Manfredi Edizioni

Sempre più spesso si sente parlare di “Mondo dell’arte”: come fosse un pianeta diverso e lontano, un sistema con le proprie regole e i propri valori. La bellezza può attrarre istintivamente il nostro occhio e la nostra mente ma conoscerla veramente, in tutti i suoi aspetti, non è un’impresa semplice. Certamente può essere prezioso, però, prendere in prestito lo sguardo di chi questo mondo così particolare lo ha abitato per tutta la sua esistenza. Francesco Boni ci è praticamente nato, lo ha respirato fin da bambino e ci ha trovato poi una professione già dall’adolescenza. Ecco allora un’esperienza diretta, sul campo, con pochi eguali: come una chiave, in grado di aprire al lettore le porte più segrete e nascoste. Da lì escono piccoli affreschi di storie, aneddoti, pezzi di vita vera in grado di trasportarci dentro gli studi dei pittori che hanno fatto la storia, così come dietro le quinte di chi fa questo mestiere, ne comprende le difficoltà e il fascino.

"Il cammino è iniziato da un incontro cui è seguita la lettura appassionata; dai versi sono scaturite le immagini che hanno coperto infiniti fogli di carta, poi sono diventate oggetti in ceramica, in marmo, in legno e stoffa sempre carichi dell'incanto e delle nostalgie delle mille vite da vivere ancora. Per un mondo immaginato, per ricordi lontani, per dolori e dolcezze evocate da una parola. Borges è sempre presente in questo itinerario di ricerca, nei petali della rosa come nell'oro delle tigri, la Tolomeo attraversa gli incanti con la sapienza di chi sa di aver vissuto e con l'innocenza di chi scopre il mondo sensibile, le sue mani hanno l'abilità di tradurre nella materia quel che prima esisteva nell'aria o sulla carta; così nascono i “Bestiari”… uno, due, tanti e sempre differenti perché ogni volta Borges rivela e si rivela con un'emozione differente che l'artista coglie e traduce in un linguaggio assolutamente personale. Apparentemente facile, in verità criptico, frutto della sua grande cultura e della sua fame di conoscenza, della sua curiosità verso la vita che la rende un personaggio unico nel mondo dell'arte contemporanea."

"[...] I giovani talenti erano Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa, Renato Mambor, per citare quelli con cui ebbi maggiori rapporti di frequentazione, incontrandoli quasi tutte le sere al termine della mia faticosa giornata di giovane avvocato nella trattoria di Cesaretto e all'osteria dei Fratelli Menghi al Flaminio, e pure nelle lunghe passeggiate notturne che avevano come epicentro Via di Ripetta o Via Margutta. Essi rivoluzionarono indubbiamente il panorama dell'arte visiva dell'epoca, rifiutando la loro presunta filiazione alla Pop Art americana, che guardavano come ad un puro arricchimento culturale, perché preferivano in realtà ispirarsi all'unicità e alla secolarità della monumentale arte italiana, passando per il Futurismo e la Metafisica.[...]"

Le opere di Valdés, siano esse dipinti o sculture, sono percorse da una forza e una vitalità dirompenti, trasmesse dalla sapiente lavorazione che l’artista fa dei materiali più vari, alcuni persino assemblati e creati da lui stesso, fino a comunicare allo sguardo quasi una sensazione tattile. Noto al grande pubblico per i suoi ritratti femminili, l’artista trae spunto dai più celebri capolavori della storia dell’arte per reinterpretarli in maniera assolutamente attuale: il linguaggio visivo di indubbio impatto, l’attenzione alla materia e la predilezione per le opere in grande scala sono solo alcuni dei tratti caratteristici di Valdés, che rendono il suo stile immediatamente riconoscibile da parte dell’osservatore. [...]

«Pubblicato in occasione della mostra “When sound becomes form”, il volume raccoglie una selezione di documenti d’archivio dedicati alla storia dell’avanguardia sonora in Italia, dalla metà degli anni Cinquanta al Duemila. Un viaggio nel pianeta sonoro che abbraccia una varietà di materiali: Lp, vinili, locandine e cd originali, fotografie d’archivio e video che ritraggono gli artisti durante le mostre e le perfomance, riviste e cataloghi che hanno contribuito alla storia e alla definizione della sound art. Il suono esce così dal pentagramma liberandosi da regole e codici e inizia ad essere indagato non più come nota o sequenza armonica ma come pura percezione della vibrazione di un corpo in oscillazione. Le tecnologie elettroniche danno impulso alla nascita di linguaggi artistici innovativi permettendo la manipolazione sonora e l’amplificazione dello spazio stesso dell’invenzione creativa. All'interno del volume si è cercato di dare voce ai protagonisti di questa storia con un approccio cronologico e una suddivisione per decenni che consente di storicizzare e contestualizzare la selezione di opere presentate.»

Qui si presenta un campionario di esperienze progettuali realizzate nell’Accademia di Belle Arti di Brera da studenti provenienti dalle più diverse realtà geografiche e culturali. Non è un caso che a Brera convergano studenti da ogni parte del mondo. Qui tanti giovani artisti trovano un humus fertile per maturare i loro talenti espressivi che evolvono in dimensioni poetiche di raffinata sensibilità. La loro contemporaneità, il loro qui ed ora, si origina in antiche logiche antropologiche proprie dei localismi di provenienza mentre si attualizza nelle lucidità di saperi globali. Prevalenti sono gli apporti creativi da parte di giovani orientali, che sostanziano il risultato di riflessioni avviate con il progetto didattico denominato Cibo naturale come multiplo necessario, come propagazione ulteriore dello sviluppo del tema portante di Expo 2015. Il libro raccoglie essenzialmente immagini di disegni che esprimono la concezione di un design soffice, che dalla natura deriva morfologie, proliferazioni e sviluppi. Il fine, più rispondente alle libere pulsioni del cuore che a quelle razionali della mente, è l’inseguire lo stupore e la meraviglia per costruire nuovi incanti.

"Il numero 4? Cosa potesse significare, per quegli attori di una stagione irripetibile dell’arte a Venezia, il numero 4, non lo sapremo mai: forse nulla significava. Forse si tratta solo di una coincidenza, con niente a che vedere con quella dimensione Spazio-Tempo che, in qualche modo, legava sensibilità e progettualità tanto diverse: quelle di un gruppo di giovani e meno giovani che, negli anni ’50 e ’60 a Venezia, riuscirono a lasciare una traccia mai più eguagliata nell’arte contemporanea: gli “spazialisti veneziani”. Eppure Tancredi ci ha lasciato nel 1964, Guidi nel 1984, Morandi nel 1994, Licata nel 2014. E mentre preparavamo questa mostra, ci ha lasciato anche Ennio Finzi, l’ultimo sopravvissuto di quella banda di ragazzi. Nel 2024! Senza deviare in fantasie esoteriche, senza aggrapparsi a improbabili deduzioni cabalistiche, mi piacerebbe però immaginare che quel 4 per loro avesse un significato, e che magari adesso, con l’arrivo di Ennio, ne stessero discutendo per le praterie del cielo." (il curatore)

[...] “Presenze”, invece, è il titolo che alla fine ci ha messo d’accordo. Non solo noi, io e Beatrice, ma che ha fatto convergere sullo stesso orizzonte nominale, e di senso aggiungerei, quegli strani, insoliti, apparentemente cosi diversi, frammenti di realtà che si guardano, gli uni di fronte agli altri, nella Gipsoteca della Galleria Nazionale di Roma. Da un lato quelle curiose reminiscenze di una scultura che ha visto i suoi momenti di gloria nel secolo scorso e che oggi, grazie a quella originalissima prospettiva visiva in cui li ha collocati Cristiana Collu, riemergono dall’inevitabile oblio deciso dalla storia dell’arte e, dall’altro, le reminiscenze di un passato del tutto personale di Beatrice Pediconi che oggi rivivono grazie alla sperimentazione che l’attitudine contemporanea spinge l’artista a praticare. [...]

[...] Il progetto espositivo di Chiara Valentini è stato concepito appositamente per il Museo Hendrik Andersen e, come accade spesso quando l’artista è in sintonia con il luogo, le opere e il contesto s’illuminano reciprocamente. Chiara Valentini, presente con due libri d’artista acquisiti nel 2022 per la collezione del Museo, riprende il tema dell’atelier, trattato in modi e tempi diversi da altri artisti che hanno esposto anni addietro nel Museo, in quanto esso rappresenta una potente chiave di lettura dell’opera del norvegese naturalizzato americano, vissuto nella dimora di via Mancini, oggi casa Museo a lui dedicata, per quasi quarant’anni. Il Museo era la casa e atelier dello scultore e le tracce visibili e invisibili del suo vissuto hanno sollecitato Chiara Valentini a confrontarsi con l’opera e con la biografia dell’artista.