Silvana: Arte

Renoir è stato uno dei massimi esponenti dell’Impressionismo. Questa fase della sua produzione fu però piuttosto breve. Già verso la fine degli anni settanta l’artista era tormentato dall’insoddisfazione. Il viaggio in Italia del 1881-1882 fu importante nel fargli voltar pagina: dalla luce di Venezia e del Mediterraneo, dalla lezione dei maestri del passato (Carpaccio, Raffaello, Tiziano, Rubens, Tiepolo, Ingres) e dalle riflessioni sulla tecnica pittorica suggeritegli dalla lettura del Libro dell’Arte di Cennino Cennini nacquero i germi di una sorta di nuova classicità. Renoir arrivò così ad anticipare aspetti del rappel à l’ordre e del ‘ritorno al mestiere’ che sarebbero esplosi in reazione alle avanguardie. La fase matura della sua carriera, su cui s’incentra questo volume curato da Paolo Bolpagni, non fu quindi un periodo d’involuzione, ma anzi si rivela quasi uno dei primi casi della ‘moderna classicità’ che sarebbe stata perseguita da molti pittori e scultori degli anni dieci, venti e trenta, in maniera speciale in Italia.

Questa monografia, curata da Ilaria Bernardi, presenta il primo esame sistematico e completo dell’attività dell’artista italiana Marinella Senatore, dal suo esordio nei primi anni Duemila a oggi. La pubblicazione coincide con i dieci anni della SOND - The School of Narrative Dance, la scuola nomade fondata nel 2012, per la quale l’artista è maggiormente conosciuta internazionalmente. Formatasi in musica, belle arti e cinema, la sua pratica è caratterizzata dalla partecipazione del pubblico, avviando un dialogo tra storia, cultura e strutture sociali. Ripensando al ruolo dell’artista come autore e del pubblico come destinatario, il lavoro di Senatore fonde forme di protesta, teatro di apprendimento, storie orali, linguaggi vernacolari, danza e musica di protesta, cerimonie pubbliche, riti civili ed eventi di massa, riflettendo sulla natura politica delle formazioni collettive e sul loro impatto sulla storia sociale di luoghi e comunità. Questa pubblicazione ricostruisce l’arco della vita personale e creativa di Senatore attraverso un intreccio di informazioni biografiche e ricerche storiche rilevanti, e una ricca selezione di sue opere, costituendo così un contributo nuovo e unico alla letteratura a lei dedicata.

Attraverso più di cinquanta capolavori, il volume mette per la prima volta a confronto diretto i più importanti pittori attivi nelle città di Bergamo e Brescia, tra Rinascimento e Barocco: da un lato i lavori dei grandi maestri bresciani quali Foppa, Moretto, Romanino, Savoldo e Ceruti, e dall’altra i bergamaschi Moroni, Palma il Vecchio, Previtali, Lotto, Fra Galgario. Un parallelo inedito ed emozionante che permette di osservare come il comune substrato culturale lombardo, ravvivato dalle novità proposte dai pittori veneziani (Bellini e Tiziano in primis), abbia dato vita a linguaggi espressivi in alcuni casi similari, in altri antitetici. Il confronto viene proposto ripercorrendo i principali temi artistici dell’epoca, quali la ritrattistica, la pittura barocca, la natura morta, il paesaggio e la pittura di genere. Una rassegna di grande qualità che approfondisce la produzione artistica espressa dalle due città, durante i secoli di dominazione veneziana.

Corrado Bonomi è tra gli interpreti più acuti di un’arte ironica, tutta italiana, che segue percorsi autonomi e totalmente liberi da condizionamenti. Questa prima monografia, a cura di Alberto Fiz, racconta attraverso 200 opere un’indagine di oltre quarant’anni che spazia da Topo Gigio a Stanley Kubrick passando attraverso René Magritte e Pino Pascali. Il principio è quello di trasformare in arte ogni dato, sia esso fumetto, testo letterario o film. Non ci sono limiti al desiderio di mettere in scena i più variegati aspetti dell’esistenza; da abile giocoliere, l’artista novarese si appropria di contenuti e soggetti utilizzandoli a suo piacimento. Il suo è un citazionismo ingannevole che non prevede la riproposizione dell’originale, bensì la metamorfosi visionaria nell’ambito di un contesto dove arte e vita vanno a braccetto. Bonomi, insomma, mette in crisi sapori e saperi.

Il volume racconta uno dei possibili viaggi alla scoperta di un territorio che ha la capacità di reinventarsi continuamente, non solo da una latitudine territoriale, ma anche nel campo delle arti contemporanee. Muovendo da un quadrilatero privilegiato di importanti luoghi dell’arte che nel 2017, sotto l’acronimo ACAMM, aveva dato sfogo al prestigioso Sistema dei Musei e dei Beni Culturali di Aliano, Castronuovo Sant’Andrea, Moliterno e Montemurro – la prima cintura culturale che mirava 'illo tempore' a rafforzare le sinergie sul territorio lucano – si offre qui un compatto itinerario creativo, con opere di artisti nati in Basilicata e di molti altri che vi hanno lavorato immergendosi nel paesaggio, in un ambiente vitale che può essere compreso soltanto all’interno del suo mondo e della sua storia.

Nella Bologna della seconda metà del Settecento Jacopo Alessandro Calvi (Bologna, 1740-1815) diviene il principale competitore dei fratelli Ubaldo e Gaetano Gandolfi. Formatosi sotto l’ala di Giampietro Zanotti, segretario dell’Accademia Clementina, fin dagli anni giovanili si sperimenta nelle «dive arti sorelle» della pittura e della poesia, privilegiando un criterio elettivo nel processo di imitazione della natura. Testimoniano il suo successo l’annessione all’Accademia Clementina (1770) e il gran numero di commissioni, soprattutto pale di destinazione ecclesiastica. Anche nel tempo della «fatal rivoluzione», che comporta una drastica riduzione delle opportunità di lavoro per tutti gli artisti, Calvi regge il colpo, superando le difficoltà del momento, sia attraverso l’intensificarsi dell’attività letteraria — gli si devono fra l’altro la prima monografia critica di Guercino, edita nel 1808, e uno studio su Francesco Francia, pubblicato nel 1812 — sia attraverso lo svolgimento di un ruolo di perito presso l’Accademia Clementina, impegnata nell’ingrato compito di governare il rischio di dispersione dei beni d’arte durante le spoliazioni napoleoniche. Pur estraneo ai valori giacobini, viene convocato come commissario nel Concorso per la “Riconoscenza Nazionale” (1802), indetto a Milano allo scopo di celebrare il ritorno di Napoleone dopo la parentesi austriaca; e nel 1804 sarà annoverato fra i professori della nuova Accademia di Belle Arti di Bologna. Con il nuovo secolo la sua carriera riesce a trovare ragioni di soddisfazione anche sul fronte della produzione artistica: attraverso un’intelligente lettura critica della maniera del tardo Guercino e del dolce e devoto Francesco Francia, la sua pittura saprà farsi anticipatrice di istanze poi affermatesi nella Bologna tornata papale, appena prima della morte di Calvi, avvenuta a un mese dalla Battaglia di Waterloo. Con scritti di Francesca Maria Conti, Igino Conti, Ilaria Negretti.

Le rare e preziose placchette di piombo databili al III secolo d.C., nuova acquisizione e opera più antica del Museo Diocesano Carlo Martini, sono con ogni probabilità offerte votive riferibili al culto religioso denominato dei Cavalieri Danubiani (Equites Danuvini), attestato tra la fine del II e gli inizi del IV secolo tra le multietniche schiere dell’esercito romano. Si tratta di un culto poco noto, di carattere misterico e iniziatico, diffuso soprattutto nell’area balcano-danubiana. Complessa e suggestiva la lettura iconografica delle singole placchette, con simboli e immagini riconoscibili solo dagli adepti del culto.

Il volume è dedicato alla collezione di opere di Giorgio Morandi raccolte da Antonio e Matilde Catanese, di cui si dà conto per la prima volta in queste pagine, in maniera esaustiva e definitiva. Questa raccolta, per il numero di esemplari, per la loro cronologia distribuita in un arco temporale che abbraccia quasi tutti gli anni dell’attività del maestro, per la tecnica che li caratterizza, per i temi rappresentati, per la storia collezionistica e soprattutto per la loro rilevanza artistica, rappresenta un microcosmo esemplare per decifrare e intendere l’attività di Morandi. Essa infatti comprende quindici dipinti realizzati tra il 1914 e il 1959 che si distinguono per i temi peculiari del suo lavoro: nature morte, paesaggi, fiori e soprattutto un autoritratto del 1914 che, anche per la ritrosia dell’autore a trattare la figura umana, rappresenta l’opera di spicco della raccolta. Di grande importanza anche tre acquarelli e la serie quasi completa delle acqueforti, a testimonianza della completezza della collezione, aperta alla tecnica che Morandi praticò in parallelo alla pittura e che da questa non può essere disgiunta. Le opere sono state oggetto di indagini scientifiche, preliminari al restauro e alla conservazione, condotte dall’Università di Urbino, di cui sono qui presentati gli esiti. La raccolta Catanese, formatasi negli anni Trenta del Novecento, si inserisce nella tradizione dei grandi collezionisti milanesi che con lungimiranza seppero guardare al Morandi contribuendo tra i primi alla sua fama."

La Fondazione Santarelli offre ai cittadini e agli amici di Amatrice un volume che raccoglie saggi di architettura, di urbanistica, di ambito storico-artistico: ricerche iniziate da tempo, bruscamente interrotte dopo la catastrofe del 2016 che ha atterrato la parete degli affreschi di San Francesco, annientato palazzo Orsini, danneggiato l’abside della Madonna di Filetta, messo a repentaglio l’Icona Passatora e i cento santuari delle “ville” della città laziale. Il libro non vuole solo celebrare un patrimonio artistico irripetibile e, speriamo, non irrecuperabile, ma è anche la promessa che gli studi, quietamente portati avanti in tempi meno calamitosi, non soltanto riprenderanno, ma trarranno nuova linfa vitale dalla necessità di sostenere l’opera di restauro, alimentando così la memoria e l’amore per una terra complessa e martoriata, che deve riprendere a vivere insieme con i suoi capolavori.

Grazia Varisco è una delle protagoniste dell’arte europea. Per gli spazi della Fondazione Biscozzi-Rimbaud di Lecce ha elaborato un itinerario di diciassette opere di datazione compresa fra il 1957-1959 e il 2009 in relazione tra di loro. Un percorso, insomma, nel quale i singoli pezzi vanno a costituire un corpo unitario, pur conservando ciascuno la propria individualità. La caparbietà di Grazia Varisco è un elemento caratteristico del suo modus operandi, e va intesa come impegno formale ed espressivo. Si tratta dell’esigenza di andare sempre al di là della soluzione esperita, al fine di trovare nuovi contenuti e le modalità di volta in volta più adatte per estrinsecarli. Naturalmente permangono alcune costanti, e l’obiettivo di questo libro è di individuare le principali che permettano di leggere una produzione così ampia entro una cornice interpretativa coerente.

Violenti, scostanti, scorretti. Gli eretici interpretano il tema della salvezza in ostinata opposizione con l'opinione e il gusto correnti. Rapita tanto dalle altezze quanto dalle bassezze, la loro opera multiforme rivolge lo sguardo alle urgenze della poesia e della verità, lasciando che pensiero e biografia siano un'unica cosa. Gli eretici di questa mostra sono tra gli altri Mattia Moreni, Cristina Campo, Pier Paolo Pasolini, Carmelo Bene, Sylvano Bussotti, Enrico Colombotto Rosso, Federico Tosi, Sergio Vacchi, Giannetto Fieschi, Amelia Rosselli, Pietro Ghizzardi, Cosey Fanni Tutti, Guido Costa, Ugolino, Maria Sole. Esempi di anticonformismo che fanno della follia, della provocazione o della perversione un elemento disturbante eversivo e non assimilabile. Contributi di: Fabio Canessa, Guido Costa, Andrea B. del Guercio, Simone Derai, Demended Burrocacao, Duccio Dogheria, Denis Isaia, Concetta Leto, Brizia Minerva, Daniela Rosi, Stefano Sbarbaro, Vittorio Sgarbi, Franco Ungaro.

Il volume, muovendo dalla sezione italiana dell’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, evento epocale che si tenne a Parigi nel 1925 e da cui deriva il termine “Déco”, intende restituire, attraverso 230 opere circa, una fotografia di quanto si andava producendo in quegli anni non solo nelle arti decorative e nella grafica, ma anche in pittura, scultura e architettura. L’obiettivo è quello di scoprire il fil rouge del gusto déco italiano che, tramite le necessarie intersezioni di stili e temi guida – come la danza, la maschera e la spinta sintetica nell’analisi formale di animali esotici –, favorì quella ricerca orientata verso una maggiore struttura architettonica e geometrizzazione delle forme. Tra le opere illustrate, per citarne solo alcune, le sfavillanti ceramiche firmate da Gio Ponti per Richard Ginori e quelle celebri di Francesco Nonni, le delicate trasparenze buranesi di Vittorio Zecchin, gli straordinari dipinti di Aleardo Terzi e Umberto Brunelleschi, che segnano un versante più illustrativo della pittura di quegli anni, e i progetti di Armando Brasini e Piero Portaluppi. Spazio è dato anche a quel sottile legame che avvicinò il secondo Futurismo alla temperie déco, testimoniato dalla partecipazione all’Expo parigina di Giacomo Balla, Fortunato Depero ed Enrico Prampolini.