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Tra i più importanti registi teatrali del Novecento, la fama di Tairov ha tuttavia vissuto fortune alterne: schiacciato tra Stanislavskij, creatore del Metodo per l’attore, e Mejerchol’d, ideatore della biomeccanica e iconico martire del regime sovietico, per Tairov il teatro è innanzitutto l’arte dell’attore, e dedizione e cura dei dettagli scenici. Grazie anche all’apporto dell’attrice Alisa Koonen, sua musa e compagna, il suo teatro riuscirà a ritagliarsi un importante spazio tra i diktat del regime, con capolavori come le messinscena di Fedra (1922), Desiderio sotto gli olmi (1926) e Tragedia ottimistica (1933). Il volume, con un ricco apparato iconografico, non solo racconta la parabola artistica di Tairov, la vita e la fortuna dei suoi spettacoli, ma riporta anche alcune sue preziose lezioni per gli aspiranti attori.

Nel volume vengono rubricate tipologie di verosimile magico e disadorno (Bergman), o assurdo e gesuitico (Buñuel). Il bellico risiede in Jancsó, il malizioso – e periclitante… – naturalmente in Lubitsch, persino ‘a montagne russe’ in Tarantino. [...] A conti fatti: tipologie annoverate, una quarantina, ma film allineati e commentati quasi dieci volte tanti. Fatte le debite proporzioni, del resto, sembra calzare a pennello a questo lavoro la conclusione che Luigi Russo applicò al De Sanctis della Storia della letteratura italiana: potreste capovolgere ad uno ad uno tutti i suoi giudizi, ma l’insieme vi opporrà una resistenza totale e inesorabile. Dalla Prefazione di Nuccio Lodato

Alla base di questo progetto dedicato a Marivaux vi è la costatazione di una lacuna editoriale: rare sono le traduzioni delle sue opere e quasi tutte irreperibili. Del resto, poche delle sue pièces giungono alle scene italiane. La prima finalità del lavoro è far conoscere la produzione di un classico francese, che ha composto buona parte delle sue commedie per il Théâtre Italien di Parigi e che proprio alla tecnica, molto apprezzata, dei comici italiani si ispirò per costruire il proprio stile, sempre di una modernità dirompente. Testi pubblicati per le scene italiane, affiché ne offrano una interpretazione per il pubblico di oggi. Questo quarto volume comprende opere che si inscrivono in generi diversi, dai contorni spesso volutamente sfumati: commedie allegoriche, commedie di ispirazione spagnola o riecheggianti gli intrecci della tradizione dell’Arte, tragedie. Di quasi tutte la traduzione italiana è qui proposta per la prima volta.

Gli dèi sono stati convocati, ma non è chiaro da chi: Zeus ha solo diramato gli inviti, ma l’ordine viene da più in alto e più in alto di Zeus, si sa, c’è una cosa sola: il fato. Non vivono più nell’Olimpo, gli dèi. Un lentissimo invecchiamento ha preso anche loro: non possono morire, ma sono letteralmente consumati dal Tempo. Un dubbio si è insinuato tra di loro: — Sono gli dèi che hanno creato gli uomini o sono gli uomini che li hanno generati? Rosi dal dubbio, indeboliti dalla noia, dall’oblio e dalla mancanza di fede, si sono fatti sempre più incerti e fragili. Un romanzo figlio dello spettacolo che Francesco Niccolini ha scritto per il Quadrivio.

Tra i protagonisti insieme a Ozu e Kurosawa dellʼepoca dʼoro del film giapponese, Mizoguchi ha saputo lasciare un segno indelebile nella storia del cinema mondiale. Dagli esordi degli anni Venti fino ai grandi successi internazionali degli anni Cinquanta come Vita Di O-Haru, donna galante e I racconti della luna pallida d’agosto, il volume, analizzando in maniera scrupolosa i film, lo stile e i temi cari a Mizoguchi, ripercorre la parabola artistica del grande regista, capace con le sue opere di creare un ponte tra Oriente e Occidente.

Risveglio di primavera, dalla sua tormentata genesi fino ai giorni nostri, è riuscito come pochi altri testi a destare scandalo, affrontando il tema della sessualità e del disagio adolescenziale con tale realismo e naturalezza da risultare nel tempo sempre contemporaneo. Autentico capolavoro drammaturgico, il testo teatrale di Wedekind – qui presentato nella nuova traduzione di Roberto Cavosi e corredato da preziosi contributi di Massimo Bertoldi e Marco Bernardi –, è ancora oggi da considerare «un classico imprescindibile per chi voglia affrontare in teatro o a scuola le problematiche della condizione giovanile».

Tra i grandi capolavori del Rinascimento e del genio del Palladio, il Teatro Olimpico di Vicenza è considerato il più antico teatro stabile coperto dell’era moderna. Partendo da preziosi documenti dell’epoca, il volume ricostruisce le vicende storiche e artistiche che, tra Cinque e Settecento, hanno animato uno degli edifici più illustri e affascinanti dell’architettura europea: particolare attenzione è infatti riservata non solo alle questioni architettonico-scenografiche che rendono l’Olimpico uno spazio teatrale unico nel suo genere, ma anche agli spettacoli e i loro protagonisti, in una indagine «tesa a ricollocare la fabbrica palladiana nel milieu in cui fu ideata, realizzata e vissuta nei tempi lunghi della storia».

Esiliati in una Napoli spagnolesca, chiassosa e libertina, un gruppo di cavalieri inglesi sostenitori di Carlo I cerca l’amore o anche solo un’avventura, tra le strade della città pronta a festeggiare il carnevale: tra frodi, amori capricciosi di vere e finte prostitute e duelli per restituire risibili onori perduti, L’avventuriero, composto nel 1677, è la più celebre tra le opere teatrali di Aphra Behn e rappresenta una magnifica macchina barocca di illusioni e di taglienti battute, in cui il carnevale è occasione determinante per cambiare ruoli, maschere, personaggi.

Con il termine dispregiativo ʻCìncali’ gli svizzeri indicavano, nel secondo dopoguerra, gli immigrati italiani: in Italiani cìncali e La turnàta, testi autonomi nella trama, ma intimamente connessi per tematica e poetica, vengono raccontate le commoventi vicende di una generazione di emigrati «che ha affrontato enormi sacrifici per costruire un futuro migliore, lontano dalla propria terra natale», chi per cercare lavoro nelle miniere del Belgio, chi appunto nella ricca e prospera Svizzera. A vent’anni di distanza dalla prima messinscena di due spettacoli che hanno segnato il teatro di narrazione italiano, viene qui riproposto, con la vibrante emozione che soltanto il grande teatro sa dare, una delle pagine dimenticate della secolare storia di immigrazione italiana.

Il volume raccoglie alcune tra le più importanti opere teatrali di Ion Luca Caragiale. Il filo rosso che accomuna i tre testi teatrali è l’umorismo, elemento che deriva non solo dal contrasto tra l’essenza e l’apparenza dei personaggi, ma anche dal linguaggio che essi utilizzano: pur essendo espressione di una realtà specifica del diciannovesimo secolo, grazie allʼabilità letteraria di Caragiale, i protagonisti delle sue drammaturgie diventano figure universali, capaci di incarnare vizi e debolezze umane che possono essere riconosciute in qualsiasi epoca e contesto sociale.

Il volume raccoglie due tra i più importanti lavori di Pascal Rambert. In L’arte del teatro una persona parla con il suo cane. A lui affida le sue confidenze sul teatro e sulla vita dell’attore, in un monologo brillante che è una confessione, una critica feroce, una preghiera e una struggente dichiarazione d’amore per il teatro. In Prova (Premio Émile-Augier dell’Académie Française nel 2015), testo ambientato durante le prove di uno spettacolo, i protagonisti (due attori, un regista e uno scrittore) raccontano, dal loro particolare punto di vista, quattro storie ‘indicibili’. Un profluvio di parole, in cui gli argini del palcoscenico sembrano collassare, e la realtà, in un continuo crescendo di tensione, implodere.