Silvana: Arte

Le immagini sono una parte della nostra cultura, importante almeno quanto le parole e i numeri. Dodici studiosi e studiose di differenti discipline sociali e di differenti generazioni raccolgono la sfida e discutono le opportunità che le immagini presentano come oggetto, come fonti, come metodi per la ricerca in sociologia, scienza politica, diritto, filosofia politica, antropologia culturale, geografia, storia, semiotica, linguistica. Un artista spiega come l’arte sia anche metodo e ricerca e perciò possa dialogare con le scienze. I curatori infine illustrano al lettore con una serie di opere di arte figurativa i concetti che oggi orientano la ricerca sociale. Il libro propone così all’amante dell’arte contemporanea una nuova possibilità di lettura delle opere e a persone interessate alle scienze sociali una nuova via di accesso, mentre apre strade innovative a chi fa ricerca.

Il libro è diviso in quattro capitoli dedicati al mare, all'urbe, alle campagne e alle alture. Per il progetto, il fotografo e architetto Roberto Mirulla ha utilizzato sempre un obiettivo decentrabile che viene impiegato specialmente per la fotografia di architettura. Ogni "paesaggio ricomposto" è realizzato scattando sul posto 12 fotografie in sequenza, variando a ogni posa il decentramento. In un secondo momento, Mirulla riunisce tutti i fotogrammi sovrapponendoli, e dunque l'immagine che ne deriva risulta più ampia di ogni singolo fotogramma. L'immagine finale ricomposta con tutti i rettangoli visivi forma lo scalettato ai bordi che caratterizza tutte le fotografie della serie. Inoltre, variando l'esposizione da un fotogramma all'altro, il fotografo è riuscito a ottenere degli effetti di profondità all'interno dell'immagine. Un processo lento sia in ripresa che in successiva ricomposizione, necessario per riuscire a bilanciare composizione e luce nell'intento di trovare il giusto equilibrio, il giusto istante.

Nelle sculture di Helidon Xhixha, la materia inerte e pesante dell'acciaio diventa leggera e disponibile a ogni trasformazione. E, a sua volta, la specchiante levigatezza della superficie dà vita a un ammaliante processo illusionistico, animato da apparizioni inattese, leggere e fluttuanti, pronte a rigenerarsi o a scomparire al più piccolo movimento di chi vi si pone di fronte. Forte di una potente attitudine creativa costante in ogni suo progetto, l'artista suscita meraviglia quando avvolge e coinvolge sia il pubblico sia lo spazio, facendoli diventare parte attiva e imprescindibile delle monumentali installazioni scultoree pensate e realizzate per i sontuosi saloni neoclassici del Palazzo Reale di Milano.

Questo volume racconta la storia della collezione di Filiberto e Bianca Menna, nata da una condivisa passione per il presente dell'arte. Le opere raccolte nel corso di anni di intensa attività critica e artistica testimoniano di una singolare avventura intellettuale che ha trovato nel Lavatoio Contumaciale, attivo a Roma sin dal 1974, uno spazio privilegiato di esposizione e di confronto attraverso raffinati eventi di poesia visiva, esposizioni e incontri sugli statuti della critica d'arte e sull'estetica. Occasioni del tempo documenta anche la consistenza e la storia culturale delle opere che Bianca Menna, in arte Tomaso Binga, ha voluto recentemente donare alla Fondazione Filiberto e Bianca Menna. Un patrimonio divenuto bene comune con l'idea di dare vita a un museo che ne mantenga attivi il valore e il significato.

Il volume, dal taglio monografico, accompagna la più ampia esposizione mai dedicata a Mario Nigro (Pistoia, 1917 - Livorno, 1992) con oltre centoquaranta opere dal 1947 al 1992, tra dipinti, lavori tridimensionali e su carta, insieme a una vasta selezione di documenti. Il volume ripercorre i diversi momenti del linguaggio artistico di Nigro: da un'attitudine sperimentale a partire dagli anni Quaranta, ad un deciso orientamento verso le strutture compositive astratte e geometriche degli ultimi anni. Le opere dell’artista suggeriscono un orizzonte narrativo ricorrente basato sul “ritmo”, le “forme” e il “tempo”, frutto di una visione in cui la conoscenza della musica e del sapere scientifico hanno un’influenza determinante. Il volume contiene un saggio di Antonella Soldaini, un’intervista di Elena Tettamanti con Tommaso Trini sul lavoro e la figura di Mario Nigro, un saggio di Francesca Pola dedicato all’opera su carta, una dettagliata cronologia e un aggiornato apparato bio-bibliografico per approfondire la figura del pittore toscano.

Il volume è l'espressione editoriale della mostra omonima allestita presso il Palazzo delle Albere a Trento: un percorso emozionale dedicato ai colori e alla loro percezione che si trasforma in un portale di accesso al suggestivo intreccio di arte e scienza. “Cosa sia il colore è una domanda che ha affascinato la cultura di ogni tempo e le risposte sono sempre andate oltre le spiegazioni scientifiche che riceviamo dalla fisica, dalla matematica, dalla biologia, perché i colori suscitano e rappresentano un’emozione, uno stato d’animo, generano conoscenza, elaborano sentimenti e simbologie.” (Stefano Zecchi)

Nove grandi sculture riassumono l’evoluzione negli ultimi vent’anni del linguaggio formale delle opere di Riccardo Cordero e ne consentono una visione mai prima così integrata ed intima, esplorando i dettagli delle strutture da differenti punti di vista. Nello stesso tempo, la loro collocazione nei Giardini della Reggia di Venaria offre ai visitatori l’opportunità di seguirne passo dopo passo le trasformazioni nel corso delle stagioni e di constatare la reale vita delle sculture in un contesto che muta giorno dopo giorno, in differenti condizioni di luce e nel costante e progressivo variare della natura: i colori autunnali con il loro foliage multicolore, il candore della neve nelle terse giornate invernali, il primaverile annuncio dato dalla fioritura dei ciliegi, seguita dal risveglio delle gemme degli alberi sino alla rinascita del verde nei prati, nelle siepi e nelle piante che animano tutta la natura, prefigurando la successiva calura estiva di questi spettacolari e regali Giardini.

Il volume è dedicato all’opera di Jenny Saville (Cambridge, 1970), una delle più grandi pittrici contemporanee e voce di primo piano nel panorama artistico internazionale. Saville trascende i limiti tra figurativo e astratto, tra informale e gestuale, riuscendo a trasfigurare la cronaca in un’immagine universale, che rimette al centro della storia dell’arte la figura umana - corpi enormi, nudi, dalla fisicità carnale e oppressi da un peso che è più esistenziale che materiale. Seville si riallaccia alla grande tradizione pittorica europea, in costante confronto con il modernismo di Willem de Kooning e Cy Twombly e la ritrattistica di Pablo Picasso e Francis Bacon. Il suo lavoro delinea una forte correlazione anche con i maestri del Rinascimento italiano, in particolare con alcuni grandi capolavori di Michelangelo. Il volume accoglie un ricco catalogo di dipinti e disegni creati dall’artista dagli anni ‘90 a oggi.

Reale, astratto, surreale: mai come nel caso di Romano Tagliaferri (Milano, 1940 - Piacenza, 2006) le categorie, pur legittime, si rivelano inadeguate. La sua arte è stata tutte queste cose e anche altro: un viaggio della fantasia ma anche della memoria; una meditazione sulla vitalità della natura e insieme sulla sua incomprensibilità. Esponente nel 1965 del Gruppo A con William Xerra e altri artisti, Tagliaferri è stato poi vicino, ma in modi originali e autonomi, alla Scuola di Piacenza. Negli ultimi anni ha invece elaborato un decorativismo fantastico, ispirato di volta in volta ai miti nordici, ai mondi dell’Oriente, ai percorsi immateriali della posta elettronica. Nelle sue opere le reminiscenze dell’antico sono ripensate nell’angolatura del domani e, simmetricamente, il presentimento del futuro è intuito alla luce del passato. Il volume ne ripercorre vita e produzione artistica, attraverso i testi di Elena Pontiggia ed Eugenio Gazzola, ed è completato da un’antologia critica, dagli anni sessanta ai duemila.

Le opere di Antonella Zazzera catturano perché cristallizzano il gesto originario, come fosse divinatorio, rituale e necessario. Non c’è intento tessitorio ma abbiamo a che fare con infinite trame e interminabili orditi. Il filo non è mosso dall’ostinato saliscendi del cucire, non si inabissa per poi riaffiorare, ma sedimenta, resta in superficie e genera superfici, volumi e inter-superfici. È un mezzo: strumento, materia e materiale, essenza stessa dell’opera.

L'opera di Taroni-Cividin costituisce una delle aree più innovative del panorama sperimentale internazionale. Attivi fra il 1977 e il 1984, i due artisti si sono spinti ai margini di pratiche cinematografiche e performative, del live e del registrato, sviluppando un linguaggio altamente personale che continua a generare domande in alcuni dei dibattiti più urgenti del momento contemporaneo. Taroni-Cividin. Performance, Video, Expanded Cinema (1977-1984) vuole rendere giustizia alla complessità e alla ricchezza del lavoro di Taroni-Cividin, restituendo al lettore la prospettiva teorica che lo guidava, valorizzando preziosi materiali d'archivio, ed esplorando con nuovi strumenti critici una stagione ad oggi non ancora sufficientemente approfondita dell'arte contemporanea.