Silvana: Arte

Il volume è dedicato all’opera di Jenny Saville (Cambridge, 1970), una delle più grandi pittrici contemporanee e voce di primo piano nel panorama artistico internazionale. Saville trascende i limiti tra figurativo e astratto, tra informale e gestuale, riuscendo a trasfigurare la cronaca in un’immagine universale, che rimette al centro della storia dell’arte la figura umana - corpi enormi, nudi, dalla fisicità carnale e oppressi da un peso che è più esistenziale che materiale. Seville si riallaccia alla grande tradizione pittorica europea, in costante confronto con il modernismo di Willem de Kooning e Cy Twombly e la ritrattistica di Pablo Picasso e Francis Bacon. Il suo lavoro delinea una forte correlazione anche con i maestri del Rinascimento italiano, in particolare con alcuni grandi capolavori di Michelangelo. Il volume accoglie un ricco catalogo di dipinti e disegni creati dall’artista dagli anni ‘90 a oggi.

Reale, astratto, surreale: mai come nel caso di Romano Tagliaferri (Milano, 1940 - Piacenza, 2006) le categorie, pur legittime, si rivelano inadeguate. La sua arte è stata tutte queste cose e anche altro: un viaggio della fantasia ma anche della memoria; una meditazione sulla vitalità della natura e insieme sulla sua incomprensibilità. Esponente nel 1965 del Gruppo A con William Xerra e altri artisti, Tagliaferri è stato poi vicino, ma in modi originali e autonomi, alla Scuola di Piacenza. Negli ultimi anni ha invece elaborato un decorativismo fantastico, ispirato di volta in volta ai miti nordici, ai mondi dell’Oriente, ai percorsi immateriali della posta elettronica. Nelle sue opere le reminiscenze dell’antico sono ripensate nell’angolatura del domani e, simmetricamente, il presentimento del futuro è intuito alla luce del passato. Il volume ne ripercorre vita e produzione artistica, attraverso i testi di Elena Pontiggia ed Eugenio Gazzola, ed è completato da un’antologia critica, dagli anni sessanta ai duemila.

Le opere di Antonella Zazzera catturano perché cristallizzano il gesto originario, come fosse divinatorio, rituale e necessario. Non c’è intento tessitorio ma abbiamo a che fare con infinite trame e interminabili orditi. Il filo non è mosso dall’ostinato saliscendi del cucire, non si inabissa per poi riaffiorare, ma sedimenta, resta in superficie e genera superfici, volumi e inter-superfici. È un mezzo: strumento, materia e materiale, essenza stessa dell’opera.

L'opera di Taroni-Cividin costituisce una delle aree più innovative del panorama sperimentale internazionale. Attivi fra il 1977 e il 1984, i due artisti si sono spinti ai margini di pratiche cinematografiche e performative, del live e del registrato, sviluppando un linguaggio altamente personale che continua a generare domande in alcuni dei dibattiti più urgenti del momento contemporaneo. Taroni-Cividin. Performance, Video, Expanded Cinema (1977-1984) vuole rendere giustizia alla complessità e alla ricchezza del lavoro di Taroni-Cividin, restituendo al lettore la prospettiva teorica che lo guidava, valorizzando preziosi materiali d'archivio, ed esplorando con nuovi strumenti critici una stagione ad oggi non ancora sufficientemente approfondita dell'arte contemporanea.

La pittura di Giuseppe Salvatori è una visione assoluta. La centralità della figura attraversa il corpo della pittura occidentale, ne contiene il segreto e la continuità di canto. Dagli esordi degli ultimi anni settanta, nelle forme di una neofigurazione che vieta le scorciatoie del postmoderno, la sua pittura chiede d’essere un appello alla dignità dell’umano. Non c’è nulla di fatuo nel segno decorativo se la decorazione si fa armonia e musica. Non c’è niente di nostalgico se il tratto dell’arte è la sensibilità di una poesia che guarda alla rappacificazione del dolore con la fragilità delle cose. Il lavoro di Salvatori è votato a narrare quanto il valore della realtà sia l’altezza etica del capire chi siamo veramente. Queste sue immagini restano il sogno antico e contemporaneo di un’intelligenza febbrile. Giacché dipingere vuol dire aggiungere vita alla vita.

Le teste in terracotta di Paolo Delle Monache raccolte in questo volume “sono – come scrive l’artista – l’eco di forme incontrate molti anni fa, grandi sassi vicini tra loro, disseminati in una faggeta. Ho cercato di evocare il dialogo muto tra loro. Presenze apparentemente sparse che rafforzano sé stesse e le altre con il loro apparire insieme. Contengono pensiero e memoria e forse ci mettono di fronte a quello che abbiamo perso di recente, lo stare accanto gli uni agli altri”.

"Arte e spazio pubblico" è un progetto di ricerca a cura della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura e della Fondazione Scuola dei beni e delle attività culturali. Una ricerca su pratiche artistiche e strategie di progettazione negli spazi pubblici, su processi partecipativi, politiche pubbliche di rigenerazione di spazi urbani e territori, su committenti, mediatori e comunità, sul ruolo della conservazione delle opere d’arte nello spazio pubblico e sulla temporalità dell’opera d’arte pubblica. Il volume restituisce gli esiti delle giornate di studio Arte e spazio pubblico, dei tavoli di lavoro e della giornata di sintesi finale. Raccoglie i contributi di studiosi, artisti e curatori, architetti, giuristi e attori istituzionali, selezionati da una call for abstract e invitati a presentare ricerche, pratiche e casi studio, da cui emerge una visione a tutto campo sui temi Spazio, Temporalità, Partecipazione e Committenza.

Questo atlante visivo del Bestiario della Terra, il progetto artistico promosso nel 2022 dall’Associazione Reggio Parma Festival (costituita da Fondazione Teatro Regio di Parma, Fondazione Teatro Due, Fondazione I Teatri di Reggio Emilia e dalle due Città di Parma e Reggio Emilia) restituisce al lettore la visionaria e complessa meta-opera di Yuval Avital. In questo progetto l’artista connette e pone in dialogo differenti linguaggi artistici: dal suono alla performance, dalla pittura al disegno, dal video alle installazioni icono-sonore. Tutte le tappe in cui il suo lavoro si è snodato hanno preso vita in luoghi e spazi diversi delle province di Parma e Reggio Emilia, creando un intenso dialogo con il territorio. La loro successione si rispecchia nei capitoli di questo ‘atlante’: Anatomie Squisite in dialogo con la Collezione Spallanzani, Musei Civici, Reggio Emilia; Il Canto dello Zooforo, Casa del Suono, Parma; Cadavre Exquis, Magazzino Farmacie Comunali Riunite, Reggio Emilia; Lessico Animale. Prologo, APE Parma Museo, Parma; Membrane, Chiostri di San Pietro, Reggio Emilia; Mostrario parte I, Teatro Regio, Parma; Mostrario parte II, Teatro Due, Parma; Mostrario parte III, Teatro Municipale Valli, Reggio Emilia; e inoltre Persona (promossa da Parma 360 in collaborazione con Reggio Parma Festival), Palazzo Marchi, Parma. La realizzazione del progetto ha annoverato oltre 500 collaborazioni, tra istituzioni, associazioni culturali, maestranze artistiche, artigiani, tecnici, danzatori, cantanti, musicisti, performer, e ha contato più di 20.000 presenze agli eventi.

Un grande volume per celebrare i sessant’anni di carriera - e i novant’anni di età - di Michelangelo Pistoletto (Biella, 1983), una delle voci più note e affermate internazionalmente dell’arte contemporanea. In queste pagine sono riproposte le opere simbolo del maestro, dalle storiche alle più recenti: dagli anni Sessanta con Metrocubo di Infinito, Venere degli Stracci, Orchestra di stracci e Labirinto, continuando poi con gli anni Settanta con L’Etrusco e la serie delle Porte Segno Arte e Autoritratto di Stelle, fino agli anni Novanta e Duemila con Libri, i quadri specchianti, Love Difference – Mar Mediterraneo, Neon e Terzo Paradiso. Una rassegna che accompagna in un viaggio emozionante dentro la poetica e il mondo, i tanti mondi, del maestro piemontese: come recita il sottotitolo, le opere di Pistoletto raccontano di un’infinità di modi di fare arte, un’infinità di modi di vedere, di cambiare prospettiva, di leggere la realtà. Al centro un unico artista ma nelle sue tante possibilità di essere, di trasformarsi, di raffigurare e rappresentarsi. «Con Oggetti in meno, già nel 1965, Michelangelo Pistoletto teorizzava la fragilità commerciale di un’identità artistica ridotta a riconoscibilità di mercato. Opere distorte, linguisticamente e formalmente distanti reclamavano percorsi creativi differenti, sfuggivano a ogni classificazione, a ogni inquadramento: una mostra “collettiva” di un solo artista, una pluralità di accenti per una sola voce. Ecco, la straordinaria ricerca artistica di Michelangelo Pistoletto muove lungo le dinamiche fra identità e collettività, fra riconoscibilità e differenza. Lo specchio è l’archetipo di questo meccanismo, tra la presenza soggettiva e l’infinito possibile. è un continuo gioco con la realtà, con l’aggiunta della molteplice variabile temporale. Un libro sull’arte di Michelangelo Pistoletto, così come una sua mostra, rappresenta un’infinita serie di domande, di scoperte, di curiosità, di sorprese. “Infinity” al Chiostro del Bramante, come questo catalogo, è la raccolta di tanti piccoli racconti, tanti panorami, tanti differenti viaggi. Insomma, questa non è una mostra di Michelangelo Pistoletto, ma con Michelangelo Pistoletto.» (Danilo Eccher)

Progetto Genesi. Arte e Diritti Umani, a cura di Ilaria Bernardi e promosso dall’Associazione Genesi, è un progetto cross-disciplinare e inclusivo che coniuga momenti espositivi ed educativi con l’obiettivo di fornire un’educazione permanente in tema di diritti umani. Si articola in un ricco programma composto da attività educative rivolte al pubblico di tutte le età, e da una mostra itinerante delle opere d’arte contemporanea dell’Associazione Genesi che costituiscono la Collezione Genesi, e che riflettono sulle più drammatiche questioni del nostro tempo. Dopo il successo della prima edizione di Progetto Genesi (tenutosi dal 21 settembre 2021 al 21 settembre 2022), questo volume racconta la seconda edizione del progetto concepita per l’anno 2023, focalizzandosi soprattutto sulle nuove quindici acquisizioni entrate a far parte della Collezione Genesi e mai esposte finora.

Alan Bee è lo pseudonimo di una figura di spicco nel mondo degli affari, personalità di grande rilievo nel panorama dell'arte europea degli ultimi decenni che negli anni ha costruito con passione e arguzia il proprio personaggio a tutto tondo, dandogli non solo un nome ma fornendolo di una serie di suggestioni biografiche plausibili e del tutto compatibili con il corpus fisico delle sue opere. Alan Bee è l'artista che non ti aspetti; quello che non ha bisogno di un museo, di una galleria d'arte, di una mostra, e - per assurdo - neanche di un libro. Il suo scopo, infatti, non è mai stato quello di raggiungere la fama, non ha mai visto nella propria produzione artistica una possibile fonte di guadagno, quanto piuttosto un messaggio che potesse raggiungere chiunque con grande semplicità, riassunto da poche parole chiave: solidarietà, equità, difesa della natura, collaborazione, coesione. Talentuoso e fervido, Alan Bee ha incentrato il proprio lavoro - la cui diffusione ha autorizzato solo dopo la sua scomparsa - su una irreprimibile fascinazione per il virtuoso universo delle api, portatrici e custodi di ritmi e tempi armoniosi, simbolo di un ordine inviolabile del mondo: un modello che si estende al concetto ideale di humanitas, intesa come pienezza e orgoglio della dignità umana, di cui Bee è sempre stato portatore e difensore, dando voce per mezzo della sua opera ai valori e diritti fondamentali di tutte le creature, primo fra tutti la libertà. Questo senso di libertà, che egli ha assunto in modo potente nel suo operare artistico, è declinato in un linguaggio originale e mai assimilabile ai codici contemporanei conosciuti. In questo libro conoscerete un "profeta" che parla per immagini, un uomo che ha avuto il coraggio di guardare al futuro con la speranza che potesse essere migliore di come la nostra disillusione lo ha "dipinto".

Il volume racconta attraverso cinque saggi e un ricco apparato iconografico il lungo ed emozionante restauro della Caduta della manna e del Sacrificio di Melchisedech, le due tele di più ampio formato che il genio di Giambattista Tiepolo realizzò durante la sua folgorante carriera artistica, ora riportate alla corretta lettura cromatica e luministica. Nuove ricerche archivistiche hanno permesso di precisare la controversa datazione dei due spettacolari dipinti che furono eseguiti a Venezia tra il 1741 e il 1748, grazie al fondamentale intervento della moglie di Carlo Antonio Gambara, la nobildonna veneziana Elisabetta Grimani, figura chiave nel mantenere viva la corrispondenza con l'artista e nel mediare con il committente, la confraternita del Santissimo Sacramento della parrocchiale di San Lorenzo di Verolanuova. Le indagini diagnostiche hanno inoltre permesso di scoprire quali pigmenti furono utilizzati dall'artista, e di comprendere meglio diversi aspetti della sua modernissima tecnica esecutiva.