Cambiaunavirgola

Il libro inaugura la collana "I solventi", un progetto di Pasquale Polidori dedicato alla scrittura come medium, risvolto e componente integrante dell’opera d’arte così detta plastica o visiva. Questo primo volume contiene una scelta di testi provenienti dalle opere di Jean Le Gac per la prima volta tradotti in italiano dallo stesso Polidori, in contatto diretto con l'artista francese. Composti tra il 1971 e il 2004, lungo fasi diverse di un percorso poetico incentrato sulla pittura come esperienza e oggetto di finzioni, questi testi hanno avuto una funzione particolarmente cruciale all'interno di opere che comprendono fotografie, disegni, dipinti e lavori editoriali. Il libro, corredato da una fascetta e da un piccolo manifesto, è stampato in 450 copie numerate e confezionato come un vero e proprio oggetto d'arte.

Ferruccio De Filippi è uno dei principali interpreti dell’arte concettuale a Roma, partecipe delle rassegne internazionali quali la VIII Biennale di Parigi e “Italy two. Art around ‘70” al Museum of the Philadelphia Civic Center. Ha attraversato gli anni Settanta dando vita a un percorso personale il cui perno cruciale è il disegno, intrapreso nella pratica quotidiana. Il volume, con un testo critico di Diletta Borromeo, presenta una raccolta selezionata dei disegni che seguono le prime due serie "La strada del latte", esposte a Roma presso la Galleria La Salita nel 1977. Tramite questi disegni, raffiguranti per lo più soggetti umani (“le folle”), l’artista elabora le istanze sollevate dalla filosofia e dall’antropologia in quegli anni e mette a punto, non ultima, una sintesi di materia, spazio e movimento che approda a una nuova concezione di pittura. «È sulla superficie che formiamo l’arte-ficio – afferma De Filippi – ed è lì che ci diamo appuntamento».

Un’avventura della poesia e della canzone italiane degli anni Sessanta e Settanta, quando poeti e scrittori come Calvino, Fortini, Pasolini, Moravia cominciano a ragionare intorno alla necessità di utilizzare la canzonetta leggera, la musica, il mercato del vinile per creare prodotti di altissima qualità e popolari insieme: fare in modo che i poeti e i musicisti si approprino di tale mezzo per fondare una canzone d’autore che parli della realtà del mondo e degli uomini e che non necessariamente debba essere sciocca per essere di successo. Siamo agli albori della storia della canzone autoriale. Da qui le esperienze pionieristiche di Cantacronache, la collaborazione Endrigo-Pasolini, Pasolini stesso autore di testi per canzonette come “Cosa sono le nuvole” cantata da Modugno, gli spettacoli di Paolo Poli e Laura Betti e i loro tentativi di creare in Italia una canzone coraggiosa, utilizzando testi appositamente scritti da Arbasino, Parise, Flaiano, Soldati ecc. fino alla collaborazione irripetibile tra Roberto Roversi e Lucio Dalla. Mai più il disco sarà così strumento di conoscenza e immaginazione. All’interno le copertine a colori dei vinili più emblematici.

"L’altra fontana" propone un’inedita interpretazione dell’Orinatoio di Duchamp, basandosi sull’intreccio dei dati biografici delle persone coinvolte nell’operazione di Duchamp, nonché sull’analisi dei pochi e fondamentali elementi linguistici che caratterizzano il ready-made: la firma dello pseudo-autore e il titolo dell’opera. Al centro dell’argomentazione, vi è il rapporto di amicizia tra Marcel e Charles Demuth, il pittore americano che fece conoscere a Duchamp la vita eccitante e spensierata delle strade di New York. "L’altra fontana" è in gran parte un saggio di storia dell’arte, e per il resto una febbrile storia d’amore, cessi pubblici e rivalsa della pittura contro la ragione linguistica.

Nel volume "Luigi Battisti 1989-2019" (a cura di Francesca Gallo) per la prima volta si documenta e analizza la ricerca dell'artista, attivo a Roma dagli anni Novanta dopo essersi formato all'Accademia di Belle Arti dell'Aquila. Partito da una certa vicinanza al Neo-Geo, Battisti intraprende un percorso autonomo nella pittura che fedele all'astrazione lo conduce verso un'indagine sull'acquerello, il pastello, l'olio, con una predilezione per la carta, le grandi dimensioni, la serialità idealmente infinita e il rapporto dialettico fra la bidimensionalità della pittura e l'attrazione dello spazio concreto, con le installazioni. Nato dalla antologica "Luigi Battisti. Opere 1992-2019", presso il Museo Laboratorio d'Arte Contemporanea della Sapienza (novembre 2019), oltre al saggio della curatrice, il libro raccoglie i testi di Luca Casadio, di Lucilla Meloni e un'intervista all'artista di Arianna Desideri.

Tra i migliori e più autentici episodi dell’arte contemporanea si contano quelli accaduti in clandestinità, nel retro degli apparati, o negli scantinati o nelle case private, di nascosto da istituzioni e comitati di amministrazione, e la cui ricostruzione e testimonianza è già impresa di lotta. Diviene meravigliosa e commovente anzi la storia dell’arte contemporanea, soprattutto lì dove è stata, ed è tuttora, storia di clandestinità, di sotterfugio, di fuga, di elusione. Lungo questa direttrice si è svolta "Tecniche d’evasione. Strategie sovversive e derisione del potere nell’avanguardia ungherese degli anni ‘60 e ‘70" (Roma, Palazzo delle Esposizioni, 4 ottobre 2019 - 6 gennaio 2020), la mostra in occasione della quale ha preso vita questo libro. Per rendere più facilmente leggibili queste strategie, queste tecniche d’evasione, come in un manuale di sopravvivenza o guerriglia clandestina si è deciso di selezionare sei modalità, che appunto illustrano sei straordinarie tattiche per sfuggire ai controlli, stordire la censura, eludere il potere, deriderlo, lasciarlo interdetto, ma soprattutto per custodire e proteggere la propria fedeltà all’arte e il proprio sogno d'artista.

Un giovane di ventuno anni – tale è Giacomo Leopardi quando scrive l’Infinito – ci indica da subito la parabola irrimediabile e spettacolare del proprio destino, a cominciare da quel "Sempre", dopo il quale tutto sarà solo vertigine e precipizio. Questo saggio, tutto dedicato al primo verso dell’Infinito di Leopardi, in occasione del bicentenario dalla stesura, procede esso stesso per voragini, smottamenti, cadenze irregolari. I due curatori indagano la vicenda del verseggiare di Leopardi, la sua capacità di far franare tutto: le parole, le cose, i moti, i sentimenti. Nel primo verso c’è già l’intera avventura poetica di Leopardi fino al mare impietrato del Vesuvio, passando per le steppe dell’Asia minore: l’ermo colle è profezia di una scelta inesorabile, una fedeltà al deserto. Dal primo grande momento di affezione al precipitare nell’abisso del tempo e nel segreto dell’anima, del ricordare, per lutto e perdita, dalla speranza e consolazione dell’infinito, al sedere contemplando il nulla, Leopardi sceglie il naufragio come condizione irreversibile. Una nota finale di Fabrizio M. Rossi rende omaggio alle edizioni a stampa dell’Infinito e ne ricostruisce la storia tipografica.

"Elvira, Liliana, Doina, Mara, Nevresa, Andrijana e Simona ci raccontano del loro quotidiano, delle mille difficoltà che incontrano a vivere, a crescere i figli, e persino solo a sopravvivere. Ma nelle loro storie c'è anche un'altra partitura, quella luminosa delle relazioni con quegli esseri umani che le accolgono e ne sostengono i diritti, con i contesti che promuovono la loro integrazione, con le associazioni che si impegnano perché vengano riconosciuti anche ai rom la pari dignità, le pari opportunità e il pari accesso all'eccellenza conoscitiva, ovvero le colonne di quel tempio che chiamiamo uguaglianza". (Dalla prefazione di Moni Ovadia). Sette donne, sette interviste, sette racconti di un viaggio - promosso da Arci Solidarietà Onlus attraverso il progetto Or.me. - verso l'integrazione sociale attraverso esperienze di tirocinio e lavoro. E, accanto, le voci degli operatori socio-sanitari che le hanno accompagnate in questo cammino. La metà del ricavato sarà devoluta ad Arci Solidarietà Onlus e utilizzata nei percorsi di inclusione delle donne rom, l'altra metà sarà reinvestita dall'associazione Spazio etico nei progetti di editoria sociale di Cambiaunavirgola.

"I turisti si recano in Africa e guardano senza vedere, intendono senza ascoltare, fotografano senza capire, sfiorano senza toccare. I protagonisti di questo libro sono invece viaggiatori, ossia persone alla ricerca, amanti dell'incontro e poeti dell'ignoto. Il viaggiatore non cerca risposte ma si lascia interrogare e suggestionare dalle persone e dalle cose. In questo viaggio non si cammina sulle strade dell'Africa. Si cammina sulle strade dell'incontro con l'altro, colto nel suo mistero che si rivela solo all'occhio che sa fermarsi sulla soglia. In questo viaggio, le persone e le situazioni non sono idealizzate né demonizzate. Sul filo del racconto le storie, i contesti culturali, le sofferenze sociali, le contraddizioni e le speranze sfilano agli occhi del lettore dentro la loro densità esistenziale." (dalla prefazione di Jean-Léonard Touadi). Il libro è impreziosito da oltre 80 fotografie a colori scattate dall'autore durante il viaggio.

Il volume è una passeggiata – verbale e visiva – tra alcuni dei casi più significativi e spettacolari di copertine e di esperimenti sulla forza di un libro, ancora prima che sia aperto e letto: una serie di esempi per una storia del potere e della bellezza delle copertine dei libri, nell’ambito dell’editoria italiana dal 1950 a oggi. Dalle leggendarie copertine di Bruno Munari alle esplorazioni visive di Luigi Veronesi e Armando Testa, fino alle copertine espressamente concepite da grandi artisti come Schifano, Boetti, Rotella. Vi si raccontano poi le scelte eccezionali legate a vesti editoriali desiderate e indicate da scrittori come Calvino, Gadda, Morante, Manganelli, Landolfi, spesso con l’intento di trasmettere messaggi intimi, proibiti, o di alludere e colpire pericolosamente il lettore, costituendo già dalle copertine un'araldica speciale di libri come pietre, bombe o fiori. Un caso a sé, unico e assoluto per intransigenza e potenza iconica, è quello di J.D. Salinger e delle indicazioni per la veste editoriale del suo libro; nel volume è ricostruita anche la tormentata vicenda visiva italiana del "Giovane Holden". Il libro contiene più di 40 immagini a colori.

In maniera poetica Pier Paolo Pasolini utilizza l’espressione «razza sacra» per indicare tutta quella umanità che resiste all’omologazione, alla religione della merce, alla perdita della propria unicità. In particolare in «razza sacra» è contenuto il concetto di negritudine, che gli sarà molto caro; e cioè i diversi, i non integrati, gli sconfitti, i poeti, le donne, i bambini, coloro che si ostinano a custodire o testimoniare un’altra concezione della vita e della civiltà. Questo libro è una ricognizione intorno al mondo femminile pasoliniano: le donne hanno insegnato a Pasolini un modello di comportamento poetico e civile, l’importanza di non accettare compromessi, di restare fedeli a se stessi. La madre Susanna, Giovanna Bemporad, Silvana Mauri, Elsa Morante, Laura Betti, Anna Magnani, Silvana Mangano, Maria Callas, Amelia Rosselli, Anna Maria Ortese... amori e amicizie che hanno costituito esempi di resistenza al mondo corrente, insegnando una poesia coraggiosa, fieramente diversa e sempre in rivolta. Il femminile, dunque, come genealogia d'intelletto, come percorso di intimità, solidarietà, complicità, che ha costituito per Pasolini una vera e propria patria sognata.