linguistica Il muscolo del pensiero è il cervello. Un modo del cervello è il linguaggio. Il linguaggio definisce e indica il funzionamento del pensiero. Vedere in azione il linguaggio è vedere l’organo tipico dell’animale uomo. Nuovi linguaggi determinano la nascita di nuovi mondi.

Questa raccolta di testi è la testimonianza diretta di un singolare processo critico e intellettuale vissuto in prima persona, attraverso il dialogo con alcuni protagonisti della scena artistica contemporanea italiana e internazionale. Non una storia dell’arte – impresa impossibile senza concedere al tempo di sedimentare i fenomeni e distillare le essenze più resistenti – ma una riflessione profonda su esperienze, incontri e mostre che hanno segnato il percorso dell’autore. Con la sua trentennale esperienza curatoriale, Danilo Eccher traccia un itinerario che illumina i fenomeni più significativi dell’arte recente. Uno sguardo personale e parziale, certo, ma al tempo stesso diretto e privilegiato, capace di restituire la complessità e la vitalità di un mondo artistico inafferrabile.

Tra i maggiori protagonisti del panorama artistico internazionale tra fine Ottocento e primo Novecento, Francesco Paolo Michetti (1851-1929) si colloca in quel territorio di confine tra tradizione e modernità che caratterizza la cultura a cavallo dei due secoli. Nato in Abruzzo e formatosi a Napoli alla scuola verista di Domenico Morelli e Filippo Palizzi, Michetti sviluppa la sua vicenda artistica tra realismo e simbolismo in uno scenario cosmopolita in cui figurano Parigi, Londra e l’America. Celebrato come uno dei più grandi maestri del suo tempo, le sue opere sono infatti frequentemente esposte all’estero, divenendo oggetto di uno straordinario successo di mercato. Questo secondo volume del catalogo generale, oltre a pubblicare un nuovo corpus di 249 opere, mette per la prima volta in luce come Michetti sviluppi il suo personale linguaggio attraverso un costante confronto con le tendenze più aggiornate del suo tempo, rappresentando a sua volta un imprescindibile modello di riferimento per moltissimi artisti a lui contemporanei tra Europa e Stati Uniti.

Fragili e potenti, i fiori parlano un linguaggio universale capace di attraversare i secoli e le culture. Raccontano emozioni, celebrano la bellezza, protestano silenziosamente e custodiscono storie millenarie. Ed è proprio a loro che il Chiostro del Bramante di Roma dedica una mostra straordinaria. “I fiori sono molto più di semplici elementi decorativi”, spiega Natalia de Marco, Direttrice artistica del Chiostro del Bramante. “Sono simboli universali che rappresentano ogni aspetto della vita: dalla resistenza alla spiritualità, dall’amore al conflitto, dalla scienza all’ecologia.” Questo viaggio sensoriale prende vita in un percorso espositivo che unisce opere del passato e del presente, offrendo al pubblico una lettura inedita del ruolo che i fiori hanno avuto nell’evoluzione della nostra storia e della nostra società.

Artista misterioso, che da sette secoli affascina poeti, pittori, collezionisti e storici dell’arte, Cimabue ha rinnovato profondamente la pittura italiana alla fine del XIII secolo. Aprendo la strada alle ricerche degli artisti del Rinascimento, fu uno dei primi a rappresentare il mondo, gli oggetti e i corpi secondo natura. Nella sua arte, la rinomata tradizione bizantina cede il passo a una pittura d’invenzione che intende suggerire la tridimensionalità degli spazi e i volumi dei corpi con sottili sfumature, caratterizzando i suoi personaggi con gesti naturali ed emozioni umane. La recente acquisizione da parte del museo del Louvre del Cristo deriso, il suo restauro e quello della grande Maestà offrono l’occasione di approfondire le conoscenze su un pittore tanto affascinante quanto centrale nella storia dell’arte occidentale. Il volume, che include testi inediti dei più grandi esperti di pittura italiana del Duecento, colloca Cimabue nel contesto del fermento artistico, culturale, scientifico, spirituale e filosofico che contraddistingue l’Italia del XIII secolo, rivelando tutta l’originalità della sua arte. Riuniti per la prima volta e presentati accanto a opere di Giunta Pisano, Duccio e Giotto, ma anche a icone bizantine e oggetti preziosi provenienti dal Mediterraneo orientale che hanno ispirato l’artista, i suoi dipinti, maestosi, vivaci e colorati, appaiono sotto una nuova luce.