Silvana: Arte

Pittore, incisore, scrittore, editore, collezionista: sono molteplici le anime di Mario Lattes (Torino, 1923-2001), figura unica e singolarissima nel panorama culturale italiano del secondo Novecento. Il volume, edito in occasione del centenario dalla nascita, è dedicato alla sua opera pittorica e grafica, di cui offre un’ampia rassegna di dipinti, acquerelli, gouache e incisioni. Acuto testimone delle vicende del suo secolo, Lattes ne interpreta le tensioni e le ambiguità: ne vive i drammi e le esaltazioni, filtrando le emozioni attraverso la sua personalissima visione della figurazione, intrisa di umori fantastici e visionari. La feconda inquietudine lo spinge sempre a ricercare, a sperimentare, a inseguire modalità espressive inconsuete ma utili a liberare l’urgenza creativa.

Dal 1934 al 1990, anno della morte, Alberto Moravia scrive d’arte, dedicandosi alla critica militante su riviste, giornali e cataloghi di mostre: qualcosa di più di una passione, una vera e propria attività parallela che gli ha permesso di raccontare un lungo periodo del Novecento, con una particolare predilezione per la pittura figurativa. Il volume, attraverso una trentina di opere selezionate tra quelle che ha più amato e raccontato, è dedicato a questo aspetto poco conosciuto dello scrittore, delineandone il percorso cronologico. A partire dagli anni trenta Moravia scrive per i Sei di Torino, in particolare per Carlo Levi che conosce a Londra, quindi affronta la Scuola Romana di Capogrossi e Mafai, cominciando la lunga frequentazione e complicità con Renato Guttuso di cui sarà amico per tutta la vita. Negli anni sessanta intrattiene un dialogo molto fecondo con Mario Schifano, che lo introduce all’ambiente pop della Capitale e all’opera di Giosetta Fioroni e Titina Maselli. Senza dimenticare l’interesse per il Surrealismo e per pittori che si muovevano controtendenza, come Antonio Recalcati e Piero Guccione.

Il volume propone un viaggio nel mondo sorprendente di Corrado Cagli (Ancona 1910 - Roma 1976), grande pittore e maestro del Novecento. L’attività di Cagli è sempre stata orientata verso un orizzonte multidisciplinare, dalla pittura alla scultura e alla ceramica, dal teatro alla danza. I suoi esperimenti sono stati di grande ispirazione per artisti come Afro, Guttuso, Burri e Schifano. Le opere presentate - una trentina tra le più iconiche della sua produzione - sono state realizzate nel dopoguerra e sono databili alla fase più prolifica e di maggior qualità all’interno della sua opera: tra queste, alcune immagini esoteriche legate al mondo dei tarocchi, una selezione di opere del 1949 che sperimentano la quarta dimensione, caratterizzate da una gestualità fortemente espressiva, e le ‘carte mute’ realizzate tra il 1958 e 1959, dove l’artista converge arte, scienza, artigianato e teoria per creare straordinari effetti ottici. Il volume accoglie i testi introduttivi di Denise e Alberto Di Castro, Gian Enzo Sperone, Yuri Tagliacozzo, il saggio critico di Ester Coen e la contestualizzazione storica di Veronica Prestini.

Si intitola Corpi estranei il progetto dell’artista Cesare Viel, liberamente ispirato alla poesia di Emily Dickinson, che si è svolto tra l’Italia e la Spagna a partire dal settembre 2022 in diverse tappe sotto forma di workshop, performance e nuovi modelli di produzione artistica. Realizzato grazie al sostegno della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura nell’ambito del programma Italian Council, è stato ideato da Elisa Fulco, Giulia Ingarao e Antonio Leone e promosso dall’Associazione ruber.contemporanea in partnership con Universidad de Málaga, Centre Pompidou Málaga, Facultad de Bellas Artes de Málaga, Colección del Museo Ruso de Málaga, Fondazione Pietro e Alberto Rossini e Fondazione Sicilia. Il volume illustra le tre tappe del progetto: Villa Zito a Palermo, il Centre Pompidou a Malaga e la Fondazione Pietro e Alberto Rossini a Briosco (Monza Brianza). In linea con la pratica artistica di Cesare Viel, Corpi estranei prevedeva differenti azioni unite dall’uso della scrittura come campo allargato che traduce e dà forma a diversi interventi in cui la parola diventa immagine, wall drawing, manoscritto, scrittura su striscioni, voce e performance. Un progetto di sistema incentrato sull’attivazione di processi relazionali e scambio di buone prassi fra tutti gli attori coinvolti, che si è concluso con l’entrata dell’opera manifesto Corpo estraneo/Toccare un tesoro nella collezione di Riso – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo.

Nel 1533 il re di Francia Francesco I donò a papa Clemente VII un arazzo raffigurante l’Ultima cena di Leonardo. Un’opera di qualità così alta da far supporre che il suo cartone fosse stato realizzato sotto la supervisione dello stesso Leonardo. Da allora, per secoli i papi utilizzarono l’arazzo per svolgere alla sua ombra alcune delle principali cerimonie religiose, fra cui la Lavanda dei piedi che si teneva ogni anno il Giovedì Santo. In queste occasioni, il pontefice usava anche uno splendido baldacchino, disegnato dagli allievi di Raffaello che avevano lavorato insieme al maestro urbinate nelle Stanze e nelle Logge Vaticane, ambienti tra i più prestigiosi del Palazzo Vaticano. Il volume racconta la storia di queste due magnifiche opere e delle cerimonie che le videro protagoniste.

A quasi vent’anni dalla scomparsa del grande scultore lombardo Francesco Somaini (1926-2005) il volume ne approfondisce per la prima volta la produzione pittorica, sottolineandone la stretta relazione con la creazione plastica. Attraverso un gruppo scelto di dipinti, eseguiti tra il 1950 e il 1965, rappresentativi delle varie fasi creative e delle diverse tecniche, il lettore è condotto nel cuore del laboratorio dell’artista attraverso sezioni tematico-cronologiche che analizzano momenti esemplari della sua attività, accostando dipinti, disegni e sculture di riferimento, esposti nelle collettive e personali più importanti del periodo. A cominciare dalla rassegna epocale Sessanta maestri del prossimo trentennio, curata da Carlo Ludovico Ragghianti a Prato nel 1955, grande estimatore della pittura dell’artista, che così scrive: “Francesco Somaini, scultore e pittore, in alcuni studi mostra un’esigenza profonda di spogliare, di andare alla radice essenziale delle cose: la capacità di sondaggio di un organismo si accompagna a un’eguale capacità di sintesi, che porta le sue immagini verso la calma monumentale di una compagine architettonica; ma lo sviluppo della forma, sorgente e come nascente da uno spazio partecipe con una scoperta vibrazione di vitalità, mantiene un tormento a volte tagliente, che si accentua nei disegni”.

La mostra Klimt e l’arte italiana mette in luce l’influenza che Gustav Klimt esercitò su numerosi artisti italiani del primo Novecento, contribuendo al delinearsi di una delle pagine più affascinanti dell’arte del secolo scorso. L’esposizione e il catalogo che l’accompagna analizzano per la prima volta le opere di pittori e scultori che accolsero le suggestioni del maestro austriaco, dopo l’eco suscitata dalla sua partecipazione alla Biennale di Venezia del 1910 e all’Esposizione Internazionale di Roma del 1911. Sono eccezionalmente riunite in questa occasione le due opere “italiane” di Klimt, Giuditta II (1909) e Le tre età della donna (1905), acquistate dallo Stato per le collezioni pubbliche nazionali. I due capolavori sono il perno di un percorso che prende in esame l’opera di pittori attivi a Venezia, quali Vittorio Zecchin e i giovani “dissidenti” di Ca’ Pesaro, o coinvolti nelle grandi imprese decorative della Biennale (Galileo Chini). Altre sezioni sono dedicate ad artisti, quali il trentino Luigi Bonazza o il triestino Vito Timmel, che, per prossimità geografica e storica, furono particolarmente vicini al clima delle Secessioni. La cultura mitteleuropea ispirò inoltre Adolfo Wildt, che diede vita a un linguaggio personalissimo, tanto da essere definito “il Klimt della scultura”. Attraverso circa 200 opere provenienti da importanti collezioni pubbliche e private, la mostra illustra un panorama ampio e vario, nel quale discipline diverse – dalla pittura alle arti decorative – convivono sotto il segno del gusto sontuoso e decadente della Secessione.

La pittura dei macchiaioli fu tra le più innovative in Italia nella seconda metà dell’Ottocento. Il gruppo di artisti di varia provenienza, che inizialmente si riuniva presso il Caffè Michelangelo a Firenze, propose ricerche pittoriche d’avanguardia che per molti aspetti anticiparono, con sorprendente modernità, quelle successivamente sperimentate dagli impressionisti francesi. Il volume indaga i vari aspetti di questo importante sodalizio concentrandosi sulle novità tecniche apportate da coloro che lo animarono, considerati padri della pittura en plein air. Il percorso ha inizio con una serie di opere della scuola francese di Barbizon e di altri pittori italiani, quali i Palizzi e Antonio Fontanesi, impegnati nel rinnovamento della pittura di paesaggio, per poi addentrarsi nel vivo dell’avventura macchiaiola. Dai soldati di Fattori, ai paesaggi di Sernesi, agli scorci cittadini di Signorini, fino alle donne di Lega: un viaggio in un movimento che ha cambiato la storia dell’arte europea, guardando “il vero dal vero”.

La parabola artistica di Italo Antico (Cagliari, 1934), per quanto eccentrica rispetto alle vicende più battute degli anni settanta, costituisce un'efficace cartina al tornasole di alcune problematiche fondamentali per l'arte italiana di quel decennio. I cambiamenti nel suo metodo di lavoro, il passaggio dalla figurazione all'astrazione e l'attenzione alla didattica artistica sono le tracce che, lontano dalle prospettive angolate di cui risente la narrazione di quegli anni, ci accompagnano alla riscoperta di uno scultore che mantenne sempre una posizione appartata e senza compromessi nei confronti di quanto poteva vedere nelle gallerie più à la page della Milano degli anni di piombo o sulle pagine delle patinate riviste d'avanguardia. L'importante nucleo di opere dell'artista presentato in questo volume offre dunque un’occasione per apprezzare la qualità intrinseca delle sculture, dei gioielli e degli altri ambiti del suo operare, al tempo riconosciuta e messa a fuoco da alcune delle personalità più attente del panorama critico nazionale, tra cui Gillo Dorfles, Enrico Crispolti e Rossana Bossaglia.

Giuseppe Capogrossi e l’architettura è un saggio dedicato alla grande Cancellata di Bari, scultura monumentale nonché vero e proprio testamento artistico di Capogrossi (1900-1972), installata attorno alla Facoltà di Giurisprudenza dell’Università “Aldo Moro” di Bari. In occasione del cinquantenario dell’opera, l’autore ricostruisce un percorso a ritroso rileggendo i temi della formula astrattista e la qualità intimamente architettonica della pittura di Capogrossi. Il volume indaga tanto la produzione segnica quanto i fondamentali rapporti con il mondo della progettazione, rintracciando documenti inediti nel percorso professionale svolto tra numerose collaborazioni con architetti come Moretti, Libera, Luccichenti, Monaco e Sacripanti. Tra gli interventi analizzati, il soffitto dello Scalone della Triennale di Milano, il Cinema Airone di Roma, il Palazzo Confindustria di Roma, l’ex convento dei Cappuccini di Gubbio, il progetto per il Padiglione italiano per l’Esposizione Universale di Osaka, 1970, e numerosi altri contributi nell’ambito della decorazione e del disegno per l’architettura.

Il Premio Marche - Biennale d'Arte Contemporanea è la tradizionale e nota manifestazione d'arte contemporanea tra le più significative del Centro Italia, di valenza nazionale e di più rilevante e importante tradizione storica tra quelle attivate nel territorio della regione delle Marche. Organizzato dall'A.M.I.A. (Associazione Marchigiana Iniziative Artistiche), quale Ente fondatore e principale promotore, l'iniziativa ha contribuito nel territorio alla promozione di manifestazioni di livello sovraregionale e nazionale, rivestendo un ruolo fondamentale e di grande rilievo per la divulgazione dell'arte. Nel dare continuità alla Rassegna, il progetto dell'Edizione Regionale 2022 prevede l'approdo ad Urbino nelle sale di Palazzo Ducale e della Galleria Civica Albani, con due esposizioni: accanto alla tradizionale Rassegna sulla ricognizione degli artisti marchigiani, o operanti nella Regione Marche, è prevista una mostra monografica che affronta alcuni degli aspetti del disegno negli artisti marchigiani del Novecento.

«C'è una curiosa "scintilla" che mi si accende nel cervello quando entro in un archivio e mi siedo con un fascicolo di fotografie storiche. In quel momento, ho la sensazione di "incontrare qualcuno che non ho mai incontrato prima". Poiché lavoro con la storia, in particolare con persone che hanno subito un destino infausto e sono scomparse nel tempo, il legame più intimo che posso avere con i miei soggetti è quello di andarli a cercare nelle vecchie foto e nei documenti; oppure, quando possibile, visitare i luoghi in cui hanno risieduto (anzi, in cui spesso sono stati incarcerati). In questo modo, mi sembra di entrare in comunione con loro; mi avvicino il più possibile prima di iniziare a lavorare con la loro immagine e la loro storia nel mio studio. Per me questo passaggio iniziale di conoscenza dei miei soggetti e del materiale che li riguarda è fondamentale. Crea una connessione più intensa fra noi e, di conseguenza, un'opera d'arte più profonda.» (Monica Lundy)