Silvana: Arte

La stagione germinale della Performance Art in Italia è un ambito di ricerca che necessita ancora di essere indagato e di essere attraversato sulla base di una ricognizione storico-critica. Gli eventi performativi e comportamentali costituiscono infatti un tessuto operativo ricco, ma anche discontinuo e complesso, rimasto sovente ai margini delle grandi narrazioni, sia per la resistenza alle dinamiche del mercato e ai circuiti espositivi istituzionali, sia per la relazione che si attiva tra pratica contingente, che coinvolge il corpo e l’azione, e archivio. Alla luce di tali considerazioni il volume propone un’analisi dei molteplici contesti espressivi, delle geografie e dei luoghi di ideazione e fruizione delle pratiche performative in Italia.

La storia della regina Ester ha suscitato nei secoli un forte interesse, e non solo presso le comunità ebraiche, perché è il racconto di una donna che ha salvato il suo popolo, come altre eroine bibliche, ma che si distingue per alcune peculiarità come il segreto, la dissimulazione, l'identità nascosta: tutti concetti e interpretazioni che permettono svariati piani di lettura. La figura di Ester è stata pertanto protagonista di romanzi, opere teatrali e musicali e soprattutto di opere pittoriche fin dalla tarda antichità e poi in epoca rinascimentale e barocca. Per la prima volta vengono accostate alcune tra le più belle Meghillot Estèr conservate in Italia, con le loro meravigliose miniature, a note opere d'arte rinascimentali: un'occasione unica per capire come la vicenda biblica fosse considerata dentro e fuori il mondo ebraico e come si siano diffusi i modelli iconografici, diventati infine canonici nell'immaginario contemporaneo attraverso le interpretazioni cinematografiche.

La storia della regina Ester ha suscitato nei secoli un forte interesse, e non solo presso le comunità ebraiche, perchè è il racconto di una donna che ha salvato il suo popolo, come altre eroine bibliche, ma che si distingue per alcune peculiarità come il segreto, la dissimulazione, l'identità nascosta: tutti concetti e interpretazioni che permettono svariati piani di lettura. La figura di Ester è stata pertanto protagonista di romanzi, opere teatrali e musicali e soprattutto di opere pittoriche fin dalla tarda antichità e poi in epoca rinascimentale e barocca. Per la prima volta vengono accostate alcune tra le più belle Meghillot Estèr conservate in Italia, con le loro meravigliose miniature, a note opere d'arte rinascimentali: un'occasione unica per capire come la vicenda biblica fosse considerata dentro e fuori il mondo ebraico e come si siano diffusi i modelli iconografici, diventati infine canonici nell'immaginario contemporaneo attraverso le interpretazioni cinematografiche.

Situato dal 1898 nel palazzo già appartenuto al senatore del Regno Leopoldo Galeotti, il Museo Civico di Pescia ha intrecciato la sua lunga vita con le vicende della storia locale e nazionale, così come con altri musei del territorio e importanti istituzioni quali la Galleria degli Uffizi e la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Ricco di una collezione multiforme che va dalla pittura, alla scultura sino a un rilevante fondo di grafica, estesa cronologicamente dall’antico al contemporaneo, il Museo Civico di Pescia non è mai stato raccontato nella sua complessità. Questo volume prova dunque a illustrare per la prima volta storia e collezioni di un’istituzione prestigiosa per la città, ripercorrendone le principali vicissitudini dalla sua fondazione: dai mutamenti occorsi nel palazzo Galeotti, alle vicende che hanno portato alla costituzione delle sue collezioni, tra cui in particolare il deposito delle opere della Galleria degli Uffizi, che dura dai primi anni del Novecento, e la lunga vicenda della raccolta Ansaldi, giunta al Museo nel 1989 dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Corredato dalla schedatura scientifica delle opere al momento esposte e da un saggio sulle collezioni di grafica, fino ad ora mai studiate, il volume vuole essere un primo invito all’esplorazione di uno dei più interessanti musei civici della Toscana.

Andrea Cusumano (Palermo, 1973) è un artista, performer e regista italo-britannico. La sua produzione si articola attraverso diversi media e un fecondo sconfinamento tra le discipline artistiche. Elementi che si completano a vicenda formando un’opera d’arte complessa e coerente, in linea di continuità con la tradizione del Gesamtkunstwerk. Allievo e collaboratore di Hermann Nitsch, direttore musicale dell’Orgien Mysterien Theater sin dal 1998, Cusumano, nel corso di un processo sperimentale durato oltre trent’anni, ha sviluppato una ricerca incentrata sulla drammaturgia dello spazio, producendo un personale e originalissimo corpus d’opere che costituisce una lettura contemporanea del concetto di Arte Totale in chiave post-umanista. La mostra Raumdramaturgie presso il Nitsch Museum di Mistelbach in Austria, a cura di Fabio Cavallucci e Giulia Ingarao, mette per la prima volta in evidenza il rapporto tra queste due ricerche così profondamente vicine e al contempo indipendenti. I temi spaziano dalla morte alla trascendenza, fino all’aspirazione alla catarsi per mezzo dell’arte.

Nel 2005 Adrian Piper emigrò segretamente dagli Stati Uniti e passarono diversi mesi prima che qualcuno si rendesse conto che era scomparsa. Riapparsa a Berlino, vi è stabilita, rifiutandosi costantemente e fermamente di tornare negli Stati Uniti o di spiegare il motivo per cui se ne fosse andata. Molti presumono che la causa sia la scoperta che il suo nome fosse stato inserito nella lista dei viaggiatori sospetti del Dipartimento di sicurezza dei trasporti degli Stati Uniti. Altri evidenziano la cessazione forzata della sua cattedra da parte del Wellesley College. Altri ancora ipotizzano che la presidenza di George W. Bush, il razzismo americano o l’invasione dell’Iraq l’abbiano indotta ad andarsene. Tutte queste congetture sono infondate. "Fuga a Berlino. Memorie di viaggio" è un avvincente racconto autobiografico che fornisce un resoconto completo dei fatti.

In "Land in land out" sedici artisti, italiani e belgi, dialogano con otto capolavori delle Gallerie degli Uffizi sul tema del paesaggio e della sua rappresentazione, in un formato inusuale e volutamente antitetico alla magniloquenza oggi imperante, quello 16:9 dei moderni smartphone. Presentata agli Uffizi nel 2024, la mostra invita a ripensare la pratica del guardare, per captare quella sottile, intima linea che intercorre fra il dentro e il fuori, fra il qui e l’altrove; quella impercettibile ma reale vibrazione che si attiva fra l’opera d’arte e il suo osservatore.

La figura di santa Rosalia occupa un posto di assoluto rilievo nell’immaginario dei palermitani ormai da quattro secoli. Fu nel 1624, infatti, che la città si legò per sempre alla vergine eremita in un rapporto di perenne gratitudine per averla liberata dalla terribile piaga della peste, intercedendo presso la Trinità per la sua salvezza. A partire da allora, il mito di Rosalia è diventato negli anni successivi un’epopea fatta di narrazioni agiografiche, racconti popolari e un vastissimo repertorio figurativo costruito dagli artisti nel tempo, nel quale l’immagine della Santuzza viene declinata di volta in volta con il linguaggio e lo stile dell’autore, divenendo così un’icona senza età. La corona di rose, l’umile saio, il teschio, i gigli, il libro, il crocifisso e il rosario la accompagnano in tutte le sue rappresentazioni, sia che venga ritratta come un’esile ragazza siciliana o come un’imponente fanciulla fiamminga. La figura di Rosalia attraversa così i secoli per giungere fino a noi, simbolo di fede e salvezza ancora in grado di unire e di emozionare un’intera comunità.

Il volume racconta l’incontro entusiasmante tra alcuni capolavori della collezione della Galleria d’Arte Moderna di Roma e il linguaggio artistico dei Miaz Brothers, la coppia di artisti fratelli chiamati a cimentarsi, per l’occasione, nella reinterpretazione dei grandi Maestri del XX secolo della collezione Capitolina: Giacomo Balla, Filippo de Pisis, Renato Guttuso, Camillo Innocenti, Carlo Levi, Antonio Mancini, Mario Mafai, Giorgio Morandi, Auguste Rodin, Mario Sironi, Adolfo Wildt e altri, attraverso uno stile ritrattistico innovativo, in cui i soggetti originali, riconoscibili nei tratti principali, appaiono fuori fuoco. Durante il loro processo creativo i due artisti, infatti, si sono ispirati direttamente – o indirettamente secondo i casi – ad alcuni capolavori del museo, focalizzando in particolare l’attenzione creativa sul tema, oggi molto sentito e dibattuto, della post-verità. Con questo termine si intendono quelle notizie che, seppur false, vengono credute vere da un numero significativo di persone. Queste ultime le valutano sulla base delle proprie emozioni e pregiudizi, senza dare credito a fatti e dati oggettivi che perdono così di significato e importanza. In questo modo la voluta manipolazione si realizza attraverso il linguaggio che i due artisti trasformano in arte attraverso un percorso ormai ventennale incentrato sulla percezione e sulla relazione fra realtà e immaginazione, visibile e invisibile.

Le opere di Duccio di Boninsegna, di Gentile da Fabriano, del Maestro della Madonna di Perugia, di Giovanni Baronzio, di Cataluccio da Todi e di Bartolomeo Caporali accanto ad artisti a noi vicini quali Alberto Burri, Gino De Dominicis, Lucio Fontana, Marisa Merz, Michelangelo Pistoletto e Carol Rama costruiscono un percorso assolutamente unico, attraverso sei dialoghi tra antico e moderno che, in nome dell’uso dell’oro, vedono affiancati lavori i quali per assonanze tecniche, estetiche e concettuali propongono nuovi confronti, suggestioni e prospettive spalancando inediti orizzonti di interpretazione.

La figura di Alessandro Rimini, un protagonista dell’architettura italiana tra le due guerre, è rimasta a lungo celata nell’oblio, in conseguenza delle leggi razziali che durante il regime fascista lo hanno costretto all’anonimato, e solo negli ultimi anni sta ricevendo l’attenzione degli studiosi e riscuotendo i primi segni di interesse pubblico da parte della sua città d’elezione, Milano. Questo libro ne ripercorre in maniera organica l’attività professionale, dalle prime esperienze nell’ambito dell’Ufficio Belle Arti e Monumenti di Trieste, alla lunga collaborazione con l’impresa edilizia milanese dell’ingegnere Mario Lucca, per cui Rimini realizza numerose sale cinematografiche, una ricca serie di edifici residenziali, nonché il progetto esecutivo dell’ospedale Cardarelli di Napoli. Attento alle diverse espressioni della modernità maturate nel corso del Novecento, Rimini si dimostra infatti un progettista di qualità non comune, con una sensibilità per gli effetti di luce e trasparenza che gli deriva dalla formazione veneziana e un’attenzione per gli accostamenti cromatici sperimentata nella sua parallela attività di pittore.

Il volume intende indagare affinità e punti di tangenza tra Lucio Fontana e Alberto Giacometti, due pilastri dell’arte del Novecento, le cui opere sono poste al centro di un dialogo inedito e sorprendente. Figure dalle indoli opposte, ma accompagnate dalla stessa magnifica ossessione per l’invisibile che è dentro e fuori di noi, Giacometti e Fontana lavorano la materia alla ricerca dell’assoluto. Sigillando l’eterno dentro i confini del modellato, la pratica di entrambi si impernia sul gesto e la manipolazione, sulla concentrazione e la rinuncia alla forma definitiva. È uno struggente senso del sacro a nutrire il loro slancio verso l’insondabile mistero dell’esistenza: una tensione spesso tradotta in indagine sul valore formale e semantico del vuoto, inteso come allegoria di una possibilità oltre il visibile.