Silvana: Arte

«Ciò che è in gioco nelle complesse e abbaglianti immagini di Photopoiesis: The Metapolitan Amuseum […] è la coscienza piuttosto che l’intenzione: la coscienza passata, la coscienza attuale e, ora, naturalmente, la coscienza a venire che sopraggiunge contestualmente. Ciò che originariamente ha incantato l’occhio del fotografo non emerge mai completamente sul momento, ma solo dopo: attraverso un processo di assemblaggio, sovrapposizione ed estrazione in un’immagine finale che è a sua volta una sfida. […] È un metodo simile per molti versi a quello della scoperta scientifica, che implica interrogazione, dissezione, sperimentazione, alterazione e ricostruzione, un approccio di mutazione delle immagini che culmina in una sorprendente gamma di tipologie e fenotipi pittorici, che vanno dal quasi rappresentazionale ai limiti dell’espressionismo astratto. […] le fotografie di Photopoiesis non sono mai una sola immagine, anche prima della loro riproposizione. Ogni immagine è un archivio, un assemblaggio, una composizione, dove ciò che conta o che si materializza nel regno della coscienza “conta solo in seguito”, dove risiedono significato e rivelazione.» (William Galperin). «Photopoiesis offre un modo per esercitare l'immaginazione fotografica per connettere cose - tra esse, luce, colori, forme e soggetti - che non pensi immediatamente come connesse. Quando tutto sarà finito, io immagino dei tableaux che rappresentano i disorientanti ma deliziosi postumi di avvistamenti primari che io credo noi tutti siamo destinati a vedere... L'impatto e il contenuto visivo di un'immagine prendono vita, controintuitivamente, non nel momento in cui è stata creata, spigolata e percepita per la prima volta, ma molto più tardi, sotto forma di avvistamenti assemblati e riformulati nel tempo. È un altro modo per dire che "Photopoiesis vi mostrerà ciò che ho visto - visto in profondità, in effetti - ma mai nel momento preciso o nel modo in cui l'ho visto per la prima volta."» (Gideon Bosker)

Il volume esplora i molteplici volti dell’identità grazie a una serie di autori che hanno osservato con linguaggi innovativi la propria realtà interiore e il mondo: sguardi sempre più necessari nello scenario attuale, in cui “l’arte inquieta” è figlia di quell’urgenza espressiva dell’artista che, alla base della sua febbrile attività, genera opere uniche e sorprendenti. Un viaggio ai primordi dell’arte, alle sue origini spontanee e istintive, seguendo le tensioni della linea espressionista e la poetica surrealista aperta al sogno oltre i confini della ragione. Un percorso tra opere provenienti anche da mondi esclusi, oggi prezioso e necessario archivio dell’immaginario: l’art brut, dunque, visionaria e dai linguaggi inediti. Carla Accardi, Alighiero Boetti, Jean Dubuffet, Max Ernst, Alberto Giacometti, Keith Haring, Emilio Isgrò, Paul Klee, Anselm Kiefer, Maria Lai, Antonio Ligabue, Zoran Mušič, Emil Nolde, Yves Tanguy sono solo alcuni degli artisti qui presentati, accanto a opere provenienti dall’Archivio del San Lazzaro conservato al Museo di Storia della Psichiatria di Reggio Emilia.

Votata al grado massimo di simulazione della realtà, tanto più ingannevole quanto più illusoria, la ceroplastica policroma si afferma nella Bologna dell’età di Prospero Lambertini, papa col titolo di Benedetto XIV. Le prerogative di perfetta adesione al vero ne fanno uno strumento di utile applicazione all’ambito scientifico della didattica anatomica, ma si rivelano altrettanto strategiche nella conturbante verisimilissima raffigurazione di venerabili, santi, aristocratici, villani. Dalle Sale di Anatomia dell’Istituto delle Scienze, che ospitano i preparati anatomici e le statue dei ‘nudi’ di Ercole Lelli, l’iperreale resa della natura consentita dalla modellazione in cera associata all’uso di altri materiali, come vestiti e capelli veri, conquista infatti i luoghi del sacro, nonché le dimore private, tramite le opere di Angelo Gabriello Piò, Filippo Scandellari, Nicola Toselli, Luigi Dardani, Anna Morandi Manzolini. Le cere conservate presso il Museo Davia Bargellini hanno fornito il primo spunto all’ideazione del volume, dedicato ad Andrea Emiliani, studioso di rilievo internazionale, autorevole sovrintendente dalla lunga carriera spesa nella conoscenza e nella tutela del patrimonio storico artistico, autore tra l’altro nel 1960 di un pionieristico saggio sull’arte bolognese della ceroplastica.

Il volume intende proporre una riflessione sul tema del dono, perpetuando la visionaria volontà di Gian Giacomo Poldi Pezzoli (1822-1879) – fondatore della casa-museo e, quindi, primo donatore – di accrescere la raccolta dʼarte da lui avviata. Il dono ha la capacità di cambiare i rapporti, le situazioni, le azioni, le persone e addirittura i musei. Donare unʼopera, denaro o le proprie capacità professionali per sostenere unʼistituzione significa restituire alla comunità un privilegio ricevuto dalla vita, come fece Poldi Pezzoli. Questa pubblicazione, che si inserisce nel palinsesto delle celebrazioni per il bicentenario della nascita del nobile collezionista, presenta vari dipinti, alcuni dei quali inediti, insieme a una serie di orologi e ventagli di manifattura europea e tre stipi rinascimentali di produzione milanese. Le schede di catalogo illustrano la rilevanza storico-artistica delle opere, datate dal XIV al XX secolo, il valore culturale che esse apportano alle collezioni del Museo e una nota sui donatori.

Se è nel segno che si esprime la materialità del visibile e del percepibile nelle sue infinite declinazioni, è nella funzione della mente di conservare e richiamare alla coscienza nozioni ed esperienze del passato che si comprende la trasformazione di quell'unità che si compone di "significante e significato", "immagine e contenuto". In un percorso guidato, storici dell'arte, filosofi del linguaggio, semiologi e saggisti si interrogano sulle potenzialità di questo legame enunciando letture differenziate sul significato di segno e memoria. I contributi sono divisi in tre sezioni: I Poster, riservata agli studiosi più giovani, con saggi di Samanta Viziale, Elena S. Lazaridou, Marta Acciaro e Gabriella Rava; I Lavori, per accademici e personalità integrate negli ambienti istituzionali della produzione culturale, con testi di Eirene Campagna e Tommaso Casini, Roberto Pellerey, Pietro Gaglianò, Francesca Franco, Jérôme Godeau, Giuseppe Previtali, Grazia Basile, Harula Economopoulos, Alice Cati e Emanuela Sesti, e le Recensioni, con un intervento critico di Giorgio Marini e Flavia Pesci.

L'Italia è stata tra i primi paesi a stabilire rapporti diplomatici con l'Arabia Saudita a seguito della fondazione del Regno nel 1932. All'epoca, l'unificazione della penisola arabica sotto la casa regnante dei Saud costituì uno sviluppo fondamentale negli equilibri della regione mediorientale. Il pronto riconoscimento del nuovo Regno da parte dell'Italia fu un passaggio dal profondo significato storico, che commemoriamo in quest'anno di celebrazione dei 90 anni di relazioni diplomatiche. Il 90° anniversario delle relazioni diplomatiche tra Italia e Arabia Saudita diventa spunto per una riflessione sul commercio tra i due Paesi, che trova origine con il fiorire della civiltà e si rafforza via via nei secoli. Oggi l'interscambio di beni si attesta a poco più di otto miliardi di euro e le nostre esportazioni verso l'Arabia Saudita hanno recuperato i valori del 2019 (+1,9% nel 2021 rispetto al pre-pandemia). Nonostante le difficoltà di questo periodo, l'andamento continua a crescere. L'Italia è per l'Arabia Saudita il secondo partner commerciale tra i Paesi UE e l'Arabia Saudita è il secondo mercato di sbocco per l'export italiano in Medio Oriente.

La raffinata predella della Pala Oddi raffigurante l’Annunciazione, l’Adorazione dei Magi e la Presentazione al tempio, conservata nei Musei Vaticani ma in origine in San Francesco al Prato a Perugia, è uno dei capolavori del giovane Raffaello (Urbino, 1483 – Roma, 1520), grande protagonista del Rinascimento italiano. Eseguita intorno al 1504, è considerata l’opera di Raffaello più vicina a Perugino: indubbio è il carattere intensamente peruginesco delle tre scene, che rivelano la conoscenza della dolcezza e della morbidezza della pittura del maestro umbro, che il giovanissimo artista assimila e rielabora in un linguaggio personale e altamente poetico. I tre scomparti rivelano infatti la genialità di Raffaello, già proiettato verso soluzioni pienamente rinascimentali, con esiti innovativi e moderni. L’opera è stata sottoposta a un intervento di restauro, che ha permesso di recuperare la cromia brillante e il delicato chiaroscuro, e a una serie di analisi che hanno aggiunto nuovi importanti tasselli alla conoscenza dei materiali impiegati dal genio urbinate e della sua tecnica esecutiva.

Alla metà del Seicento, Torino corteggiava i Cantoni cattolici cercando di rinnovare i precedenti trattati di alleanza e a tal fine mandò il barone di Grésy in una complessa ambasceria in Svizzera. Il diplomatico sabaudo dovette giostrarsi con i numerosi Cantoni e le loro puntigliose richieste. Fino all’ultimo momento le trattative furono serrate, ma dopo lunghi sforzi il trattato, che prevedeva clausole di tipo economico, politico e militare, venne finalmente siglato, per merito di Grésy che aveva imparato a destreggiarsi nell’articolata politica federale elvetica. Alleati, altre volte belligeranti, lungo i secoli gli intrecci politici fra la dinastia dei Savoia e la vecchia Confederazione furono numerosi. In alcuni borghi e monumenti elvetici permangono ancora oggi preziose testimonianze di queste antiche relazioni. Nel 370° anniversario dall’ultima volta in cui gli ambasciatori svizzeri varcarono le Alpi e si recarono a Torino per il solenne giuramento con Carlo Emanuele II, il volume ripercorre le tappe che portarono a questo importante avvenimento, grazie anche a un vasto apparato iconografico e a ricerche d’archivio che hanno permesso di analizzare in tutte le loro sfaccettature i luoghi e i protagonisti di questa avvincente missione diplomatica.

"La magia dell’immagine, frutto di un momento di grazia e di naturalità della condizione umana, è l’istanza che informa il lavoro di Miguel Rio Branco, il quale ricerca con le sue immagini una soluzione di continuità tra esistenza e fotografia. Nelle sue inquadrature infatti i furori della vita non sono sottoposti a un lavacro purificatore, ma offrono allo spettatore il tessuto esteriore della vita, colta nel versante della sua oscurità, laddove precipitano tutti i conflitti di una realtà umana e non umana nel cui fiotto ogni forma è ricondotta a detrito oppure a energia primitiva e pura." (Germano Celant)

"Warhol è il Raffaello della società di massa americana che dà superficie ad ogni profondità dell’immagine, rendendola in tal modo immediatamente fruibile, pronta al consumo, come ogni prodotto che affolla il nostro vivere quotidiano. In tal modo sviluppa un’inedita classicità nella sua trasformazione estetica. Così la pubblicità della forma crea l’epifania, cioè l’apparizione, dell’immagine." (Achille Bonito Oliva). Il volume racconta Andy Warhol attraverso una selezione di oltre 200 opere tra dipinti, opere uniche, serigrafie, disegni, polaroids, fotografie e altri cimeli, che ripercorrono i momenti salienti del suo percorso, dagli esordi negli anni Cinquanta alla consacrazione negli anni Ottanta: un artista poliedrico e dalle mille sfaccettature, che in tre decenni ha rivoluzionato la storia dell’arte del Novecento.

Il volume celebra il centenario della nascita di Pier Paolo Pasolini (1922-1975), indagando un aspetto artistico rilevante, spesso trascurato dalla critica, nel contesto creativo complessivo dello scrittore e regista, a oltre quarant’anni dall’ultima antologica completa su Pasolini pittore, del 1978. Vengono presentate opere pochissimo conosciute che datano ai suoi inizi pittorici (primi anni quaranta) e ne accompagnano la vita fino alla drammatica interruzione. Nature morte e paesaggi rurali friulani, raffigurazioni di corpi maschili e femminili, e ritratti che ricreano una sorta di mappatura visiva della famiglia e delle amicizie di Pasolini: la madre Susanna, il cugino Nico Naldini; gli artisti Federico De Rocco, Giuseppe Zigaina, Andrea Zanzotto; i protagonisti del mondo cinematografico romano Laura Betti, Franco Citti, Ninetto Davoli, Maria Callas come Medea; lo storico e critico d’arte Roberto Longhi, maestro di pensiero; il poeta americano Ezra Pound, tra gli autori più amati. Focus particolari sono dedicati al rapporto tra Pasolini e Fabio Mauri, e tra Pasolini e l’arte italiana del Novecento, definita tramite la presenza di artisti sui quali egli ha scritto o dei quali era appassionato cultore: Carrà, de Pisis, Morandi, Mafai, Scipione e Antonietta Raphäel, Gentilini, Guttuso, Carlo Levi, Manzù, Vespignani. Inoltre un’accurata selezione di opere d’arte contemporanea di proprietà di Pasolini – che comprende lavori di Campigli, De Chirico, Guttuso, Matisse, Savinio, Man Ray, Andy Warhol – intende sottolineare come certe passioni artistiche e stilistiche abbiano attraversato e sostanziato l’esistenza e la pittura di Pasolini, così come i suoi scritti d’arte e le stanze delle sue diverse case romane.

Enrico Baleri, imprenditore, designer, comunicatore, nonché affabulatore, esibizionista e narcisista anche se timido e schivo - come lui stesso si definisce nella premessa - raccoglie in questo volume, primo di quattro, ricordi, vicende e riflessioni legate a una vita interamente trascorsa sulla scena del design. Le "perline" quotidiane, attese con trepidazione da tanti followers su Facebook ogni giorno, si concretizzano in questo volume che si presenta come una sorta di diario, ma in divenire e reso pubblico, dove la banalità non è mai di casa, e dove ogni aneddoto testimonia, con piacevole leggerezza ma acuta precisione, la necessità di affrontare il tema della bellezza, della consapevolezza estetica e dell'educazione verso il mondo che ci circonda.