Manfredi Edizioni

La città di Leonia raccontata da Calvino misura la sua opulenza dalle cose che vengono buttate via per far posto alle nuove e finisce per ritrovarsi circondata da montagne di rifiuti che rischiano di travolgerla. L’incubo dei rifiuti che invadono le strade in molte città è oramai un dato di fatto. Expo 2015 ha rappresentato un momento importante di riflessione su molti aspetti legati al futuro non proprio roseo del nostro pianeta e sulle possibilità offerte dalle energie sostenibili. Anche gli artisti, dagli anni Settanta, hanno avvertito nelle loro opere l’urgenza di porre in primo piano il problema ecologico. Tra tutti Beuys nel progetto “Difesa della Natura”, basato sulla piantumazione di querce, concretizzò il tema della tutela dell’ambiente naturale in un’azione collettiva volta a sensibilizzare la comunità. La sua arte ha lasciato un segno indelebile sulle generazioni successive e ha dimostrato come l’artisticità possa anche diventare radicalmente concreta. Il gesto di Beuys ha rappresentato un precedente imprescindibile per quegli artisti che, sensibili ai temi dell’ecologia e dell'ecosostenibilità, sono stati raccolti nella mostra Creative Energy. Arte per il rinnovabile.

Lia Drei e Francesco Guerrieri, compagni nella vita e nell'arte, lungo gli anni sessanta furono protagonisti delle ricerche gestaltiche, programmate e strutturaliste, particolarmente a Roma. Drei e Guerrieri, insieme a Di Luciano e Pizzo, fondarono infatti il Gruppo 63 e poi, in coppia, il Binomio Sperimentale (1963-68). In quegli stessi anni entrambi parteciparono ai fondamentali Convegni internazionali di Verucchio e alle varie mostre-dibattito itineranti del movimento strutturalista. Così, per esemplificare il loro percorso di ricerca lungo gli anni sessanta e i primissimi settanta, al MACRO vengono esposte 27 opere. La coppia Drei-Guerrieri spicca nell'ambito delle ricerche programmate italiane per la fedeltà assoluta al linguaggio della pittura, senza l’ausilio di mezzi meccanici o tecnologici, nell'applicazione delle teorie gestaltiche della percezione visiva, ribadendo la centralità del “quadro” nella fruizione estetica. Inoltre entrambi, pur nelle reciproche differenze, si sono distinti anche per la capacità di rendere visibile un’intuizione lirica distillata nella purezza geometrica e rigorosa della forma.

Pirandello ebbe la sua prima educazione artistica nell'allenamento ad uno sguardo oggettivo e crudo, a un segno di realtà insistita e forzata, di lucidità quasi chirurgica nell'indagare gli aspetti anche scarni e brutali della figura umana, tipico di quella tendenza tedesca. In questa scelta forse atipica, comunque rara per l’Italia del tempo certamente ritroviamo un’indicazione del padre, il grande drammaturgo Luigi, nei confronti del giovane figlio: infatti, come è noto, egli ebbe una lunga e determinante fase di studio giovanile di stampo mitteleuropeo, laureandosi a Bonn, e l’indirizzo di Fausto fu certamente determinato dalle sue simpatie e preferenze culturali. Subito dopo Pirandello segue la scuola di pittura di Felice Carena e dalla sua inquieta ricerca, Pirandello assume un senso di plasticità cromatica solida ma non priva di complicazioni intellettuali. Pirandello dipinge allora soggetti contadini e pastorali, arcaizzanti, sul modello del maestro, ma subito vi infonde una carnalità realistica e “sgradevole”, contorta e sofferta, che lo proietta ancora giovanissimo in una dimensione autonoma, quasi un inquietante precursore di Lucian Freud. [...]”

Uno scultore, la propria opera e la materia di cui è fatta, la pianura, un feticcio, sono i protagonisti di questo libro che non ha storie da raccontare. È, piuttosto, il resoconto di un'esperienza sensoriale e del suo stretto radicamento con il territorio sul quale essa si innesta. Custodita e allevata come un corpo vivo che reclama il suo sviluppo, la materia è dallo scultore anche abitata come una patria o un destino cui si appartiene per discendenza ed elezione assieme. La pietra scolpita riporta alla memoria la natalità dello spazio che accoglie l'individuo, in cui trovano ospitalità l'eco del passato, il miraggio del futuro, il respiro del presente, i luoghi ideali, quelli fisici, il territorio, la pianura come è nel nostro caso. E non è un caso che sia proprio la pianura uno degli interpreti di questo libretto anomalo.

Politico De Lirio è un comunista romagnolo figlio di Emma Coriandoli e di Adelmo, bagnino inventore della coltivazione turistica intensiva di ombrelloni a filari - come le pesche. Deluso dalla caduta del muro di Berlino, dallo stesso suo Partito Comunista e dal nascere della Lega, si "consegna" spontaneamente ai funzionari dell'Aeroporto de L'Avana a Cuba il 15 Marzo del 1991 - gli ultimi veri comunisti rimasti - pensa.

"La città nell'anima" è un libro che descrive e riproduce le immagini dei mosaici trencadìs, intitolati: Attraversa/Menti, Sicura/Mente e I fiori del bene. Le opere sono state ideate e realizzate nella città di Forlì dal prof. Luigi Impieri con la collaborazione degli studenti e degli insegnanti di diverse scuole di ogni ordine e grado della Romagna. Utilizzando la tecnica del trencadìs, l'artista-insegnante ha "tappezzato" le pareti di alcuni sottopassi cittadini che versavano in uno stato di degrado, insieme ad altri luoghi che reclamavano una maggiore cura. Il lavoro ha avuto un iter progettuale basato su disegni preparatori in scala che sono stati poi riportati a dimensione reali sulle superfici su cui realizzare il mosaico. La decorazione si è sviluppata utilizzando alcuni bassorilievi ceramici realizzati a mano da Impieri nonché attraverso l'applicazione di pezzi di specchi tagliati in forme geometriche, piastrelle rotte e formelle in terracotta messe a punto dai ragazzi sotto la guida del professore-artista. Tutti questi elementi, a cui sono stati aggiunti anche altri oggetti di diverso materiale, sono stati applicati sui disegni col fine di dare forma al trencadìs.

L'impegno della Fondazione Fòcara per la valorizzazione ed il rilancio dell'antica tradizione novolese legata al culto di Sant'Antonio Abate e la Fòcara si è rivelato un virtuoso progetto contemporaneo verso la tutela della cultura popolare in simbiosi con l'arte e la comunicazione. Nel suo percorso, la nostra festa popolare è stata connotata da veri e propri eventi comunicativi, caratterizzati dall'incontro della creatività di artisti internazionali con l'esperienza e la passione popolare, nel suo simbolo più autentico della Fòcara. Con Kounellis la Fòcara, opera della passione e della sapienza contadina, si è manifestata in tutta la sua potenza comunicativa e profonda, che il Maestro ha saputo affidare ad elementi dalla forte simbolicità e teatralità. Il Suo intervento all'interno delle sale del Palazzo Baronale costituiscono un'altra meta di visitatori che insieme a noi rivivono qualità irripetibili di quegli spazi segnati da una firma che, come in ogni altro gesto artistico del suo percorso, è luogo di linguaggio universale.

Nell'anniversario dei quattrocento anni dalla morte di William Shakespeare, la Galleria Russo di Roma celebra il più grande drammaturgo di tutti i tempi con la mostra "Shakespeare in Rome": un omaggio contemporaneo al suo genio e all'influenza che egli ancora oggi esercita sui linguaggi artistici. La mostra, che sarà inaugurata il 16 aprile e durerà fino al 7 maggio, si avvale del saggio in catalogo del giornalista e critico britannico Andrew Dickson, è patrocinata dal British Council in Italia (l'organizzazione internazionale del Regno Unito per le relazioni culturali) e si colloca nell'ambito del più ampio progetto Shakespeare Lives: un programma annuale globale di eventi e attività per celebrare l'influenza di William Shakespeare nella ricorrenza del quattrocentesimo anniversario della sua morte, in collaborazione con i GREAT Britain campaign partners. Grazie ai sette giovani artisti Enrico Benetta, Diego Cerero Molina, Roberta Coni,Manuel Felisi, Michael Gambino, Massimo Giannoni e Tommaso Ottieri opere, luoghi, atmosfere e personaggi di William Shakespeare rivivranno negli spazi della Galleria Russo attraverso una reinterpretazione inedita ed originale.

catalogo di una grande mostra organizzata al Macro, curata da Antonella Sbrilli, docente presso la Sapienza Università di Roma, e da Maria Grazia Tolomeo, curatore di arte contemporanea, che vuole offrire un percorso sul tema del tempo quotidiano, dell'oggi come motivo ispiratore del lavoro di artisti internazionali. Le tele, i video, le fotografie, i foglietti volanti, i quaderni, i suoni, i ricami, le installazioni degli artisti in mostra suggeriscono un gioco continuo con l'oggi.

Il presente volume, con la prefazione del critico teatrale Rodolfo di Giammarco, presenta una raccolta fotografica degli scatti di Tommaso Le Pera, il più importante fotografo teatrale italiano con il più vasto archivio fotografico europeo sul teatro. Le Pera ha avuto il privilegio di immortalare gli spettacoli più significativi della grande attrice milanese dagli anni '70 al 2000, un documento unico un percorso teatrale che parte da Orestea di Ronconi del '73 fino a uno degli ultimi spettacoli Sola me ne vo, un one woman show in cui con grande ironia la Melato racconta i suoi esordi fino ai successi internazionali, un omaggio dovuto ad un'attrice unica nel panorama teatrale italiano talmente popolare, grazie ai memorabili film con la regia di Lina Wertmuller, da richiamare anche il pubblico meno aduso al teatro. Unitamente alla sezione fotografica che consta di 250 foto circa, una raccolta di omaggi e ricordi di registi, compagni di lavoro, amici, personaggi trasversali e insospettabili con i quali la grande attrice ha condiviso vita e palcoscenico completa il ritratto a cura della giornalista Anna Testa.

Lo spirito dell'operazione sorge dal riposizionamento del concetto di relazione, secondo il modo d'essere di una cosa rispetto a un'altra, la connessione tra due o più soggetti, individuali o collettivi, tale che dalla conoscenza del comportamento di uno di essi è possibile inferire il comportamento corrispondente dell'altro o degli altri. Si tenta così di definire quel ponte tra il lavoro di Bernard Aubertin, Giovanni Gaggia, Piero Mottola, Hermann Nitsch, Concetto Pozzati e Giuseppe Stampone, con il senso sintetico del quale si trova traccia nel trattenere insieme opere dissimili. Relationship allude a sei autori e sei paternità contemporanee dall'inizio degli anni sessanta ad oggi; sei modi di stare insieme, di essere simili nella differenza, anche evidente, risoluta, perfino invalicabile, ma sempre ammissibile, comprensibile, musicata per il comprovato status di "opera d'arte".

Maria bifronte Crispal. Accanto al grande tema dell'icona femminile, c'è l'idea del mondo di oggi, radicalmente trasformato da Internet. Le due tematiche appaiono sotterraneamente collegate tra di loro, come vasi comunicanti. Maria Crispal infatti parla di utero web, lei stessa si pone come "icona connessa". Cos'è Internet, si domanda l'artista, se non una macchina che genera energia cosmica? Internet si configura come una grande, articolata e polivalente macchina/madre. L'accostamento tra il corpo femminile e un congegno meccanico non è nuovo nella storia dell'arte. Marcel Duchamp con la "Sposa messa a nudo nel Grande Vetro" ha in fondo reso meccanica la Grande Madre rappresentata da Gustave Courbet in "L'origine du monde". Riflettendo sul Grande Vetro Vettor Pisani costruirà un vero e proprio congegno meccanico, "Lo Scorrevole". Poi ci sarà la mostra "Le macchine celibi" di Harald Szeemann. Maria Crispal però lo declina in modo assolutamente inedito, originale e contemporaneo.