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Questo libro contiene il primo e tutt’ora unico studio completo della storia degli stili cinematografici, la prima vera analisi della relazione tra stili cinematografici e tecnologie del cinema, metodi innovativi per l’analisi formale del film e una dimostrazione del loro uso, un nuovo approccio pratico alla teoria del cinema e l’applicazione di quanto elencato finora all’analisi e valutazione dei film di Max Ophuls, il tutto supportato da 183 immagini in bianco e nero e numerosi grafici, tabelle e istogrammi. Barry Salt documenta l’evoluzione della tecnologia cinematografica nel corso dei decenni, osservando i film con occhio tecnico e descrivendone i cambiamenti. La raccolta di informazioni su macchine da presa, obiettivi, luci e pellicole è vastissima, così come è corposo il repertorio di fotogrammi tratti dai film che Salt usa come esempi pratici delle diverse tecniche di illuminazione, delle inquadrature possibili o delle altre scelte a volte studiate e ragionate, altre obbligate dalle possibilità tecnologiche del periodo, che hanno lasciato un segno nella storia del cinema.

Con questa intervista, pubblicata in Repubblica Ceca nel 2014, il cineasta ceco Bohdan Sláma ripercorre i tratti salienti del percorso creativo di Miloš Forman. Il dialogo tra i due cineasti è una conversazione spigliata, informale, ricca di aneddoti e ricordi che ci porta avanti e indietro lungo le tappe della carriera dello sceneggiatore e regista cinematografico ceco. Dai primi capolavori degli anni Sessanta, che segnarono il "nuovo corso" del cinema cecoslovacco, passando per la formazione praghese, arrivando infine agli aspetti cruciali della produzione statunitense di Forman, il dialogo ci permette di entrare nel vivo dell’arte, del mestiere e della personalità del regista di Qualcuno volò sul nido del cuculo.

Un’autobiografia in versi, dalla letterina di Natale del 1980 alla prospettiva di una morte ormai non più così lontana. Daniele Timpano ripercorre quarant’anni di scrittura compulsiva: frammenti poetici, teatrali e politici si intrecciano in un flusso ritmico e sghembo, ostinato e sincero. Poemi focomelici è il racconto di un’esistenza in versi irregolari, un pensiero che si agita nel corpo e nella voce, tra ironia, inquietudine e riscritture maniacali. Una vita che si fa metrica. Forse. Il volume appartiene a una serie di pubblicazioni curata e diretta da Dario Tomasello.

La cinefilia era una passione francese. Guardare film, ma anche discuterne, scriverne, incontrarne i registi, fondare riviste, dare vita a cineclub, riunirsi, litigare: è così che i grandi cineasti del ventesimo secolo sono diventati famosi a Parigi tra la Liberazione e il 1968. Antoine de Baecque dipinge qui i ritratti di questi giovani ‘appassionati del cinema’ che sono diventati critici, cineasti, scrittori, giornalisti e figure leggendarie della storia della settima arte: André Bazin, Eric Rohmer, Henri Langlois, François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Claude Chabrol e Serge Daney, tra gli altri. Questi cinefili hanno offerto una prospettiva diversa sulle idee, sulle arti e sui grandi dibattiti degli anni Cinquanta e Sessanta. Sulla base di un esame di archivi privati, tesori cinematografici e riviste, questo saggio ricostruisce la profondità dei contesti intellettuali e politici e offre la prima panoramica della cinefilia francese nel suo periodo d’oro.

La fine di un secolo di grandi trasformazioni politiche, scientifiche e sociali come l’Ottocento, portò con sé anche la necessità di un rinnovamento teatrale che oltrepassi le convenzioni del teatro classico e della Comédie-Française. Partendo da questo presupposto, in Il naturalismo a teatro Zola analizza funzioni e problemi del teatro in modo strutturale, esaminando sia istituzioni (attori e operatori teatrali, costumi e scena, critica e pubblico) che paradigmi drammaturgici (tragedia, commedia, pantomima, vaudeville): ne esce la ricerca appassionata e affascinante di un nuovo modello, capace di ridare al teatro quel ruolo di vera e propria mimesi della realtà in cui «l’illusione teatrale deve sparire dalle scene» e dove primaria importanza sia «non ciò che si dice, ma ciò che si fa», lezione che farà sua uno dei più importanti protagonisti del teatro del Novecento come Artaud.

Josef von Sternberg offre, in questa autobiografia, non solo la storia della sua vita, ma anche uno sguardo senza filtri su un’industria cinematografica in cui avere il completo controllo sulla propria opera sembra sempre più un lontano miraggio. Dai primi approcci al cinema fino a quelli che possono essere considerati gli anni d’oro della sua carriera, e con particolare attenzione alla delicata transizione tra il cinema muto e quello sonoro, Sternberg delinea infatti una propria poetica del cinema costellata da rapporti difficili con produttori e attori, costrizioni economiche e concessioni continue. Ma al centro di tutto, la sua visione rimane solida e quasi insolente, ed emerge in queste pagine in tutta la sua forza.

Tra i più importanti registi teatrali del Novecento, la fama di Tairov ha tuttavia vissuto fortune alterne: schiacciato tra Stanislavskij, creatore del Metodo per l’attore, e Mejerchol’d, ideatore della biomeccanica e iconico martire del regime sovietico, per Tairov il teatro è innanzitutto l’arte dell’attore, e dedizione e cura dei dettagli scenici. Grazie anche all’apporto dell’attrice Alisa Koonen, sua musa e compagna, il suo teatro riuscirà a ritagliarsi un importante spazio tra i diktat del regime, con capolavori come le messinscena di Fedra (1922), Desiderio sotto gli olmi (1926) e Tragedia ottimistica (1933). Il volume, con un ricco apparato iconografico, non solo racconta la parabola artistica di Tairov, la vita e la fortuna dei suoi spettacoli, ma riporta anche alcune sue preziose lezioni per gli aspiranti attori.

Nel volume vengono rubricate tipologie di verosimile magico e disadorno (Bergman), o assurdo e gesuitico (Buñuel). Il bellico risiede in Jancsó, il malizioso – e periclitante… – naturalmente in Lubitsch, persino ‘a montagne russe’ in Tarantino. [...] A conti fatti: tipologie annoverate, una quarantina, ma film allineati e commentati quasi dieci volte tanti. Fatte le debite proporzioni, del resto, sembra calzare a pennello a questo lavoro la conclusione che Luigi Russo applicò al De Sanctis della Storia della letteratura italiana: potreste capovolgere ad uno ad uno tutti i suoi giudizi, ma l’insieme vi opporrà una resistenza totale e inesorabile. Dalla Prefazione di Nuccio Lodato

Alla base di questo progetto dedicato a Marivaux vi è la costatazione di una lacuna editoriale: rare sono le traduzioni delle sue opere e quasi tutte irreperibili. Del resto, poche delle sue pièces giungono alle scene italiane. La prima finalità del lavoro è far conoscere la produzione di un classico francese, che ha composto buona parte delle sue commedie per il Théâtre Italien di Parigi e che proprio alla tecnica, molto apprezzata, dei comici italiani si ispirò per costruire il proprio stile, sempre di una modernità dirompente. Testi pubblicati per le scene italiane, affiché ne offrano una interpretazione per il pubblico di oggi. Questo quarto volume comprende opere che si inscrivono in generi diversi, dai contorni spesso volutamente sfumati: commedie allegoriche, commedie di ispirazione spagnola o riecheggianti gli intrecci della tradizione dell’Arte, tragedie. Di quasi tutte la traduzione italiana è qui proposta per la prima volta.

Gli dèi sono stati convocati, ma non è chiaro da chi: Zeus ha solo diramato gli inviti, ma l’ordine viene da più in alto e più in alto di Zeus, si sa, c’è una cosa sola: il fato. Non vivono più nell’Olimpo, gli dèi. Un lentissimo invecchiamento ha preso anche loro: non possono morire, ma sono letteralmente consumati dal Tempo. Un dubbio si è insinuato tra di loro: — Sono gli dèi che hanno creato gli uomini o sono gli uomini che li hanno generati? Rosi dal dubbio, indeboliti dalla noia, dall’oblio e dalla mancanza di fede, si sono fatti sempre più incerti e fragili. Un romanzo figlio dello spettacolo che Francesco Niccolini ha scritto per il Quadrivio.

Tra i protagonisti insieme a Ozu e Kurosawa dellʼepoca dʼoro del film giapponese, Mizoguchi ha saputo lasciare un segno indelebile nella storia del cinema mondiale. Dagli esordi degli anni Venti fino ai grandi successi internazionali degli anni Cinquanta come Vita Di O-Haru, donna galante e I racconti della luna pallida d’agosto, il volume, analizzando in maniera scrupolosa i film, lo stile e i temi cari a Mizoguchi, ripercorre la parabola artistica del grande regista, capace con le sue opere di creare un ponte tra Oriente e Occidente.