Silvana: Arte

Paolo Monti (Novara, 1908 – Milano, 1982), tra i più importanti fotografi italiani, è stato maestro indiscusso di intere generazioni. Accanto all’attività professionale ben nota – le campagne di rilevamento del patrimonio artistico e architettonico, i ritratti di artisti, la documentazione degli allestimenti museali del secondo dopoguerra – condusse, senza cesure, un’intensa attività sperimentale che lo portò a riflettere sull’astrazione, in un affascinante percorso di indagine del linguaggio fotografico e delle sue potenzialità. Un’attività poco conosciuta, che lo mise in relazione con le sperimentazioni artistiche e fotografiche più interessanti del suo tempo e ne accrebbe la credibilità internazionale. Attraverso l’indagine scientifica, condotta sull’archivio del fotografo, acquista così nuova luce l’avventura intellettuale di uno dei protagonisti della cultura visiva del Novecento.

Il volume propone un’indagine approfondita sulla prima produzione di Leonardo Dudreville (Venezia 1885 - Ghiffa 1976) che, muovendo dagli esordi divisionisti, elaborerà una pittura che mostra un’inedita attenzione alle avanguardie europee (in particolare alle suggestioni derivate dalle tematiche musicali e dai cosiddetti stati d’animo) per avvicinarsi infine al futurismo con la firma nel 1920 del manifesto Contro tutti i ritorni in pittura, preludio a una nuova concezione della figurazione. Un percorso esemplare che consente l’analisi di quella congiuntura culturale che portò nel 1914 alla formazione del gruppo Nuove Tendenze, composto, oltre che da Dudreville, dai pittori Adriana Bisi Fabbri, Carlo Erba, Achille Funi, Marcello Nizzoli, dagli architetti Giulio Arata, Mario Chiattone, Antonio Sant’Elia, dallo scultore Giovanni Possamai, dalla decoratrice tessile Alma Fidora e dai critici Carlo Bozzi, Decio Buffoni, Gustavo Macchi e Ugo Nebbia.

La festa di Sukkot ricorda due fatti raccontati nella Torah: le dimore in cui gli ebrei abitarono nei quarant’anni passati nel deserto prima di raggiungere la terra d’Israele e le nubi che circondavano il loro accampamento e rappresentavano la protezione divina. Per commemorarli, le famiglie ebraiche ancora oggi costruiscono in spazi a cielo aperto delle capanne, le sukkot, con tetti coperti da frasche, dentro le quali trascorrono buona parte dei giorni di festa, condividendo i pasti con gli ospiti, uniti sotto lo stesso cielo. Durante le preghiere si utilizza il lulav, composto da un ramo di palma, tre di mirto, due di salice e un cedro, dagli affascinanti significati simbolici. Il volume affronta l’attualità dei valori della festa, che custodisce in sé idee come sostenibilità e rispetto della natura e delle persone, ed è arricchito da un approfondimento sulle tavole lignee decorative della sukkah di Praglia, opere d’arte di valore inestimabile sopravvissute alla loro natura effimera e ora accessibili al grande pubblico.

Il volume, che comprende circa settanta opere provenienti dalla Fondazione Giorgio e Isa de Chirico di Roma, ricostruisce due importanti momenti della pittura dechirichiana: la stagione “barocca” e la stagione neometafisica. La prima si sviluppa dal 1938 al 1968, quando de Chirico (che nel 1939 lascia Parigi e torna in Italia, dividendosi fra Milano e Firenze, prima di stabilirsi nel 1944 a Roma, dove rimarrà fino alla morte) si ispira a Rubens, ma anche a maestri diversi, da Dürer a Raffaello e Delacroix. Le sue opere non sono realiste, ma vogliono creare un mondo ideale e irreale, una finzione più vera del vero. “Noi amiamo il ‘non vero’”, scrive. E anche: “La realtà non può esistere nella pittura perché in generale non esiste sulla terra”. Le opere “barocche”, dunque, nonostante il loro apparente naturalismo, sono ancora meta-fisiche (letteralmente “al di là della natura”): sono cioè una metafisica della natura, rappresentano una natura che in natura non esiste. Il de Chirico “barocco”, inoltre, misurandosi con i maestri antichi e dipingendosi in abiti del passato, mette in discussione la modernità: è anzi il primo postmoderno. L’ultima parte è dedicata alla stagione neometafisica, cioè al decennio 1968-1978, in cui de Chirico riprende a dipingere manichini, Piazze d’Italia e altri enigmi, con nuove rielaborazioni e invenzioni. La neometafisica si differenzia dalle copie, che l’artista esegue quasi tutta la vita, per un mutamento di motivi e di significato. Con un’accentuata ironia, colori più accesi e cadenze più giocose, de Chirico si stacca dalla visione nichilista degli anni dieci e reinterpreta in forme più serene, anche se non prive di qualche malinconia, i temi del passato. Alla pittura pastosa della stagione “barocca” sostituisce una pittura fondata sul disegno e sulla costruzione nitida delle forme.

Le ricerche nel campo della visione, condotte fin dal 1919 dal Laboratorio di Psicologia sperimentale dell'Università degli Studi di Padova, fondato da Vittorio Benussi, hanno avuto uno straordinario impatto innovativo che, travalicando l'ambito accademico e disciplinare, hanno contribuito a stimolare, a partire dagli anni sessanta, un ambiente artistico-culturale d'avanguardia proiettando la città di Padova e i suoi artisti sulla scena internazionale. Il volume mette a confronto le opere, gli ambienti e gli allestimenti del Gruppo N - Alberto Biasi, Ennio L. Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi e Manfredo Massironi -, attivo a Padova dal 1960 al 1964, con gli studi di Vittorio Benussi e dei primi ricercatori riconducibili alla sua Scuola: Cesare Musatti, Fabio Metelli e Gaetano Kanizsa, di carriera triestina ma laureatosi a Padova.

Concepito secondo una prospettiva internazionale, il volume che accompagna questa mostra è dedicato alle ricerche artistiche che nel tempo si sono concentrate sul colore, l’ottica, il movimento, la percezione. Si articola dal XIII al XX secolo, intrecciando arte, fotografia, miniatura, scultura, scienza e tecnica. Dalle antiche miniature agli studi sull’ottica e la teoria dei colori, dalla rivoluzione neoimpressionista nella percezione visiva all’astrazione fondata su ritmo e geometria e all’arte optical, dalla rappresentazione del movimento agli oggetti cinetici, strumenti scientifico-tecnologici e opere artistiche dialogano con gli albori della fotografia sperimentale e del cinema.

Il più importante nucleo di opere di Pierre Klossowski mai esposto in Italia in dialogo con le fotografie fetish di Pierre Molinier, i disegni irriverenti di Carol Rama e le anatomie erotiche di Hans Bellmer. Disegni, fotografie e pitture raccontano di condotte irragionevoli, volte a inseguire brame intellettuali ed erotiche onnivore. Inoltrandosi nelle stanze più segrete della sessualità, le figure ritratto in formato reale da Klossowski inscenano situazioni già immaginate nelle sue opere letterarie. Il teso erotismo dell'autore si pone come strumento di rilettura di un pensiero d'ordine filosofico di cui sono vittime e protagoniste alcune figure mitiche come il personaggio di Roberta o dell'Adolescente. In Carol Rama la sessualità si appropria della pittura e del disegno che divengono strumenti per dare spazio a ciò che il buon costume tiene relegato nella sfera dell'intimità. L'esasperata indecenza di Molinier è lo specchio di un'esibizione strafottente in preda alla libertà dei propri pensieri. Più organizzata e scientifica è, invece, la perversione che alimenta l'immaginario di Bellmer, le cui estreme compenetrazioni e contorsioni aprono un dialogo tra la sfera della psiche e quella del corpo, ribadendo il potere creativo dei confini più estremi dell'arte e dell'eros.

Il volume, dedicato alla stagione del Rinascimento a Bologna, indaga lo sviluppo dell’arte in città dall’epoca dei Bentivoglio, a partire dagli anni settanta del Quattrocento, sino all’incoronazione di Carlo V nel 1530. Evento cruciale di questo periodo è l’arrivo di Giulio II, il “papa guerriero” – grande protagonista dell’epoca cui si devono le straordinarie commissioni artistiche del nuovo secolo, a cominciare dalle stanze Vaticane e dalla cappella Sistina –, il quale, entrando a Bologna nel 1506, la strappò al governo dei Bentivoglio. La riconquista della città da parte della Chiesa determinò una forte discontinuità nella tradizione artistica locale, con l’arretramento dei pittori di corte dei Bentivoglio che erano stati protagonisti nei decenni precedenti e l’arrivo di Michelangelo, Bramante e, in un secondo momento, di Raffaello ad affermare un nuovo linguaggio in linea con la politica di promozione artistica romana. Emblematico di questo contesto è il celebre Ritratto di Giulio II (Londra, The National Gallery) di Raffaello, uno dei vertici della ritrattistica rinascimentale, qui analizzato insieme a una nutrita selezione di capolavori che offrono, insieme ai saggi critici, un quadro completo di questa straordinaria stagione.

Il mito della nascita dell'arte tramandatoci da Plinio e quello della conoscenza narrato da Platone s'incentrano entrambi su uno stesso concetto: l'ombra di un corpo proiettata su una parete. Secondo Plinio la pittura nacque quando qualcuno tracciò per primo l'ombra di un essere umano, mentre Platone spiega cos'è la conoscenza tramite l'allegoria di un uomo prigioniero in una grotta, dove non può vedere che ombre. In entrambi i casi, fondamentale è la luce. Attraverso un excursus tra le opere delle Collezioni della Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, il volume indaga l'importanza della luce, elemento chiave di ogni rappresentazione. Nei secoli la luce ha assunto molteplici significati: dall'oro delle icone bizantine al chiaroscuro nel Rinascimento, dall'uso simbolico nelle opere di Caravaggio alla scomposizione cromatico-retinica della pittura impressionista che porterà alle ricerche astratte, fino all'età contemporanea, che farà della luce l'oggetto dell'opera stessa.

Probabilmente pochi sanno che Giambattista Piazzetta, uno tra i più importanti pittori veneziani del Settecento, ha lasciato la sua città solo una volta e lo ha fatto per andare a Bologna. Aveva vent'anni, era allievo del pittore veneziano Antonio Molinari e si era distinto ben presto “fra gli altri; ma desideroso di vedere la Scuola di Bologna, e udendo commendare il famoso Guercino da Cento, volle cò gli occhi propri, certificarsi del pregio del suo pennello” (Longhi, 1762). Nel 1727 Piazzetta viene nominato Accademico d'onore della Clementina di Bologna e l'Archivio storico dell'Accademia di Belle Arti custodisce la lettera che lui stesso scrive per ringraziare. La figura di Giambattista Piazzetta ci offre la possibilità di scoprire relazioni poco note tra Venezia e Bologna e anche di avvicinarci a un linguaggio figurativo, per molti sconosciuto e da molti sottovalutato, come l'incisione. Le opere di Piazzetta sono infatti proposte attraverso la traduzione grafica degli incisori del Settecento; tra questi i più noti sono certamente il veneziano Marco Pitteri e il fiorentino Francesco Bartolozzi.

L’idea assai originale di dare vita ad una “raccolta moderna di dipinti e sculture” ha costituito il tratto distintivo del Museo Civico torinese, istituito nel 1863: è stata infatti Torino, al tempo capitale del Regno d’Italia, la prima municipalità italiana a dotarsi di una collezione di arte contemporanea. A restituire questa ambizione sono settanta opere della collezione dell’Ottocento della GAM, da alcuni anni non più visibile; approfondimenti e nuove indagini hanno permesso di mettere meglio a fuoco il confronto tra la nobile tradizione della pittura di figura e la novità delle ricerche sul paesaggio che improntò l’avvio della raccolta. Se la pittura di paesaggio sarà destinata a diventare centrale rispetto all’identità della collezione torinese – ed è sufficiente il nome di Antonio Fontanesi – a presentare inaspettati sviluppi è la pittura di figura che trova, soprattutto nella rappresentazione della figura femminile, il riflesso delle inquietudini che attraversavano la società di fine secolo.

Acclamato dai contemporanei come il nuovo Fidia, colui che aveva riportato la scultura a quelle vette sublimi che si riteneva spettassero solo alla statuaria classica, Antonio Canova ebbe l'ambizione e il genio di imporsi sulla scena internazionale quale "antico scultore vivente", segnando indelebilmente il gusto dell'epoca in cui visse e operò. Il volume ripercorre le tappe di un viaggio ideale sulle orme di Canova. Un viaggio nel tempo e nello spazio che dall'universo creativo del suo atelier attraversa le principali corti d'Europa alla scoperta degli episodi e degli incontri con i personaggi che determinarono il corso della sua vita e della storia europea.