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Catalogo pubblicato in occasione delle mostra “Transitions–l’Umanità in transito” di Victor López González, a cura di Patrizia Bottallo, presso il MAO Museo d’Arte Orientale e Palazzo Lascaris di Torino, 20 ottobre–7 novembre 2016. Migrazione, esodo, diaspora, comunque lo si voglia chiamare questo è il fenomeno che più sta segnando il nostro tempo. Fenomeno a cui molti Stati, troppi, rispondono con il ripristino delle frontiere e l’erezione di nuovi e, soltanto apparentemente anacronistici, muri. Il progetto “Transitions–l’Umanità in transito” racconta questi temi attraverso il linguaggio, al contempo sofisticato e coinvolgente, dello spagnolo Victor López González, artista che ha posto al centro della sua ricerca migrazioni e barriere fin dal 2006, anno del suo primo lavoro intitolato “Festland”.

La mostra Urpflanze, La natura dell'idea, prende origine dai principi nodali degli studi di J. W. Goethe, espressi in prevalenza nel testo: La metamorfosi delle piante (1790) e riguardanti le riflessioni sul rapporto che l'uomo stabilisce con la natura. Goethe, infatti durante i suoi studi botanici scopre che all'interno dell'infinita varietà e molteplicità della natura è presente un elemento unitario, primigenio [...] Gli artisti presenti in mostra (Elisabeth Aro, Nanni Balestrini, Mariella Bettineschi, Felix Curto, Inés Fontenla, Federica Marangoni, Hidetoshi Nagasawa, Yoko Ono, Eltjon Valle) partono da tali presupposti, riflettendo sulla visione che, secondo Goethe non esiste differenza tra realtà fenomenica - oggettiva e idea - soggettiva, ma entrambe sono parte dello stesso concetto, della stessa realtà, presupponendo quindi che non vi è alcuna distinzione, tra arte e scienza, intesa la prima come espressione della fantasia, della soggettività e del mondo interiore, mentre la seconda come manifestazione dell'oggettività e del mondo esteriore, dei fatti. Goethe vede il mondo come un'immensa totalità in cui il fisico e lo spirituale sono indistinguibili.

Catalogo realizzato per la terza edizione di "C9 arte a corte a settembre" presso L'Ospitale di Rubiera (RE), 17 settembre - 16 ottobre 2016, organizzata dalla galleria Tiziana Severi Arte Contemporanea con la collaborazione di Giorgia Beltrami e realizzata con il patrocinio del Comune di Rubiera.Il progetto "Land Emilia", a cura di Francesca Baboni e Stefano Taddei, prevede tre opere di grandi dimensioni di importanti artisti emiliani, riconosciuti in Italia ed all'estero, messe a confronto con i lavori di un gruppo di artisti emergenti che gravitano sul territorio emiliano per nascita o per adozione, suddivisi in tre aree tematiche: la Natura, l'Industria legata anche alla musica e l'Umanità. Dando risalto alla differenza di tecniche, di espressione e di visione dell'arte tra le due generazioni, tali elaborazioni rappresentano un mezzo ideale per interpretare la contemporaneità che ci circonda. Artisti: Davide Benati, Alessandra Calò, Fabrizio Corbo, Denis Riva, Andrea Chiesi, Simone Fazio, Beatrice Pucci, Pier Lanzillotta, Flavio Biagi, Omar Galliani, Massimiliano Galliani, Giorgio Tentolini, Domenico Grenci.

Questo volume è stato realizzato in occasione della prima edizione del Premio MAC Macugnaga Arte Cultura e della mostra Montagne di carta di Gianni Maffi, Museo della Montagna e del Contrabbando, Macugnaga (VB), 1 - 31 agosto 2016. Il progetto fotografico Montagne di carta di Gianni Maffi nasce nel 2008 come ricognizione dei territori montani secondo la felice tradizione del Viaggio in Italia, rinvigorita dalla scuola del Nuovo Paesaggio Italiano di Basilico, Cresci, Guidi, Barbieri, Jodice, per citare alcuni dei suoi rappresentanti. Fotografo interessato a problematiche legate all'urbanistica, allo sviluppo e alla trasformazione del paesaggio, Gianni Maffi si misura con gli spazi fisici della montagna adottando il punto di vista dell'esploratore che vi cammina attraverso, osservatore silenzioso, senza limitarsi tuttavia alla registrazione del dato naturalistico.

Volume edito in occasione della mostra, "Vincenzo Marsiglia. Dopo-logica/o", a cura Matteo Galbiati, Palazzo Ducale, Sabbioneta (MN), 3 giugno - 31 luglio 2016. Vincenzo Marsiglia entra in punta di piedi nelle antiche sale del Palazzo Ducale di Sabbioneta e, senza alterare la silenziosa sacralità del luogo, dispone con metodo e cura le sue opere, in un processo di continui rimandi allo spazio d'intorno. È così che nasce e si costruisce la mostra Vincenzo Marsiglia. Dopo-Logica/o, un percorso, prima che espositivo, di conoscenza del luogo e di dialogo con le sue radici culturali e con le sue reliquie storico-artistiche. Solo dopo un attento studio degli spazi e delle loro profonde atmosfere, dopo aver memorizzato e interiorizzato ogni decorazione, fregi, dipinti, iscrizioni, dopo aver compreso il valore dei vuoti e dei silenzi ad essi connessi, Marsiglia ha selezionato 15 opere della sua intera produzione e le ha disposte tra le sale, senza mai affollarle e senza soffocarle.

Catalogo del Premio Marco Magnani 2013 - giovani artisti. Mutabilità - Strade del possibile è un titolo che rimanda ad un concetto di incertezza strettamente correlato al momento che stiamo vivendo e, non a caso, l'Associazione Marco Magnani ha riflettuto su quale funzione possa avere l'arte in tempo di crisi ideando questo tema per l'edizione del Premio Marco Magnani 2013. Edizione del Premio caratterizzata dalla scelta di uscire dai luoghi destinati consuetamente all'arte e adibiti a spazi espositivi per essere presenti in città in maniera più facilmente fruibile dal pubblico con un'inconsueta contaminazione del centro storico. Non perché non si creda che musei, pinacoteche e gallerie abbiano un ruolo fondamentale e utile, ma per trasmettere il messaggio che la cultura immateriale può essere una risorsa importante soprattutto per un territorio che vive delle criticità. Alcuni esercizi commerciali della città di Sassari hanno ospitato i lavori degli artisti nelle loro vetrine, dando vita ad una street gallery dai connotati spiazzanti per coloro che si aggirano tra i negozi e si aspettano di vedere solo la "merce" esposta.

Nell'ambito del Premio Arteam Cup 2015, promosso dall'Associazione Arteam, la galleria Sabrina Raffaghello Arte Contemporanea ha il piacere di ospitare in esclusiva la mostra personale intitolata VIXI che vede protagonista l'artista Giorgio Bormida, vincitore del Premio Speciale sostenuto dalla stessa galleria. Partendo da un'opera di esordio The Mind, inside n. 14, appartenente ad una serie del 2010 considerata come punto di partenza della poetica dell'artista, la mostra si sviluppa intorno alla produzione più recente, con l'esposizione di 17 opere della serie VIXI (2015). Punto di contatto tra le due serie la memoria intesa come stratificazione di significati che muovono da territori vicini al sogno ma anche da storie vissute o sfiorate nella suggestione di un ricordo, divenuto anch'esso memoria. Giorgio Bormida utilizza la fotografia come medium per muovere i fili di una costruzione scenica dal sapore teatrale, creando ambienti in cui far confluire elementi reali tratti dalla quotidianità, immagini come attimi cristallizzati di memoria, velature multiple che aprono scenari onirici.

Catalogo dell'omonima mostra presso il Museo d'Annunzio Segreto, Vittoriale degli Italiani, Gardone Riviera (BS), 10 luglio - 25 settembre 2016.Antichi paraventi giapponesi dal periodo Edo agli anni Venti del XX secolo della collezione della galleria Paraventi Giapponesi - Galleria Nobili. Opere di: Sonia Costantini, Domenico D'Oora, Cesare Galluzzo, Asako Hishiki, Kaori Miyayama, Elena Modorati, Ayako Nakamiya, Claudio Olivieri, Tetsuro Shimizu, Lee Ufan, Valentino Vago, Arturo Vermi. Il progetto di questa mostra nasce come logica conseguenza di due altre precedenti che hanno spinto la galleria Paraventi Giapponesi - Galleria Nobili a proporre, nel rispetto delle sue ricerche legate alla cultura giapponese, un rapporto di scambio, reciprocità e comunanza tra le prassi poetiche degli artisti giapponesi contemporanei, di cui si è occupata dal 2010 con una serie di personali alternate all'esposizione delle sue collezioni antiquarie, con artisti europei che condividono un medesimo afflato lirico e filosofico.

In occasione dei 400 anni del Comune di Albissola Marina (SV), Silvia Sabatini e Gianni Venturi propongono un accurato resoconto storico della cittadina ligure dalle origini ad oggi.

Volume pubblicato in occasione della mostra omonima, curata dall'Architetto Matteo Frulio, al MuDA Centro Espositivo di Albissola Marina, 2 aprile - 1 maggio 2016. Al volume hanno collaborato Matteo Fochessati direttore della Wolfsoniana di Genova, Paolo Piccione architetto ed esperto riconosciuto a livello internazionale sul design navale, Paris Lena Merica giornalista e Matteo Frulio curatore ed ideatore della mostra. I saggi indagano la storia della ceramica a bordo dei transatlantici ed in particolare la presenza di oggetti ed opere d'arte realizzate ad Albisola molte delle quali visibili proprio all'interno del percorso espositivo. All'interno: saggi monografici su Lucio Fontana, Edoardo Alfieri ed Emanuele Luzzati e la loro opera proprio ad Albisola; un approfondimento sul transatlantico Conte Grande - i cui interni furono pensati da Gio Ponti e che al suo interno era arredato con numerosissime opere d'arte in ceramica - e sulla vita di bordo.

"L'ideale poliedrico ellenistico di bellezza sottende il meticoloso lavoro di collezione dei ritratti di Domenico Grenci. In Canto di Lontananze, ancor più che in altri lavori è evidente la necessità ed il desiderio dell'artista di cimentarsi in una catalogazione quasi tassonomica della figura della Donna; in una costante ricerca di qualcuno e quel qualcuno lo ritroviamo nel collezionare volti. Volti femminili perché vi è un gioco tra le parti, una fascinazione verso l'altro sesso e nello stesso tempo una possibilità di giocare con i ruoli. Le donne che Domenico ama dipingere fanno parte di una sua particolare idea di Bellezza, le definisce: 'Madonne Fiamminghe dell'oggi'. I volti delle modelle, poco segnati dalla vita, lasciano spazio alla sua personale interpretazione. Scava nella loro psiche e allo stesso tempo si abbandona al magnetismo che esse emanano, non è però uno scambio alla pari tra due persone, chi ritrae e chi è ritratto, ma una personale costruzione di un mondo intimo nel quale raffigura una sua illusione, dunque non è uno studio sull'identità ma sull'iconografa."

Già apprezzato nel panorama artistico internazionale, Jalal Sepehr negli ultimi anni ha saputo distinguersi con una personalissima impronta espressiva, capace di catturare le ambivalenze e le complessità del tessuto sociale iraniano, e soprattutto mostrandone le multiformi contraddizioni. Perennemente in bilico fra ricerca di modernità e bisogno di salvaguardia della tradizione, l'Iran rimane uno dei paesi mediorientali di maggior fascino, e la sua articolata e composita struttura socio-culturale, paradossalmente si contraddistingue per una vivacità creativa fra le più straordinarie del panorama contemporaneo. Dopo varie mostre in più paesi d'Europa, Jalal Sepehr arriva finalmente in Italia con "As far as the eye can see", un progetto espositivo che ripercorre la sintesi poetica degli ultimi dieci anni di questo eclettico artista, concentrandosi soprattutto su quelle serie fotografiche e su quelle modalità stilistiche che più significativamente hanno segnato la sua unicità lessicale, come ad esempio l'utilizzo del tappeto persiano come tratto distintivo.