Silvana: Arte

Da sempre gli animali fanno parte dell’immaginario cinematografico. Dai cani divi storici come Rin Tin Tin e Lassie fino alla nuova ondata di protagonisti a quattro zampe che caratterizzano la produzione contemporanea, dal Balthazar di Bresson allo squalo di Spielberg, gli animali non cessano di fornire materia per storie di tutti i tipi. “Bestiale!” analizza la varietà del loro contributo alla storia del cinema con riflessioni sullo status di animale star, sul "recitare da cani", sugli amici e sui nemici dell'uomo, sugli animali simbolici, su creature a metà strada tra uomo e animale, su eros (storie d'amore di uomini – e donne – con animali) e su thanatos (l'abuso di animali sui set), e su film che cercano di assumere il punto di vista dell'animale. Perché, se noi non abbiamo mai smesso di farlo nei loro confronti, talvolta ci dimentichiamo che anche loro ci osservano. Parafrasando De Sica: gli animali ci guardano.

Baldassarre Orsini, nato a Perugia, si forma come pittore e architetto a Roma dove frequenta ambienti artistici vicini all'Accademia di San Luca, stringendo in particolare amicizia con Anton Raphael Mengs. Rientrato definitivamente nella città natale nel 1779 dopo quasi trent'anni di permanenza nell'Urbe, esegue lavori di scenografia, pittura e architettura, dedicandosi, dal 1790, alla direzione della restaurata Accademia del Disegno. La sua passione per l'esercitar la penna" lascia tracce in una vasta produzione che spazia dai trattati alle guide, dalle biografie artistiche alle dissertazioni antiquarie, dai compendi annotati ai dizionari, come tasselli di un programma unitario volto a giovare all'utile universale", educando il gusto e fondando una pratica in grado di conciliare libertà e regole, arte e scienza. Il libro ricostruisce il profilo complessivo di un autentico protagonista della storia culturale perugina e allo stesso tempo mette a fuoco, attraverso la sua esperienza e la vasta rete di relazioni con artisti ed eruditi, la multiforme fisionomia del secondo Settecento italiano.

Per Tong Yanrunan l'atto artistico è un'avventura alla scoperta della vera essenza del soggetto. L'artista cinese è guidato da un costante desiderio di connessione con l'animo umano e la natura, dando vita a un ritratto lontano dalla forma ma che, come le nature morte di Giorgio Morandi, crea una sorta di relazione costantemente appagante attraverso un'apparente semplicità. Il soggetto abita la tela nell'essenza della non-distinzione, ogni volto è vivido e insostituibile, ogni immagine un mondo nuovo e ricco. Al pittore non interessa la vera storia dei suoi personaggi. Estraniandosi dal loro passato riesce a creare un ponte di connessione tra la propria anima e quella del soggetto, una reale e nuda comunicazione. Osservare i ritratti di Tong significa lasciarsi governare da un calmo magnetismo, abbandonarsi alla visione di soggetti immobilizzati dalle dinamiche pennellate del pittore su tele di formato leggermente più piccolo del reale busto di una persona che creano immutabili Forme del tempo.

La linea, il tempo, l'origine e la memoria: ecco gli elementi cardine dell'opera di Peter Kim (Corea del Sud, 1967). Nella sua opera la linea ripetuta è usata come un mantra visivo, una preghiera composta da piccoli segni intrecciati fra loro, quasi a volere estrarre dal groviglio inestricabile dei fili una misura universale. Il disegno è il frutto di un gesto reiterato che incide nello spazio e costruisce una ragnatela a cui annettere il reale. Il volume raccoglie una selezione di opere dedicate al tema archetipico del vaso: contenitori leggendari, concrezioni di sogno, i vasi di Kim sembrano vascelli fluttuanti nell'oceano del tempo, messaggeri di storia, recipienti d'infinito. Il catalogo accoglie i testi di Maria Giovanna Musso e Rye Dag Holmboe, un'intervista all'artista e apparati biografici.

La fama immediata del Cenacolo dipinto da Leonardo nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie a Milano fu diffusa e ampliata dal numero di copie dipinte che subito ne furono tratte. Ma la decadenza della pittura, iniziata già nel 1517, rese sempre più difficile accostarsi al capolavoro originale, così da rendere necessario, nei secoli successivi, il riferimento alle prime copie dipinte per ottenerne immagini complete. L'incisione di Raffaello Morghen offrì una riproduzione del Cenacolo elaborata attraverso un lavoro di ricostruzione ideale del "monumento" ormai illeggibile, basato sulle copie antiche, adottando un metodo analogo a quello che si andava impiegando nella nascente disciplina archeologica. L'ampia documentazione qui raccolta dà ragione anche, soprattutto dopo la scoperta della fotografia, delle trasformazioni che l'opera ha subito negli ultimi due secoli, prima che, proprio attraverso un lavoro di scavo archeologico condotto nel vivo della materia, i frammenti della pittura originale fossero raggiunti e resi nuovamente leggibili a ricomporre l'immagine del capolavoro leonardesco. Presentazione di Filippo Del Corno.

Attraverso la selezione di cinquanta opere, provenienti dalla GAM di Torino, si è cercato di ricostruire l'ampio ventaglio delle proposte italiane, maturate proprio nei cruciali primi anni sessanta in cui esplose il fenomeno pop internazionale. In quel contesto fortemente dinamico e propositivo di una nuova visione della realtà, di una rinnovata missione da affidare all'arte, si affermò una svolta linguistica – allora satura di presente – che appare invece a noi oggi velata di struggente malinconia. Il volume illustra, per campionamenti, le differenti declinazioni di stile di artisti come, tra gli altri, Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Sergio Lombardo, Fabio Mauri, Mario Geroli, attivi sulla scena romana, accanto a personaggi della statura di Jannis Kounellis o Pino Pascali. Sul versante torinese, saranno da confrontare le proposte di Ugo Nespolo, Aldo Mondino, Piero Gilardi, Michelangelo Pistoletto, Antonio Carena, e così via. Sullo sfondo, esempi delle ricerche "pionieristiche" di Mimmo Rotella ed Enrico Baj. Attraverso il saggio introduttivo, e con l’ausilio delle biografie degli artisti, si è voluto rileggere il fenomeno della pop art; da un lato, ripercorrendo la cronaca di quegli anni, alla ricerca di incroci e corrispondenze dirette con l'arrivo e l'esplosione del fenomeno pop americano, in particolare sul suolo italiano; dall'altro, rimettendo a fuoco la provenienza culturale e linguistica degli artisti italiani, evidenziandone contiguità e differenze rispetto agli episodi internazionali. Interventi di Dario Franceschini, Giandomenico Genta e Maurizio Cibrario.

Il volume documenta la prima tappa dell'iniziativa Open, un tour di eventi espositivi, promosso da fondazione Cariplo e in partenariato con le fondazioni di comunità locali, che intende portare il patrimonio artistico dell'ente milanese in tutta la Lombardia e nelle province del Verbano-Cusio-Ossola e di Novara. La Fondazione comunitaria della provincia di Cremona ospita, presso il locale Museo Ala Ponzone, in collaborazione con il comune di Cremona, il primo evento espositivo dell'iniziativa Open, che raccoglie una scelta di opere provenienti dalle collezioni della fondazione Cariplo e dallo stesso museo cremonese. E propone un percorso incentrato sul paesaggio, che trova filoni paralleli nelle due collezioni, dando luogo a un suggestivo e per tanti versi appassionante viaggio in tre secoli di pittura, dove ogni sosta è la rivelazione di un mondo. Una rassegna di oltre quaranta opere, tra cui dipinti di Alessandro Magnasco, Gaspar van Wittel, Felice Giuseppe Vertua, Pietro Ronzoni, Giuseppe Canella, Emilio Gola, che può destare la curiosità di chi voglia seguire i diversi sviluppi di questo genere pittorico e soprattutto scoprire - in maniera davvero inattesa - piccoli capolavori. Contributi di Giuseppe Guzzetti e Cesare Macconi.

Parte della ricerca più recente di Matteo Negri abbandona la composizione tridimensionale e sposta l’indagine dall’oggetto al piano. I volumi lasciano il posto a sculture basate su formati bidimensionali che si intersecano tra loro, tra rifrazioni, moltiplicazioni e inciampi dello sguardo. L’astrazione formale è necessaria all’artista per il nuovo orizzonte della sua sperimentazione: la forma diventa un’area liminale che permette di scoprire l’opera come qualcosa di non distinto dal mondo che la contiene, ma piuttosto come un luogo di configurazione, di ridefinizione del mondo stesso.