Gremese Editore: Piccola biblioteca delle arti

Spesso, il lavoro teatrale svolto con gli allievi viene considerato solo nella sua fase "visibile": quella della rappresentazione. Docenti e animatori puntano per lo più all'apprendimento del testo, alla preparazione delle scenografie, dei costumi... per rendersi conto alla fine che manca proprio l'essenziale, vale a dire la riflessione e il lavoro sul corpo, lo spazio, la respirazione, la voce, il ritmo, il contatto e il rilassamento. Destinato a chi - da insegnante di scuola primaria o secondaria, o da animatore di un laboratorio teatrale - intenda organizzare al meglio l'attività da svolgere con i giovani allievi, questo volume propone uno stimolante e funzionale training di preparazione al teatro specificamente studiato per bambini e ragazzi dagli 8 anni in su, i quali saranno guidati lungo un percorso che consentirà loro di vincere la timidezza, sbloccare l'espressività della faccia e del corpo, affinare la percezione, controllare la gestualità e la voce. Frutto di una lunga attività di insegnamento e di educazione alla scena, le indicazioni contenute nel volume si riferiscono anche a come organizzare le singole sedute e - elemento fondamentale - tengono conto del tempo che si ha a disposizione per lo svolgimento del laboratorio o l'allestimento dello spettacolo: tre giorni, una settimana o un intero anno scolastico.

Scrivere e giocare a scrivere un corto teatrale, una drammaturgia concepita per essere breve e non "accorciata" da testi più lunghi. Come si fa? Ecco, proposta e articolata in questo volume, l'idea di un originale gioco di carte funzionali alla scena inventato da Lina Maria Ugolini, uno strumento creativo semplice, accessibile a chiunque - attori, docenti, alunni - voglia capire a fondo i meccanismi costruttivi che regolano la scrittura teatrale. Una scatola, al suo interno delle carte suddivise in quattro gruppi (tempo-ritmo, spazio, personaggi, oggetti) e dei fogli da usare come "bozzetti" della scena teatrale: questi sono i materiali di partenza, che l'autrice ci spiega come costruire con carta, forbici e colori. Dopodiché, il gioco può avere inizio. Seguendo le regole descritte, attraverso le varie combinazioni (del tutto casuali, per i più temerari!) ci ritroveremo con personaggi, oggetti e ambientazioni da organizzare in una breve sinossi, che a sua volta andrà poi strutturata in un tempo idoneo all'azione. Attraverso gli atti del costruire, giocare, scrivere, il nostro "corto" comincia dunque a prendere forma... Riusciremo a mettere a frutto in modo personale ma anche efficace i tantissimi spunti sparsi tra queste pagine, magari battendo sul tempo la squadra avversa?

In questo volume, Alberto Testa compone un vivifico ritratto di Rudolf Nureyev, il più acclamato danzatore del XX secolo. E sceglie di metterne in luce con delicatezza e profondità di sguardo gli aspetti antitetici che hanno segnato la sua esistenza di uomo e di artista: l'ossessivo bisogno di emergere e quello altrettanto urgente di libertà; la ferrea disciplina professionale e la trasgressiva, volubile vita privata; la luccicante ribalta del jet-set internazionale e l'intima solitudine; l'ineguagliabile vitalità dionisiaca delle sue esibizioni e il prematuro decadimento dovuto alla malattia. Ma il racconto qui non è mai un semplice resoconto, per quanto scrupolosamente documentato: perché accanto ai "fatti", Testa ci offre qualcosa di ancora più prezioso: vale a dire, il ricordo personale di chi allora - in veste di critico e strenuo appassionato di danza - si trovò a seguire e a commentare quei fatti, quella carriera, assistendo alle esibizioni mitiche del "tartaro volante" così come ai lampi mediatici di quell'esistenza privata condotta sul filo dell'azzardo e dell'insofferenza. In un linguaggio denso di umanità, di conoscenza e di esperienze vissute, questo volume si offre dunque come una testimonianza non solo sulla parabola artistica e umana del più splendente astro del balletto moderno, ma anche su molte quotidiane vicissitudini della danza del Novecento. L'una e le altre riferite ai lettori dall'angolo visuale di un osservatore privilegiato.

Con l'aiuto di esercizi commentati che lasciano grande spazio all'improvvisazione, questo volume propone un training specificamente adatto ai bambini, guidati attraverso un percorso che sviluppa più attitudini: ascolto, concentrazione, rilassamento, creatività, immaginazione ed espressività. Le tecniche sono suddivise per temi (il corpo, lo spazio, la voce, ecc.) e mirano nel loro complesso a liberare la personalità dei loro piccoli fruitori da timori e inibizioni, spronandoli alla libera espressione del loro mondo interiore anche attraverso l'acquisizione di una maggiore disinvoltura nei gesti e nei movimenti. Frutto di venticinque anni d'insegnamento e di palcoscenico, il volume si propone come una preziosa guida per gli insegnanti e gli animatori, ai quali consegna un ampio repertorio di attività non solo estremamente efficaci e variamente modulabili dal singolo conduttore, ma anche (ciò che di per sé rappresenta già una garanzia di successo con i bambini) davvero divertenti.

Si legge per imparare, per approfondire, per ampliare le proprie conoscenze, per studio, per lavoro... e semplicemente per il piacere di farlo. Sono tante le motivazioni per cui si legge. Ma raramente ci si pone il problema che bisogna anche "imparare a leggere". Ci ha pensato Maurizio Barbarisi, redigendo questo volume che, oltre a insegnare la tecnica del titolo, ripercorre metodi, strategie e propone esercizi, consigli, applicazioni pratiche e trucchi per affinare le doti intellettive, sviluppare la capacità di apprendimento, favorire la comprensione di un testo, potenziare la memoria... il tutto in modo efficace e, soprattutto, con i migliori risultati. Questo volume aiuta, quindi, ad apprendere e a mettere in pratica proficuamente le più valide tecniche di lettura, da quella veloce a quella ad alta voce, dal restart reading (una rapida scorsa al testo per individuare i particolari sfuggiti durante il primo approccio) alla rilettura vera e propria. Si sofferma inoltre su aspetti pressoché trascurati da altre pubblicazioni sull'argomento: la "ginnastica mentale" da svolgere per liberarsi da ansia e preoccupazioni prima di iniziare la lettura, e la ricerca del luogo migliore e del momento più adatto per dedicarsi a questa attività. Completano il libro un excursus sulla storia della lettura - dai rotoli di pergamena agli attuali fenomeni di aggregazione, interazione e confronto come i reading groups e il BookCrossing.

Il lavoro dello scenografo richiede una preparazione tecnica e culturale sempre più specifica. Tale assunto, valido già nel 2000 - anno della prima pubblicazione di questo volume -, lo è ancor più oggi, in un'epoca altamente digitalizzata che vede ogni giorno, anche nel campo dello spettacolo, la nascita di nuovi strumenti espressivi e "filosofie" comunicative. L'ampia revisione di questo testo, destinato a studenti e appassionati, non ha stravolto il suo impianto di base, aggiornandolo però in più punti in funzione delle nuove abilità richieste agli scenografi e degli inediti scenari didattici, normativi e professionali nei quali essi si muovono. Senza entrare nello specifico di nozioni eccessivamente settoriali, il manuale offre un ampio quadro d'insieme della professione: dalle responsabilità del mestiere alle strade formative più sicure ed efficaci; dalla lettura del testo, teatrale o cinematografico, all'incontro con il regista; dai problemi di budget e dai rapporti con la produzione al debutto o al primo ciak; dai bozzetti preparatori al laboratorio della scenografia vera e propria. Ne esce uno scrupoloso ma piacevolissimo excursus, reso ancora più incisivo dal frequente ricorso a illustrazioni e schemi esplicativi, celebri esempi (come i film di Fellini o di Scorsese) e testimonianze dei grandi scenografi internazionali.

Il teatro torna ad attirare l'interesse delle nuove generazioni, sedotte dalle figure dell'attore o del regista e interessate alle professionalità che ruotano intorno alla realizzazione di eventi culturali. L'autrice propone loro un testo semplice ma ben documentato, che illustra in maniera concreta le varie fasi organizzative di una messa in scena teatrale: dalla nascita della compagnia alla scelta del testo, dal reperimento del budget all'allestimento, dalle prove fino al debutto e alla successiva circolazione del "prodotto" spettacolo. Un "viaggio", dunque, attraverso il complesso sistema teatrale italiano, del quale sono analizzati i vari aspetti anche con l'ausilio delle testimonianze di grandi protagonisti della scena (tra i quali il regista Maurizio Scaparro, l'attore Toni Servillo, lo scrittore e attore Enzo Moscato) e di molti altri rinomati professionisti. Mettendo a frutto una trentennale esperienza nel campo dell'organizzazione teatrale, Thessy Sembiante ha realizzato un manuale completo di formazione e perfezionamento, indispensabile per i tanti giovani operatori del settore (o aspiranti tali) ma interessantissimo anche per tutti gli appassionati che almeno una volta si sono chiesti cosa accade dietro il sipario di un palcoscenico.

Maitre de ballet francese di fama europea, Marius Petipa è stato l'indiscusso artefice del balletto tardo-romantico russo. Al servizio dei Teatri Imperiali russi per oltre mezzo secolo con l'appoggio della famiglia reale e il favore della critica e del pubblico, il suo genio dominò incontrastato fino all'arrivo del nuovo direttore, il colonnello Teljakovskij, che dichiarò guerra all'anziano Maestro rendendone amaro il tramonto di carriera. Nel 1904, prossimo ai novantanni e ormai estromesso dalla scena artistica russa, Petipa decise di scrivere le sue Memorie. Ricche di ricordi lieti o toccanti, di aneddoti brillanti e talvolta mordaci che ben dipingono il clima artistico e mondano del tempo, le Memorie offrono un affascinante scorcio dell'Impero Russo tra il crepuscolo della cultura aristocratica zarista e i primi bagliori delle avanguardie del Novecento. Lasciando di tanto in tanto affiorare il risentimento del loro autore per le umiliazioni subite in vecchiaia e il rimpianto per l'epoca d'oro del balletto imperiale. Inedite in Italia, le Memorie di Petipa sono presentate in questo volume con una traduzione che attinge in parte al sopravvissuto manoscritto originale in lingua francese conservato nell'Archivio Bachrusin di Mosca, in parte alla prima edizione a stampa russa datata 1906.

Primo manuale italiano di analisi della danza classica, questo volume offre un approccio critico allo studio della danza esaminando i principi stilistici del balletto e la loro applicazione negli ambiti tecnico-esecutivo e didattico. Dopo una prima parte in cui vengono riassunti l'origine delle scuole storiche del balletto e l'impianto terminologico codificato dall'Académie Royale de Danse, si analizzano le categorie estetiche e i tratti stilistici distintivi della danza classica. Segue una terza parte dedicata all'analisi strutturale delle principali posizioni, pose, movimenti e ports de bras della scuola russa. L'estrema chiarezza del testo, l'originalità dell'impostazione e la varietà dell'apparato iconografico fanno di questo libro - ora proposto in un'edizione integralmente rivista e ampliata, anche con l'inserimento di molte nuove illustrazioni - un basilare testo di studio per esperti di danza, oltre che uno strumento di documentazione per tutti coloro che intendono accostarsi consapevolmente al linguaggio dell'arte tersicorea.

Il volume si presenta come una collezione di scene a due personaggi, suddivise secondo i possibili abbinamenti dei sessi (uomo-uomo, donna-donna, uomo-donna) e modulate secondo vari sentimenti e diverse temperature emotive. La prima è tratta da Seneca, cui seguono tutti i grandi contrafforti della cultura teatrale italiana e straniera: Machiavelli, Shakespeare, Goldoni, Ibsen, Cechov, Brecht, Miller, Lorca, Wilde, per ciascuno dei quali il volume cerca di proporre "scorci" drammaturgici inconsueti, talvolta addirittura sorprendenti. Analoga scelta è stata applicata alla selezione stessa degli Autori, cosicché accanto ai numi riconosciuti del teatro internazionale figurano talenti meno frequentati ma non meno interessanti: tra gli stranieri, citiamo Kohout, Mrozek, Sartre; tra gli italiani, Brancati, Fabbri e Augias. Per ogni brano viene specificata l'età degli interlocutori, e si offrono brevi note introduttive. Il volume è stato pensato come uno strumento maneggevole per gli allievi delle scuole di teatro, ma anche per gli attori che vogliano trovare nuovi percorsi interpretativi, oltre che naturalmente per gli appassionati tout-court.

Queste "Lettere impossibili" costituiscono una serie di invenzioni verosimili. Scritte da personaggi celebri ad altri, più o meno della medesima rinomanza, vengono prevalentemente siglate da raggelanti risposte, sempre sfasate e per lo più indirizzate a terzi. Lettere inventate, e nondimeno tutte costruite dall'autore su basi rigorosamente filologiche, ovvero attingendo ad episodi documentati e a materiali rispettosi della vita e della carriera dei protagonisti, colossi della cultura tardottocentesca e novecentesca. Sfilano così Henrik Ibsen e August Strindberg, Cesare Lombroso e il nipote Leo Ferrero, Corrado Govoni e Eleonora Duse, Italo Svevo e Luigi Pirandello, Dino Campana e Sibilla Aleramo, Carlo Emilio Gadda e Ugo Betti, Anna Lucia Joyce e Samuel Beckett, Gabriele D'Annunzio e le sue badesse-badanti al Vittoriale, Pier Paolo Pasolini e Don Lorenzo Milani. Ciascuno desideroso, a proprio modo, di raccontarsi, confidarsi, nell'attesa smaniosa e impotente di un segnale dell'altro che non può o non vuole arrivare. Le loro parole danno vita a monologhi intensi e appassionati, che sono stati portati in scena da Paolo Puppa in letture-performance di grande successo.

Nella sua attività di regista e insegnante di recitazione, Simon Dunmore ha osservato come, in sede di provino, le aspiranti attrici si orientino quasi sempre al repertorio "classico" dei monologhi shakespeariani. Ne conseguono audizioni che qualche volta annoiano gli esaminatori e costringono le candidate a un confronto diretto con molti, anche illustri, precedenti. Con questo volume, Dunmore fornisce un'alternativa alle solite performances proponendo cinquanta inconsueti monologhi shakespeariani al femminile: inconsueti perché tratti da opere meno frequentate (quali "Coriolano", "Pericle" e "Pene d'amor perdute") o recitati da personaggi secondari di testi famosi (Diana da "Tutto è bene ciò che finisce bene", Perdita da "Il racconto d'inverno", Ero da "Molto rumore per nulla" o Donna Capuleti da "Romeo e Giulietta"). Ogni monologo è preceduto da cenni storico-letterari sul brano e il personaggio che ne è protagonista. Ma moltissime altre indicazioni di carattere generale sono contenute negli ampi testi introduttivi del volume: in essi Dunmore tratteggia le caratteristiche salienti del canone shakespeariano inquadrandolo anche nel suo contesto storico, dopodiché si sofferma sulle regole essenziali per avvantaggiarsene al meglio in sede di audizione (numero e lunghezza dei brani, scelta tra versi o prosa, parole o frasi difficili da pronunciare, ecc.).