Silvana: Arte

Il volume è dedicato alla ricerca visionaria e poetica di Yuri Ancarani (Ravenna, 1972). Le sue opere nascono da un’originale e accurata commistione fra cinema documentario e arte video. Con lo stesso sguardo lucido e imparziale che contraddistingue da sempre il punto di vista dell’artista, il volume si propone di far emergere gli aspetti più autentici della sua produzione, rivelandone le diverse sfumature e i codici linguistici attraverso una vasta selezione di lavori del passato, affiancati da una nuova opera pensata appositamente per il PAC di Milano che ha accolto la mostra in occasione delle quale è stata realizzata la pubblicazione.

Questa monografia, dal ricco repertorio fotografico, si propone di offrire una narrazione visiva del pensiero di Giuseppe Pietroniro, caratterizzata, sin dalle prime opere, da una profonda riflessione sul concetto di Spazio, parola che volutamente più ricorre in questo libro. Nella sua elaborazione artistica confluiscono i frutti degli studi accademici di Scenografia, che ben raccontano la forma mentis dell’artista e l’origine della sua relazione appunto con lo spazio, nonché il contesto in cui l’artista si muove, ovvero la città di Roma, vera e propria “quinta teatrale” alla quale ispirarsi liberamente, tra i rifacimenti delle facciate barocche e le fughe prospettiche classiche. Le opere di Pietroniro, dai tratti anche ludici, aprono allo spettatore un mondo altro, magico: falsano le regole del gioco e arrivano a contraddire il concetto stesso di spazio, determinando una concezione temporale a tratti sospesa, nelle quali raggiunge un compromesso tra un mondo onirico e uno reale, tra metafisico e fisico. Il volume accoglie le riflessioni di Giuliana Benassi, Manuel Orazi, Jelena Todorovic, Davide Ferri, Lorenzo Benedetti, Claudia Gioia, e una conversazione con l’artista raccolta da Francesco Stocchi.

Il Novecento è stato un secolo di transizione tra l’arte ottocentesca e le avanguardie attuali che utilizzano modalità plastiche legate all’era digitale. In Europa sono nati movimenti di grande rilievo, in parte influenzati dalla cultura d’oltreoceano importata dopo la Seconda guerra mondiale. Alcuni pittori, tuttavia, pur essendo attenti a questi cambiamenti, hanno preferito percorrere la strada dell’introspezione senza legarsi a tendenze mainstream o a particolari correnti. Il libro racconta per immagini la progressione espressiva di Bruno Edel, uno di questi pittori, come Bacon, De Staël e Magnelli, che hanno subìto il fascino delle evoluzioni contemporanee per approdare a una sintesi estetica personale sorprendentemente avanzata e attuale.

Il volume è dedicato a una delle figure del mito classico più famose: Orfeo. Sono presentate in queste pagine una serie di opere d’arte che spaziano dall’antichità al contemporaneo, passando per capolavori di grandi artisti come Tiziano, Parmigianino, Rembrandt, Bruegel il Vecchio, De Chirico, Redon, Cocteau, Feuerbach. fino a Melotti e Paladino, solo per citarne alcuni. L’intento è quello di mette in risalto la risonanza che la sua figura ha avuto nella civiltà occidentale, ponendo particolare accento sulle tristi e tragiche vicende che lo legano all’amata Euridice, all’Ade, al potere del suo canto e alla furia delle Baccanti. Un’eco che pervade non solo l’ambito artistico, ma anche musicale, teatrale, filosofico e letterario, come spiegato nei saggi accolti.

"Studi d’artista. Un’avventura culturale" è un progetto editoriale che mette sotto la lente d’ingrandimento dieci studi d’artista romani dove protagonisti sono gli spazi, le opere, i pensieri di figure che vivono nel pulsante presente come presenze, come agenti pazienti del tempo, come testimoni attivi. A ogni artista che rientra in questo volume sono state lanciate, come pietre su una lastra d’acqua, due domande, una sulla sua Idea di Studio e una sulla sua Idea di Roma: il lettore ha modo di leggerne le risposte nelle pagine del libro, che raccontano visivamente luoghi, lavori, oggetti, dettagli, ossessioni, munifici anancasmi che si chiamano vita, martellante e palpitante vitalità. I dieci studi degli artisti proposti in questo reportage sono momenti riflessivi che, nella pluralità dei discorsi, mirano a evidenziare l’importanza del dialogo e la necessità di aprirsi all’aperto dell’altro per dar luogo a conversazioni in cui apprezzare anche la voce di cose tangibili e mute, in cui ascoltare i rumori (gli umori, gli odori) dello spazio che si apre e parla di sé, della sua potenza in atto dove poter scorgere – gustare – la produzione dell’opera in processo, dove far emergere il potere dell’opus alchemicus, dove individuare lo scavo, l’indagine, l’agilità di una mente sveglia che si espone a costanti (nuove) avventure.

Pioniere del writing europeo, 108, alias Guido Bisagni, si è affermato sulla scena internazionale con una pittura astratta che ingloba contraddizioni e mutamenti della nostra epoca. I testi di Domenico Russo sono da considerarsi scritti storici e personali, per una loro radicalità espressiva. In una sequenza fluida hanno l’illuminazione poetica con la quale restituiscono il pathos dell’opera di 108. Ripercorre, l’autore, la parabola artistica attraverso un processo interpretativo netto e profondo, volto a eviscerare le dinamiche dello spirito creativo che anima l’artista.

Le tre età è il primo vero capolavoro che inaugura una nuova stagione nella carriera di Gustav Klimt. L’artista elabora una iconografia personale, capace di fondare uno stile che influenzerà artisti in tutta Europa. Lo straordinario decorativismo degli sfondi, debitore dell’arte musiva ravennate, la capacità di concepire corpi sensuali e seducenti senza rinunciare al realismo sono le cifre di questo linguaggio inedito.

Il catalogo generale di Toti Scialoja (Roma, 1914 - 1998) documenta l’opera su tela e occasionalmente su altri supporti rigidi, e le sculture realizzate dall’artista tra il 1940 e il 1998. L’ampio corpus di opere viene ricostruito partendo dalla collezione dell’artista e da una assortita messe di cataloghi, libri, fotografie d’epoca spesso annotate e documenti (in primis la vasta corrispondenza) raccolti dall’artista nel corso dei decenni, patrimonio della Fondazione Toti Scialoja di Roma e oggetto di un fondamentale e certosino lavoro di studio che ha permesso di rintracciare, oltre a mostre e voci bibliografiche inedite, opere disperse o dimenticate e di ricostru- irne i passaggi collezionistici. A questo si affianca il puntuale regesto biografico, che permette di ricomporre le tante vicende che hanno visto Toti Scialoja protagonista di disparate espressioni nella cultura del suo tempo: in primis artista, ma anche docente e direttore dell’Accademia di Belle Arti di Roma - dove ebbe come allievi molti artisti contemporanei tra i quali Pino Pascali e Jannis Kounellis - e teorico del proprio lavoro, spaziando in più campi espressivi come la poesia, la critica d’arte e letteraria, il teatro. Negli anni Scialoja ha allargato la sua attività alle esperienze più avanzate della ricerca artistica internazionale e il suo ruolo di grande maestro viene oggi universalmente riconosciuto.

La melma è una materia primordiale, qualcosa che cela la vista e proietta sull’ignoto inteso sia come mondo interiore, sia come tensione verso l’esterno. Ho sempre parlato dell’arte come una pesca a mani nude nel fango, dove è possibile trovare ciò che non conosci ma che tenti di riconoscere. La melma richiama per ognuno di noi qualcosa di pasticciato, paludoso, magmatico e merdoso ma rimanda anche ad alcune mitologie per le quali tanto la foschia quanto la melma sono portali che permettono l’accesso al magico e al misterioso. A livello sensoriale ricorda uno stato prenatale, perché è dalla terra, dall’humus, che viene plasmato l’umano. La melma è in antitesi con tutta quella ricerca di una vita fuori dal nostro pianeta, verso le stelle e le altre costellazioni. Non ci curiamo della nostra presenza sulla Terra e cerchiamo già la soluzione da un’altra parte. Nascondiamo il caos, non scaviamo nella melma ma la proiettiamo da un’altra parte.

Il fascino dell’inflatable art si svela in un catalogo che raccoglie le opere di 44 artisti, ordinati alfabeticamente dalla a alla z. Un lavoro pensato per esaltare la ricchezza e le molteplici espressioni estetiche e concettuali dei protagonisti di uno dei fenomeni espositivi più acclamati al mondo: balloon museum con le tre mostre Pop air, let’s fly ed emotionair. Il volume, arricchito di saggi storici e immagini inedite che contestualizzano la portata di questa forma d’arte, invita il lettore a esplorare l’invisibile dell’aria in una nuova, sorprendente dimensione.

Questo volume presenta il lavoro di otto coppie innovative - Sue Arrowsmith & Ian Davenport, Rob & Nick Carter, Charlotte & Philip Colbert, Rossella Fumasoni & Piero Pizzi Cannella, Ilya & Emilia Kabakov, Carolina Mazzolari & Conrad Shawcross, Annie Morris & Idris Khan, Shirin Neshat & Shoja Azari - invitate a esporre a una mostra ospitata alla Muciaccia Gallery di Roma (maggio-luglio 2024). Questi artisti intergenerazionali, le cui pratiche multidisciplinari spaziano dalle opere concettuali ai dipinti digitali, sono stati testimoni di un’era di cambiamenti sismici, poiché i vecchi paradigmi svaniscono sulla scia delle crisi globali e dei progressi tecnologici. Le politiche di genere e identità, i diritti civili, le eredità ecologiche e postcoloniali sono alcune delle questioni urgenti che un mondo dall’aspetto sempre più fragile deve affrontare. In questo contesto, questi duetti contemporanei affrontano la complessità delle relazioni e allo stesso tempo spingono i confini dell’espressione artistica.

Il catalogo della mostra propone un approfondimento sul maestro fiorentino Giuliano Vangi (1931-2024), con particolare riferimento allo studio del disegno e del segno grafico volti a realizzare la scultura. La levatura artistica del maestro Vangi, che lo qualifica fra i massimi scultori contemporanei a livello internazionale, è percepibile anche nella grande abilità del disegno e del tratto figurativo oltreché delle tecniche, dove egli esprime una straordinaria forza emozionale ed evocativa. La sua continua ricerca lo porta alla sperimentazione di diverse tecniche grafiche dell’incisione, tra cui l’acquaforte, il bulino, l’acquatinta e la puntasecca. Giuliano Vangi, per arrivare a elaborare la propria espressione artistica, attinge direttamente dal vero con frequenti richiami alla tradizione fiorentina, in una ricerca che oscilla costantemente tra memoria e modernità. Al centro di ogni sua indagine egli pone l’essere umano e i suoi moti dell’anima. La mostra di Chiasso è stata interamente concepita e discussa dai co-curatori con il maestro Giuliano Vangi vivente e costituisce una prima a livello espositivo, il cui allestimento è stato realizzato da Mario Botta. Il presente catalogo propone quasi duecento disegni di studio, a matita e china con biacca e acquarellature, seppia, sanguigna oltre a cinque sculture in bronzo, nichel, marmo e acciaio, espressioni emblematiche della sua ricerca artistica. Tre sculture sono esposte in una sezione distaccata della mostra, nel parco del Centro seminariale di Villa Pontiggia a Breganzona (Lugano). Le tavole contengono una selezione della produzione grafica di Vangi a partire dal 1944, anno in cui iniziò a eseguire i disegni scolastici, fino ad arrivare ai primi mesi del 2024 con opere di grande valore artistico ed emozionale. Il maestro è venuto a mancare a fine marzo 2024 quando il progetto espositivo era stato completato, e questa risulta essere la prima mostra postuma di Giuliano Vangi. A fornire una lettura critica delle opere presentate in catalogo sono i saggi di Marco Fagioli e Nicoletta Ossanna Cavadini, oltre all’intervista a Mario Botta e al ricco apparato bio-bibliografico.