Silvana: Cataloghi di mostre

Marco Borgianni (Vico Val d'Elsa, 1946) è un artista che si è imposto con determinazione agli occhi del collezionismo e della critica nella sua lunga carriera, dal 1965 a oggi. Questo volume accompagna un'importante monografica allestita a Siena, che vuole offrire la sintesi più completa del suo percorso artistico. Partendo dallo studio dei classici antichi, Borgianni ha esplorato metodicamente due ambiti, ovvero la rappresentazione della natura e lo studio della figura umana. In Marco Borgianni - come dichiara Antonio Paolucci nell'introduzione - la Bellezza abita la vita, affermazione evidente nelle opere qui raccolte, che offrono una reinterpretazione pittorica della scultura, spaziando da Jacopo Della Quercia, all'arte etrusca e greca, a Michelangelo, fino agli artisti contemporanei. Il volume accoglie testi critici ed è completato da apparati biografici.

Il progetto "At first light" illustra come tre artisti, che iniziarono ad operare tra gli anni ottanta e novanta, si sono confrontati con una problematica originaria che, dalle riflessioni dell'Abate Sugerio a Saint-Denis, si interroga sul rapporto fra luce e materia. Gli artisti sono il britannico Ian Davenport (1966) un giovane terribile alla ricerca "del e sul" colore, la svizzera Anne Blanchet (1947), candida incantatrice di luminosi grafemi diafani e il romano Domenico Bianchi (1955), eterno viaggiatore alla scoperta dell'eleganza del ritorno alla materia-pittura. Un percorso nell'arte contemporanea che sfonda nella concettualità pura, quasi come filosofia, e che invita a una riscoperta di ciò che sta all'inizio, at first, della fruizione delle Arti Visive, Light...

Il volume offre una panoramica ricca ed esaustiva sull'età del Barocco nel territorio di Novara, attraverso la presentazione di opere realizzate tra il 1630, anno dell'arrivo della peste nel nord Italia, e il 1738, anno in cui il territorio del novarese passa ai Savoia. La produzione artistica locale, che subisce una battuta di arresto a seguito del diffondersi del morbo, evidenzia una ripresa solo a metà del secolo successivo con Antonio Busca e Dionigi Bussola, promotori della Seconda Accademia Ambrosiana, Gianoli, Giorgio Bonola, Giuseppe Zanatta, mentre sul lago Maggiore, grazie ai floridi interessi dei Borromeo prospera la pittura di impronta milanese. Verso la fine del XVII secolo personalità singolari traghetteranno il novarese verso il nuovo secolo: Filippo Abbiati, Carlo Francesco e Giuseppe Nuvolone, Federico Bianchi, narratori esperti che, nei guizzi delle loro pennellate svelte, daranno il la ai filamenti luminosi del Settecento. Il volume, introdotto da un saggio di F. Gonzales e A. Bava, è completato da apparati bibliografici.

Se la fama di Antonio Canova (1757-1822) rimarrà sempre legata ad alcuni indiscussi capolavori, la cui estrema finitezza formale riesce miracolosamente a infondere nel marmo il palpito lieve della vita, la sua straordinaria raffinatezza emerge in modo nitido anche nelle opere che ne documentano il processo creativo. Il catalogo ci conduce, infatti, all'origine del mito, accostando alle sculture le terrecotte e i preziosi gessi provenienti dalla Gipsoteca di Possagno, ma anche schizzi autografi, tempere e dipinti a olio. Non solo soggetti aulici, ma anche temi apparentemente più leggeri e in qualche modo frivoli - anzitutto le leggiadre danzatrici, "le più belle fra tutte [...] poiché sono fluide come il pensiero" (Johann Winckelmann) dimostrano che grazia e sublime possono coincidere, realizzando l'ideale estetico di una sottile bellezza filtrata dall'intelletto.

Il catalogo della mostra "Pane e vino. Tracce del mistero eucaristico nella pittura a Como dal XVI al XVIII" secolo è dedicato a trenta opere - tra dipinti e affreschi dal XVI al XVIII secolo - scelte all'interno del patrimonio artistico comasco per il loro contenuto esplicitamente eucaristico o per la presenza di segni e simboli che rimandano a quel mistero. Il filo conduttore del volume è infatti l'eucarestia, come si trova rappresentata o evocata nei dipinti che arricchiscono le chiese di Como e della sua provincia, a memoria di un popolo di fedeli desiderosi di abbellire e impreziosire i propri luoghi di culto con immagini ricche di significato teologico.

Il volume viene pubblicato per accompagnare la partecipazione dell'Iran alla 56 edizione della Biennale di Venezia: un'occasione importante che consente agli artisti iraniani, all'interno del padiglione dedicato, di confrontarsi positivamente con le correnti internazionali, mettendo in luce la propria capacità espressiva. Il volume, con un saggio di Marco Meneguzzo, presenta così le opere di artisti iraniani insieme a quelli provenienti da Afghanistan, India, Pakistan e Iraq, con l'intento di offrire un'immagine appropriata della cultura, della storia e dell'identità di questo antico Paese, che sta assumendo un ruolo sempre più fondamentale di mediazione per garantire equilibrio nel contesto geopolitico del Medioriente.

Il volume, edito in occasione della Biennale di Venezia 2015, rende omaggio a un protagonista dell'arte del XX secolo, Roberto Sebastián Matta. Nelle sue sculture, l'artista richiama ogni tradizione pre-esistente: l'idolo totemico delle civiltà antiche di derivazione inca o atzeca si fonde con la divinità feconda e naturale del popolo etrusco, insieme agli spunti derivati dallo studio sull'arte oceanica, primitiva e africana, in una continua ricerca delle radici della storia dell'umanità. I tempi, le forme, le culture: tutto si amalgama, giunge a nuove unità e trasmette insolite visioni. Ma così come nella pittura, anche nella scultura la memoria del passato, dell'origine, si compenetra con visioni avveniristiche d'ispirazione tecnologica, sospendendo il risultato in un tempo magico, in uno spazio altro, quasi atemporale: una nuova dimensione, per l'appunto, dove il mondo immaginato, l'opera creata dalla mente, non è meno reale della realtà stessa. Il volume, con testi critici dedicati all'artista, è completato da apparati biobibliografici.

Il volume raccoglie una trentina di scatti, per lo più inediti, realizzati dal fotografo Aurelio Amendola a Roy Lichtenstein nel suo studio di Appington, nei pressi di New York, nel 1977. Il reportage fotografico, inizialmente destinato - insieme ad altri scatti realizzati nella Factory di Warhol - alle pagine del settimanale "Oggi", offre l'occasione di leggere e apprezzare una tra le più interessanti e significative testimonianze fotografiche mai realizzate sul lavoro di Roy Lichtenstein. Aurelio Amendola, fotografo che nel corso della sua carriera ha immortalato alcuni tra i principali protagonisti dell'Arte del Novecento eseguendo, tra gli altri, indimenticabili e iconici ritratti di Giorgio De Chirico, Arnaldo Pomodoro, Andy Warhol, Mario Schifano e Alberto Burri, abbandona il consueto bianco e nero per dedicarsi al colore, restituendo la febbrile vivacità dell'atelier dell'artista.

La monografia, la prima in lingua italiana dedicata al grande artista spagnolo e corredata dalle schede delle opere presenti nella mostra organizzata nel Palazzo Chiericati a Vicenza, affronta una delle più affascinanti vicende artistiche della pittura contemporanea, quella di Antonio López García, unanimemente riconosciuto dalla critica come uno dei maggiori artisti viventi. Il libro racconta questo straordinario pittore in tutto lo svolgersi del suo percorso e della sua produzione, composta da quadri, sculture e disegni; un percorso iniziato negli anni cinquanta - del 1957 è la sua prima personale - e da sempre caratterizzato da uno straordinario amore per gli aspetti più semplici e intimi della realtà e da una altrettanto straordinaria coerenza e fedeltà al proprio linguaggio artistico.

Il volume è un omaggio alla figura di Alessandro Mendini (Milano, 1931), architetto e designer tra i più celebri a livello internazionale. Sono oltre ottanta le opere presentate tra dipinti, disegni, progetti, sculture, mobili, oggetti d'arredo creati dall'inizio degli anni settanta sino a oggi, in un percorso che si caratterizza per una serie di incontri e contaminazioni con grandi esponenti della letteratura, del design e dell'arte. Ogni capitolo fa riferimento a un autore che Mendini considera parte integrante del suo processo creativo, ovvero Marcel Proust, Ettore Sottsass, Kazimir Malevich, Alberto Savinio, Frank Stella e Maurizio Cattelan. Come afferma il curatore Alberto Fiz "non c'è alcuna forma di anacronismo o di citazionismo fine a se stesso, ma ogni volta si sviluppa una differente forma di empatia". Emblematico è il caso di Marcel Proust, a cui è legata una delle opere più famose di Mendini, la Poltrona Proust del 1978, o Kazimir Malevich, la cui teoria del colore viene applicata da Mendini a Neo Maleviè, una scultura in cartapesta dipinta a mano. Il volume accoglie un saggio di Alberto Fiz, un contributo critico di Daria Jorioz e una raccolta di testi di Alessandro Mendini.