Silvana: Arte

Il volume è l'espressione editoriale della mostra omonima allestita presso il Palazzo delle Albere a Trento: un percorso emozionale dedicato ai colori e alla loro percezione che si trasforma in un portale di accesso al suggestivo intreccio di arte e scienza. “Cosa sia il colore è una domanda che ha affascinato la cultura di ogni tempo e le risposte sono sempre andate oltre le spiegazioni scientifiche che riceviamo dalla fisica, dalla matematica, dalla biologia, perché i colori suscitano e rappresentano un’emozione, uno stato d’animo, generano conoscenza, elaborano sentimenti e simbologie.” (Stefano Zecchi)

Nove grandi sculture riassumono l’evoluzione negli ultimi vent’anni del linguaggio formale delle opere di Riccardo Cordero e ne consentono una visione mai prima così integrata ed intima, esplorando i dettagli delle strutture da differenti punti di vista. Nello stesso tempo, la loro collocazione nei Giardini della Reggia di Venaria offre ai visitatori l’opportunità di seguirne passo dopo passo le trasformazioni nel corso delle stagioni e di constatare la reale vita delle sculture in un contesto che muta giorno dopo giorno, in differenti condizioni di luce e nel costante e progressivo variare della natura: i colori autunnali con il loro foliage multicolore, il candore della neve nelle terse giornate invernali, il primaverile annuncio dato dalla fioritura dei ciliegi, seguita dal risveglio delle gemme degli alberi sino alla rinascita del verde nei prati, nelle siepi e nelle piante che animano tutta la natura, prefigurando la successiva calura estiva di questi spettacolari e regali Giardini.

Il volume è dedicato all’opera di Jenny Saville (Cambridge, 1970), una delle più grandi pittrici contemporanee e voce di primo piano nel panorama artistico internazionale. Saville trascende i limiti tra figurativo e astratto, tra informale e gestuale, riuscendo a trasfigurare la cronaca in un’immagine universale, che rimette al centro della storia dell’arte la figura umana - corpi enormi, nudi, dalla fisicità carnale e oppressi da un peso che è più esistenziale che materiale. Seville si riallaccia alla grande tradizione pittorica europea, in costante confronto con il modernismo di Willem de Kooning e Cy Twombly e la ritrattistica di Pablo Picasso e Francis Bacon. Il suo lavoro delinea una forte correlazione anche con i maestri del Rinascimento italiano, in particolare con alcuni grandi capolavori di Michelangelo. Il volume accoglie un ricco catalogo di dipinti e disegni creati dall’artista dagli anni ‘90 a oggi.

Reale, astratto, surreale: mai come nel caso di Romano Tagliaferri (Milano, 1940 - Piacenza, 2006) le categorie, pur legittime, si rivelano inadeguate. La sua arte è stata tutte queste cose e anche altro: un viaggio della fantasia ma anche della memoria; una meditazione sulla vitalità della natura e insieme sulla sua incomprensibilità. Esponente nel 1965 del Gruppo A con William Xerra e altri artisti, Tagliaferri è stato poi vicino, ma in modi originali e autonomi, alla Scuola di Piacenza. Negli ultimi anni ha invece elaborato un decorativismo fantastico, ispirato di volta in volta ai miti nordici, ai mondi dell’Oriente, ai percorsi immateriali della posta elettronica. Nelle sue opere le reminiscenze dell’antico sono ripensate nell’angolatura del domani e, simmetricamente, il presentimento del futuro è intuito alla luce del passato. Il volume ne ripercorre vita e produzione artistica, attraverso i testi di Elena Pontiggia ed Eugenio Gazzola, ed è completato da un’antologia critica, dagli anni sessanta ai duemila.

Le opere di Antonella Zazzera catturano perché cristallizzano il gesto originario, come fosse divinatorio, rituale e necessario. Non c’è intento tessitorio ma abbiamo a che fare con infinite trame e interminabili orditi. Il filo non è mosso dall’ostinato saliscendi del cucire, non si inabissa per poi riaffiorare, ma sedimenta, resta in superficie e genera superfici, volumi e inter-superfici. È un mezzo: strumento, materia e materiale, essenza stessa dell’opera.

L'opera di Taroni-Cividin costituisce una delle aree più innovative del panorama sperimentale internazionale. Attivi fra il 1977 e il 1984, i due artisti si sono spinti ai margini di pratiche cinematografiche e performative, del live e del registrato, sviluppando un linguaggio altamente personale che continua a generare domande in alcuni dei dibattiti più urgenti del momento contemporaneo. Taroni-Cividin. Performance, Video, Expanded Cinema (1977-1984) vuole rendere giustizia alla complessità e alla ricchezza del lavoro di Taroni-Cividin, restituendo al lettore la prospettiva teorica che lo guidava, valorizzando preziosi materiali d'archivio, ed esplorando con nuovi strumenti critici una stagione ad oggi non ancora sufficientemente approfondita dell'arte contemporanea.

La pittura di Giuseppe Salvatori è una visione assoluta. La centralità della figura attraversa il corpo della pittura occidentale, ne contiene il segreto e la continuità di canto. Dagli esordi degli ultimi anni settanta, nelle forme di una neofigurazione che vieta le scorciatoie del postmoderno, la sua pittura chiede d’essere un appello alla dignità dell’umano. Non c’è nulla di fatuo nel segno decorativo se la decorazione si fa armonia e musica. Non c’è niente di nostalgico se il tratto dell’arte è la sensibilità di una poesia che guarda alla rappacificazione del dolore con la fragilità delle cose. Il lavoro di Salvatori è votato a narrare quanto il valore della realtà sia l’altezza etica del capire chi siamo veramente. Queste sue immagini restano il sogno antico e contemporaneo di un’intelligenza febbrile. Giacché dipingere vuol dire aggiungere vita alla vita.

Le teste in terracotta di Paolo Delle Monache raccolte in questo volume “sono – come scrive l’artista – l’eco di forme incontrate molti anni fa, grandi sassi vicini tra loro, disseminati in una faggeta. Ho cercato di evocare il dialogo muto tra loro. Presenze apparentemente sparse che rafforzano sé stesse e le altre con il loro apparire insieme. Contengono pensiero e memoria e forse ci mettono di fronte a quello che abbiamo perso di recente, lo stare accanto gli uni agli altri”.

"Arte e spazio pubblico" è un progetto di ricerca a cura della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura e della Fondazione Scuola dei beni e delle attività culturali. Una ricerca su pratiche artistiche e strategie di progettazione negli spazi pubblici, su processi partecipativi, politiche pubbliche di rigenerazione di spazi urbani e territori, su committenti, mediatori e comunità, sul ruolo della conservazione delle opere d’arte nello spazio pubblico e sulla temporalità dell’opera d’arte pubblica. Il volume restituisce gli esiti delle giornate di studio Arte e spazio pubblico, dei tavoli di lavoro e della giornata di sintesi finale. Raccoglie i contributi di studiosi, artisti e curatori, architetti, giuristi e attori istituzionali, selezionati da una call for abstract e invitati a presentare ricerche, pratiche e casi studio, da cui emerge una visione a tutto campo sui temi Spazio, Temporalità, Partecipazione e Committenza.

Questo atlante visivo del Bestiario della Terra, il progetto artistico promosso nel 2022 dall’Associazione Reggio Parma Festival (costituita da Fondazione Teatro Regio di Parma, Fondazione Teatro Due, Fondazione I Teatri di Reggio Emilia e dalle due Città di Parma e Reggio Emilia) restituisce al lettore la visionaria e complessa meta-opera di Yuval Avital. In questo progetto l’artista connette e pone in dialogo differenti linguaggi artistici: dal suono alla performance, dalla pittura al disegno, dal video alle installazioni icono-sonore. Tutte le tappe in cui il suo lavoro si è snodato hanno preso vita in luoghi e spazi diversi delle province di Parma e Reggio Emilia, creando un intenso dialogo con il territorio. La loro successione si rispecchia nei capitoli di questo ‘atlante’: Anatomie Squisite in dialogo con la Collezione Spallanzani, Musei Civici, Reggio Emilia; Il Canto dello Zooforo, Casa del Suono, Parma; Cadavre Exquis, Magazzino Farmacie Comunali Riunite, Reggio Emilia; Lessico Animale. Prologo, APE Parma Museo, Parma; Membrane, Chiostri di San Pietro, Reggio Emilia; Mostrario parte I, Teatro Regio, Parma; Mostrario parte II, Teatro Due, Parma; Mostrario parte III, Teatro Municipale Valli, Reggio Emilia; e inoltre Persona (promossa da Parma 360 in collaborazione con Reggio Parma Festival), Palazzo Marchi, Parma. La realizzazione del progetto ha annoverato oltre 500 collaborazioni, tra istituzioni, associazioni culturali, maestranze artistiche, artigiani, tecnici, danzatori, cantanti, musicisti, performer, e ha contato più di 20.000 presenze agli eventi.

Un grande volume per celebrare i sessant’anni di carriera - e i novant’anni di età - di Michelangelo Pistoletto (Biella, 1983), una delle voci più note e affermate internazionalmente dell’arte contemporanea. In queste pagine sono riproposte le opere simbolo del maestro, dalle storiche alle più recenti: dagli anni Sessanta con Metrocubo di Infinito, Venere degli Stracci, Orchestra di stracci e Labirinto, continuando poi con gli anni Settanta con L’Etrusco e la serie delle Porte Segno Arte e Autoritratto di Stelle, fino agli anni Novanta e Duemila con Libri, i quadri specchianti, Love Difference – Mar Mediterraneo, Neon e Terzo Paradiso. Una rassegna che accompagna in un viaggio emozionante dentro la poetica e il mondo, i tanti mondi, del maestro piemontese: come recita il sottotitolo, le opere di Pistoletto raccontano di un’infinità di modi di fare arte, un’infinità di modi di vedere, di cambiare prospettiva, di leggere la realtà. Al centro un unico artista ma nelle sue tante possibilità di essere, di trasformarsi, di raffigurare e rappresentarsi. «Con Oggetti in meno, già nel 1965, Michelangelo Pistoletto teorizzava la fragilità commerciale di un’identità artistica ridotta a riconoscibilità di mercato. Opere distorte, linguisticamente e formalmente distanti reclamavano percorsi creativi differenti, sfuggivano a ogni classificazione, a ogni inquadramento: una mostra “collettiva” di un solo artista, una pluralità di accenti per una sola voce. Ecco, la straordinaria ricerca artistica di Michelangelo Pistoletto muove lungo le dinamiche fra identità e collettività, fra riconoscibilità e differenza. Lo specchio è l’archetipo di questo meccanismo, tra la presenza soggettiva e l’infinito possibile. è un continuo gioco con la realtà, con l’aggiunta della molteplice variabile temporale. Un libro sull’arte di Michelangelo Pistoletto, così come una sua mostra, rappresenta un’infinita serie di domande, di scoperte, di curiosità, di sorprese. “Infinity” al Chiostro del Bramante, come questo catalogo, è la raccolta di tanti piccoli racconti, tanti panorami, tanti differenti viaggi. Insomma, questa non è una mostra di Michelangelo Pistoletto, ma con Michelangelo Pistoletto.» (Danilo Eccher)