Electa

Il volume costituisce la guida, in italiano e in inglese, alla mostra "Ebrei, una storia italiana. I primi mille anni", allestita presso il Museo Nazionale dell'Ebraismo Italiano e della Shoah di Ferrara. Con questa mostra inizia la narrazione della più che bimillenaria, vitale e ininterrotta presenza ebraica in Italia: come si è formata e sviluppata, e come gli Ebrei d'Italia hanno costruito la propria identità e contribuito a quella di tutti gli italiani, tra fasi di convivenza e interazioni feconde, e altre di persecuzioni e cacciate, culminate nella Shoah. Nella mostra, i contesti temporali, spaziali, sociali e culturali della vicenda ebraica italiana rivivono in un allestimento originale, scandito da oltre duecento oggetti preziosi, tra manoscritti, incunaboli e cinquecentine, documenti medievali, epigrafi di età romana e medievale, anelli, sigilli, monete, lucerne e amuleti poco noti o mai esposti.

L'arte di Fornasetti trova in questa sede espositiva il luogo congeniale a rappresentare la sua ispirazione. Il Museo, con i suoi capolavori dell'arte classica, la statuaria egizia e gli straordinari affreschi rinascimentali, riesce a creare un costante, teatrale contrappunto alle opere in mostra, in una sintonia che, sala dopo sala, presenta in una luce diversa la collezione permanente di Palazzo Altemps - Museo e, prima ancora, casa aristocratica - e della straordinaria creatività di Fornasetti. Piero Fornasetti emerge nel panorama del design italiano per l'appassionata, quasi maniacale vocazione a mutuare e rielaborare motivi decorativi, spesso tratti dall'antico, rinascimentali e barocchi. Il suo stile unisce elementi surrealisti e classicismo in una visione trans-storica, oggi tramandata, arricchita e reinterpretata dal figlio Barnaba. Con la sua storia di oltre settanta anni, l'Atelier Fornasetti è ancora oggi luogo di ardita sperimentazione e ideazione di un vero e proprio vocabolario visivo. Il ricco e raffinato apparato iconografico del volume ripercorre lo stringente colloquiare tra gli ambienti e la collezione di Palazzo Altemps e i più di ottocento oggetti in mostra. Il catalogo è una guida per leggere "un dialogo in cui la memoria diventa riflessione sull'attualità e immaginazione del futuro e che ci auguriamo risvegli in chi lo segue un'idea di ciò che siamo stati, di ciò che siamo oggi e forse persino di ciò che potremmo essere in futuro", scrive Barnaba Fornasetti. Nel volume sono riuniti gli interventi delle curatrici Silvana Annicchiarico, Direttore del Triennale Design Museum di Milano, e Alessandra Capodiferro, Responsabile del Museo di Palazzo Altemps, insieme al testo introduttivo del Direttore del Museo Nazionale Romano, Daniela Porro, e al saggio a firma di Marcello Fagiolo sul classicismo secondo Fornasetti.

Dalla giovinezza in Oplonti al soggiorno milanese, alla fondazione a Roma, nel 1967, con Laura Mazza e Alberto Mondadori, della celebre galleria d'arte contemporanea “Il Gabbiano”, ad evocare al contempo Cechov e Braque – ora bianco, grigio e luce minimali perle opere di Rauschenberg, Johns, Lichtenstein e tanti atri – alle mostre di Parigi, alla scoperta degli Stati Uniti di cui Sandro Manzo è fiero cittadino. Straordinarie le pagine che raccontano l'assidua frequentazione con Balthus, l'amicizia con Piero Guccione e il pittore greco Tsarouchis, figure carismatiche come Memmo, che prepara ancora tele e colori per i maestri con una sapienza inarrivabile, e celebrità come Leo Castelli, gli italiani della Pop Art, divi del cinema, gli affetti più cari, i luoghi, i caffè, le estati a Sabaudia, le strade e i ristoranti dell'amata New York. Il ritmo della narrazione è incalzante e orchestrato, come un romanzo, secondo efficaci ritorni e flash-back che tracciano percorsi tematici a circostanziare, man mano che si procede con la lettura, personaggi, temi, riflessioni diacroniche sul mondo dell'arte, il suo business, e, con sguardo critico, sul mestiere di gallerista oggi, dall'esperienza di una vita trascorsa all'insegna di un'inesauribile voglia di conoscere.

Il volume accompagna una mostra che rende di nuovo finalmente fruibili le opere d'arte e di alto artigianato artistico ricoverate nei depositi in seguito al catastrofico sisma del 2016, dopo i necessari interventi di conservazione e restauro. Non si tratta tuttavia di un catalogo tradizionale ma di un libro che intende restituire, in una straordinaria sintesi, l'anima di questi territori di confine, vero e proprio crogiolo culturale tra le regioni Lazio, Marche, Abruzzo e Umbria. Se il prezioso scritto iniziale di Paolo Rumiz narra dell'attraversamento anche spirituale di questi paesaggi montani feriti, i due saggi seguenti ripercorrono diacronicamente la storia architettonica di Amatrice e Accumoli e gli sviluppi storico-artistici dei due centri nei secoli ricchi di contaminazioni. Ne emergono stupende chiese medievali dalle sculture policrome, capolavori dell'oreficeria sacra quattrocentesca, pale di artisti importanti come Nicola Filotesio meglio noto come Cola dell'Amatrice, meraviglie barocche, fino a esempi della decorazione plastica di primo Novecento. L'obiettivo del volume, tra tutela e ricerca, è quello di offrire una ribalta nazionale alle opere d'arte mobile attualmente decontestualizzate per farle conoscere al grande pubblico e riportarle all'attenzione degli specialisti, per ribadire l'importanza della cultura sedimentata nei piccoli centri d'Italia, patrimonio ancora sottovalutato e invece fondamento imprescindibile dell'identità collettiva. A tal fine concorrono il pensiero critico di Stefano Boeri e le foto parlanti di Paolo Rosselli, appositamente realizzate per il volume, volte a documentare e interpretare lo stato attuale dei luoghi.

Il progetto di messa in sicurezza del Teatro greco di Taormina in occasione del G7, che questo volume documenta, ha riguardato diversi aspetti multidisciplinari, affrontati contemporaneamente. Questa modalità di lavoro, innovativa e sperimentale, si è resa necessaria per via del poco tempo a disposizione. Più che un’esperienza, è stato un esperimento e, insieme, il punto di partenza, di un processo di valorizzazione di cui fa parte il nuovo allestimento museale. Il museo fornisce al visitatore le informazioni basilari sul monumento e sul Parco Archeologico di Naxos, di cui il teatro fa parte, assieme all’Isola Bella, all’Area archeologica e al Museo di Naxos, a Francavilla e a Villa Caronia.

Electa pubblica il catalogo della mostra Pompei@Madre. Materia Archeologica, accolta negli spazi espositivi del MADRE - museo d'arte contemporanea Donnaregina di Napoli e articolata in due capitoli: Pompei@Madre. Materia Archeologica (19.11.17 - 30.04.18) e Pompei@Madre. Materia Archeologica: Le Collezioni (19.11.17 - 24.09.18). A cura di Massimo Osanna e Andrea Viliani, con il coordinamento curatoriale di Luigi Gallo per la sezione moderna, il volume comprende contributi scientifici insieme a un visual essay che affianca, in un confronto visivo, le immagini delle opere moderne e contemporanee con i manufatti e i documenti esposti in mostra. Si tratta di un progetto basato su un rigoroso programma di ricerca, risultato dell’inedita collaborazione fra il MADRE e il Parco Archeologico di Pompei, che propone un dialogo fra straordinari ma poco conosciuti materiali archeologici di provenienza pompeiana – architetture, sculture, pitture parietali, manufatti d’uso comune, resti organici – e opere di artisti e intellettuali moderni e contemporanei da Johann Joachim Winckelmann a Johann Wolfgang Goethe, da François-René de Chateaubriand e Madame de Staël a Stendhal, da Le Corbusier a Fausto Melotti, da Robert Rauschenberg e Andy Warhol a Mark Dion, Jimmie Durham, Allan McCollum e Betty Woodman, da Victor Burgin a Luigi Ghirri e Mimmo Jodice, da Trisha Donnelly, Haris Epaminonda, Iman Issa, Goshka Macuga, Laure Prouvost a Wade Guyton, Roberto Cuoghi, Mike Nelson, Christodoulos Panayiotou e Adrián Villar Rojas. Attraverso un percorso concepito e strutturato come una perlustrazione circolare, le opere moderne e contemporanee rivendicano il valore e l’ispirazione della “materia archeologica” pompeiana fungendo da vettore fra spazi, tempi e culture differenti, continuando a metterli a confronto fra loro. Come un’ipotetica campagna di scavo intellettuale, questa mostra torna a riscoprire Pompei accompagnando il visitatore in un viaggio a ritroso nel tempo, in una triangolazione fra contemporaneo, moderno e antico in cui l’unità e la realtà si danno, come sempre nell’archeologia – ma anche nella (fanta)scienza e nella ricerca artistica, non solo contemporanea – solo per frammenti, e procedendo per ipotesi.

Il catalogo-guida rende conto di una sezione epigrafica rinnovata e completata, comprendente una nutrita e attenta selezione di oltre duecento epigrafi ‒ tra le duemila custodite nel museo ‒ che spaziano dal VI secolo a.C. al II secolo d.C. tra scritture e lingue diverse: greco, osco, latino, etrusco, in un panorama non solo campano, ma dell’intera Italia meridionale, per il ruolo centrale avuto da quello che fu il Real Museo Borbonico. Come il percorso espositivo, il volume è diviso in sezioni tematiche che guidano il lettore alla conoscenza delle testimonianze più significative per la Campania, e non solo per quella regione, quali le Tavole di Eraclea, le laminette orfiche o le iscrizioni dipinte o graffite su intonaco da Pompei. Si tratta sicuramente di reperti che sono alla base della ricerca storica ‒ spaccati luminosi di vita quotidiana, di pratiche religiose o “cardini della giurisprudenza antica”, fondativi del nostro sistema legislativo ‒ talora di un notevole pregio formale, come la stele di Bellante (riprodotta nella copertina del libro) e tante altre. Il volume, a cura di Carmela Capaldi e Fausto Zevi, comprende un’introduzione generale con le vicende storiche della collezione, saggi scientifici che illustrano i contenuti delle diverse sezioni seguiti dalle schede di tutte le iscrizioni esposte corredate da immagini inedite realizzate per l’occasione.

Il classico di Carlo Collodi, illustrato da Alberto Longoni e con la prefazione di Dino Buzzati, in una nuova edizione a tiratura limitata.

Il rapporto tra Picasso e le arti dell'Africa e dell'Oceania risale al 1907, quando egli acquista la prima opera della sua collezione, un Tiki delle isole Marchesi. In quell'anno Picasso visita per la prima volta il Museo etnografico del Trocadéro. Ne rimane colpito al punto da rimettere mano a Les Demoiselles d'Avignon e finire il quadro che rivoluzionerà la pittura del Novecento. Questo volume illustra come Picasso e gli artisti non occidentali si sono incontrati nell'espressione di arcaismi universali, come hanno esplorato il potere delle immagini e le forze dell'inconscio.