Silvana: Cataloghi di mostre

Il volume è dedicato all'opera dell'artista svizzero Daniel Spoerri (1930), fondatore della "Eat Art" - termine coniato nel 1967 con cui Spoerri intendeva avviare una riflessione critica sui principi fondamentali della nutrizione, in rapporto al valore spirituale dell'uomo. Attraverso la poetica di Spoerri che si lega al tema di Expo 2015 - il volume illustra l'attrazione continua dell'umanità nei confronti dell'epocale tema del cibo, visto come interfaccia fondamentale fra arte e vita. Le opere qui presentate vanno dal primo periodo di sperimentazione legato alla rivista "Matérial" (1955-1961), quindi ai multipli cinetici, e poi ai celebri tableaux-pièges, assemblaggi di oggetti di uso quotidiano incollati a supporti e ribaltati nell'orientamento, fino alla scultura in bronzo e alla ricerca in campo grafico. Il volume, che accoglie numerosi testi critici e un'intervista all'artista, è completato da un'appendice documentaria, con lettere che mostrano i rapporti fra Spoerri e altri artisti contemporanei, le ricette dell'artista, i suoi appunti e menù a partire dal ristorante Spoerri di Düsseldorf (1968) fino al Bistrot di Santa Marta (Fondazione Mudima, Milano 2014). Completano il volume apparati biografici.

Ottavio Mazzonis (Torino, 1921-2010) è stato un artista del Novecento piemontese. Cresciuto in un contesto culturale ricco di stimoli, sviluppò sin da giovane una propensione non solo alla pratica artistica, che diverrà presto la sua attività principale, ma anche un profondo interesse per la storia dell'arte, che porterà alla nascita di una personale collezione. Il volume raccoglie così una selezione di opere del maestro, affiancate a pezzi della sua personale collezione, messe in dialogo con opere pittoriche e scultoree dal Barocco al Rococò europeo con incursioni nella produzione piemontese degli ultimi decenni dell'Ottocento, che furono fonte viva d'ispirazione per la sua produzione artistica.

Un ex laboratorio vetraio nel centro di Roma, nel cuore del rione Trastevere, diventa uno spazio dedicato all'arte. Un luogo in continua trasformazione che ha coinvolto i più importanti nomi dell'arte contemporanea. Un modus operandi che si applica ai più diversi contesti, legando arte e architettura. Un libro per immagini che ne racconta la storia - dal 1997 a oggi - raccogliendo le testimonianze di alcuni illustri protagonisti, tracciando il percorso di un'avventura privata che acquista rilevanza pubblica.

Jing Shen significa forza interiore, ma anche consapevolezza del gesto. Gesto che conferisce all'atto del dipingere nella cultura cinese un senso unico e profondo. Il volume presenta le opere - tra quadri, grandi installazioni, disegni, rituali, sculture e video - di oltre 20 artisti cinesi di diverse generazioni, con l'intento di analizzare la specificità del loro gesto pittorico, le tensioni e le integrazioni fra eredità artistica e influenze internazionali, dando vita a un nuovo canone di comprensione dell'arte contemporanea cinese. Dal modo in cui la pittura può nascere e dialogare con la quotidianità al rifiuto di "chiudere" un dipinto in una sintesi tra tela e immagini in movimento, all'applicazione della ripetizione e della velocità nella creazione e continua ri-creazione dell'immagine pittorica. Il volume offre così una chiave di lettura per svelare legami nascosti tra la tradizione artistica e le specificità dell'arte contemporanea in Cina.

La chiesa di Santa Maria in Cappella a Trastevere ha le sue fondamenta sulle sponde del Tevere, dove fin dall'epoca romana sorgeva l'importante porto di Ripa Grande. Il volume, nel presentare i materiali di scavo e di arredo presenti nella chiesa e recuperati - dal rarissimo altare medievale scolpito agli arredi più recenti - narra la lunghissima avventura di questo luogo, dalla consacrazione di Urbano II del primo nucleo sacro proprio sul limite del Porto, all'Ospitale fondato dalla famiglia di Santa Francesca Romana, che la leggenda vuole fosse collocato nella navata di destra. Si passa, poi, alla trasformazione in Villa barocca dei Pamphilj, protagonista la celeberrima 'Pimpaccia', e si chiude con la moderna trasformazione in Ospedale/Casa di riposo per anziani poveri.

La monografia è dedicata a Giorgio Conta (Trento, 1978), artista trentino che si è affermato nel panorama culturale italiano e internazionale praticando sia la pittura, sia la scultura. Figlio d'arte - il padre Livio è uno dei più affermati scultori trentini - Giorgio Conta ha frequentato la scuola d'arte di Ortisei, con giovani maestri come Walter Moroder, Peter Demetz e Gehard Demetz. Giorgio Conta porta avanti il suo lavoro su più livelli, alternando la sua attività tra opere pubbliche, legate anche al mondo ecclesiastico, e una produzione "laica", in cui finora si è segnalata soprattutto la serie di ritratti di jazzisti. Il volume, con i testi di Valerio Dehò, Max Castellani e Luigi Marsiglia, è completato da testimonianze critiche e apparati biografici.

Il volume indaga, sulla scia delle suggestioni tematiche di Expo 2015, il rito conviviale della tavola, evocando al contempo spaccati di vita quotidiana nel corso dei secoli. Attingendo alle ricchissime raccolte di arte decorativa di Palazzo Madama, e partendo dalla presentazione di tavole allestite con suppellettili di varie epoche (basso Medioevo, Rinascimento, Seicento, Settecento, Ottocento e Novecento), il volume racconta la vita di tutti i giorni in ciascun periodo, con oggetti d'uso, strumenti musicali, libri, giochi di società, abiti, monili, elementi di arredo. Si giunge ai giorni nostri con la presentazione di opere di artisti contemporanei sul tema della tavola del futuro.

In occasione della donazione di un autoritratto di Gianfranco Ferroni intitolato "Senza Resurrezione" - alla Galleria degli Uffizi, viene pubblicato questo volume, che offre una visione puntuale e aggiornata sulla figura del maestro (Livorno, 1927 - Bergamo, 2001). L'ampio saggio accolto nel testo ricostruisce i momenti salienti della parabola umana e artistica di Ferroni; segue la presentazione di una selezione di sue opere, particolarmente evocative della sua produzione, caratterizzata da una sensibilità lirica, in cui l'attenzione al rapporto fra luce e ombra, e la dimensione di solitudine giocano un ruolo fondamentale per comprenderne la poetica. Il volume, introdotto da Antonio Natali, è completato da una biografia.

Come per Joseph Beuys (Krefeld, 1921-Düsseldorf, 1986) così per Salvatore Scarpitta (New York, 1919-2007) determinante nella loro ricerca artistica è stata la loro biografia, soprattutto l'esperienza della seconda guerra mondiale che li ha visti drammaticamente coinvolti, anche se su fronti e schieramenti opposti. Entrambi artisti energetici e multidisciplinari, hanno amalgamato l'arte con la vita nel tentativo di cambiare la società e cercando di andare, attraverso l'ispirazione artistica, oltre la materialità in un mondo ricco di elevati valori spirituali. Il volume, con un saggio di Luigi Sansone, approfondisce l'opera dei due artisti mettendola in relazione l'uno con l'altro, e offrendo così interessanti spunti di riflessione su due protagonisti del Novecento. Completano il volume apparati biografici.