Silvana: Arte

Tomas Rajlich (Jankov, Repubblica Ceca, 1940) è internazionalmente riconosciuto come una delle più influenti figure della pittura europea. Emerso nella prima metà degli anni settanta, è spesso associato al minimalismo e alla pittura fondamentale, termine coniato in occasione della mostra allo Stedelijk Museum Amsterdam nel 1975, cui Rajlich prese parte. Il movimento include Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin e i primi lavori di Brice Marden e Gerhard Richter. L'ampia retrospettiva dell'opera di Rajlich pubblicata nel presente volume si svolge in dialogo con alcune opere chiave dell'astrattismo italiano da lui scelte, a partire da un'introduzione al concretismo degli anni trenta fino al secondo dopoguerra, dalle ricerche percettiviste e preconcettuali degli anni sessanta fino all'arte optical e alla nuova pittura degli anni settanta e ottanta, dipanando una nuova e inedita linea dell'arte astratta italiana.

In occasione della sua terza edizione, Arteporto apre quest'anno alla collaborazione con importanti enti, accademie e istituzioni territoriali. Il tema scelto, Fuori confine, parte infatti dalla necessità di uscire dai propri spazi sicuri, ritrovando nel lavoro a più mani un nuovo slancio vitale. Un importante momento di confronto in ambito artistico, capace di stabilire con il territorio del litorale un legame interattivo, di appartenenza e partecipazione. Un "fuori confine" espositivo, con le opere collocate all'aperto, a diretto contatto con la rigogliosa vegetazione e soggette all'azione degli agenti atmosferici, immerse in una storia millenaria potentemente evocata dai monumentali resti archeologici presenti nel sito. Un "fuori confine" generazionale, con artisti di ogni età, dagli studenti delle Accademie di Belle Arti, selezionati dai loro docenti, ad artisti di fama ed esperienza decennale. Una lettura, dunque, dello spazio trasversale, in grado di valorizzare le differenze esaltandone tangenze o conflitti.

Giovanni Trussardi Volpi (1875-1921) è un pittore che, nonostante i pareri favorevoli della critica e la fortuna collezionistica nei primi decenni del Novecento, non ha ancora ricevuto piena attenzione da parte degli studi storico-artistici. Nel centenario della sua scomparsa, il volume intende colmare questa lacuna, proponendo prospettive di ricerca aggiornate sulla sua carriera e la sua poetica visiva e documentando la recente mostra monografica a lui dedicata presso il MAT - Museo Arte Tempo di Clusone, suo paese natale. Ne emerge la figura di un artista tanto riservato quanto 'irrequieto' che, pur nel solco della tradizione pittorica del periodo, si rivela alla continua ricerca di nuove forme espressive, affascinando l'osservatore con il suo particolare uso dei colori e della materia pittorica.

Nell’arco del suo percorso, a cominciare dagli anni settanta fino a oggi, la scultrice Maria Cristina Carlini (Varese, 1942) ha prodotto intensamente, con una grande capacità di elaborare esperienze estetiche sempre nuove, utilizzando di volta in volta materiali antichi o moderni. Carlini nutre una passione fortissima per i materiali, ne studia le caratteristiche intrinseche, la storia degli usi che l’uomo ne ha fatto nel corso dei secoli, le loro possibili interazioni con altre sostanze e ambienti e il modo in cui reagiscono con il passare del tempo. L’arte di Carlini genera un’interazione fra passato, presente e futuro e la sua ispirazione abbraccia mito e storia. La consapevolezza artistica viene aumentata dal processo del fare, contemporaneamente introspettivo ed espansivo, volto alla emersione del simbolico, ma proiettato nella configurazione di presenze del futuro.

La parola new del titolo di questo volume rappresenta la predisposizione di Fortunato Depero all’innovazione e alla trasformazione continua delle proprie idee, ma anche l’influenza che ha saputo offrire sia ai designer degli anni ottanta – Ettore Sottsass e Alessandro Mendini in primis – sia agli artisti Nuovi Futuristi – Abate, Innocente, Lodola, Postal e Plumcake – che mischiano sapientemente Futurismo, Pop Art e Kitsch. L’effetto Depero si scorge anche in artisti come Ugo Nespolo e Matteo Thun, che danno vita a efficaci rielaborazioni pubblicitarie deperiane per il merchandising dell’azienda Campari, così come nel fumetto d’avanguardia con disegnatori quali Echaurren, Giacon, Carpinteri, i quali a partire dagli anni ottanta riprendono – spesso con ironia – stilemi deperiani. Negli anni duemila cresce l’interesse per i film e i video, spesso imperniati sulla vita esemplare dell’artista roveretano ricostruita grazie ai documenti custoditi nel fondo Depero, che consentono lavori di ricerca molto approfonditi, come nel caso di Il sogno di Alberto (2011), un’installazione video su quattro schermi per la regia di N!03, Depero, Rovereto, New York e altre storie (2015) di Nello Correale e infine New York film vissuto del 2020, realizzato appositamente per la mostra dall’Istituto Barlumen.

Il catalogo della mostra "Dante e la Divina Commedia in Emilia-Romagna" si configura come il tributo più importante a Dante Alighieri per il settimo centenario della sua morte (1321-2021) nella terra «tra 'l Po e 'l monte e la marina e 'l Reno» che fu per il poeta una seconda patria e l'ultimo rifugio del suo sofferto esilio. Curato da studiosi specialisti di Dante, i filologi Gabriella Albanese e Paolo Pontari e il paleografo Sandro Bertelli, il catalogo censisce, indaga e valorizza il patrimonio librario e documentario antico dantesco di ben quattordici biblioteche e archivi che hanno ospitato un evento espositivo diffuso di straordinaria ampiezza, realizzato grazie al partenariato tra la Società Dantesca Italiana e l'Istituto per i Beni Culturali, ora Servizio Patrimonio culturale, della Regione Emilia-Romagna. I saggi introduttivi, a firma di autorevoli studiosi del mondo accademico e di responsabili degli Istituti librari della Regione, offrono bilanci e novità sul ruolo determinante che il territorio lungo l'antico asse della Via Emilia ebbe nella vita e negli scritti del poeta e nella diffusione e ricezione della Commedia e delle altre opere dantesche. Oltre duecento schede dettagliate di importanti e splendidi manoscritti, di documenti per lo più inediti e di antichi e rari stampati illustrano il patrimonio dantesco delle quattordici sedi espositive. In chiusura, oltre agli Indici e alla Bibliografia, è offerto un Censimento completo del patrimonio librario antico dantesco in Emilia-Romagna, allargato ai testimoni conservati anche in tutte le altre Istituzioni della Regione.

Il volume propone una approfondita riflessione sull'opera di Aldo Tagliaferro (Legnano, 1936 - Parma, 2009), condotta sulla base di una ricostruzione sistematica del suo percorso, a partire dagli anni sessanta, che lo vedono impegnato nella realizzazione dei pezzi che egli stesso ha raccolto sotto il nome di Rapporto quotidiano politico, sino al suo ultimo impegnativo intervento, Sopra/sotto un metro di terra (2000). Con il supporto dei materiali custoditi nell'archivio dell'artista, il volume restituisce tutto lo spessore e la complessità del fare di Tagliaferro; ne emerge una figura coerente, che fonda la sua ricerca su una tensione etica oltre che estetica, servendosi della fotografia quale strumento più adeguato per mettere in atto quel processo di "rilevamento-rivelamento" che, come un fil rouge, attraversa tutta la sua produzione. Il saggio introduttivo di Cristina Casero illustra tutte le fasi del lavoro di Tagliaferro, dalle esperienze che lo avvicinano al gruppo della Mec-Art alla partecipazione alla Biennale di Venezia, senza trascurare il periodo della maturità, quando si fanno più significative le istanze autobiografiche.

Il volume racconta l'epopea popolare di Dante Alighieri e del suo poema, la cui fortuna, cominciata già nel Trecento, arriva fino ai giorni nostri. I suoi versi più celebri, impressi nella mente di ciascun italiano, sono diventati quasi proverbiali; altri invece li incontriamo nelle canzoni, nelle pubblicità, perfino nelle scritte sui muri. Anche il profilo del poeta, riconoscibile in tutto il mondo, è diventato un'icona familiare, riprodotta in monete, francobolli e monumenti. Ad alimentare tale fama hanno contribuito gli artisti che hanno raccontato Dante e la Divina Commedia con mezzi diversi: dalle illustrazioni ai romanzi, dalle canzoni ai film, dai fumetti ai videogiochi. Completa la rassegna una sezione dedicata all'arte contemporanea, con opere di maestri internazionali quali Edoardo Tresoldi, Irma Blank, Tomaso Binga, Richard Long, Letizia Battaglia, Kiki Smith, Rä di Martino, Robert Rauschenberg e Gilberto Zorio, scelte per reinterpretare i temi danteschi.

Pochi artisti hanno incarnato la propria terra come Ottaviano di Martino Nelli, o Melli, forse nipote del pittore trecentista Mello. Attivo nel primo '400, radicato nella sua Gubbio, dove fu pure console, Ottaviano la raccontò in cicli vivacissimi, rutilanti di colori e di preziosità, pieni di verve, di ritratti e di sapidi aneddoti. Viaggiò, formandosi a Perugia, estendendo il suo raggio di azione fra Umbria, Marche e Romagna, al servizio di Guidantonio da Montefeltro a Urbino e Corrado Trinci a Foligno, toccando pure Città di Castello, Sansepolcro, Fabriano, Fano, Rimini, divenendo così uno dei maggiori propagatori dell’esuberante gusto gotico internazionale in Italia centrale. Nella mostra sono raccolti i rari suoi dipinti su tavola, è ricostruito un insolito polittico francescano tutto narrativo, sono illustrati i suoi seguaci, come Jacopo Bedi. Il catalogo offre una documentazione storica e iconografica capillare, sostanziata da un Atlante sistematico di tutti i suoi cicli murali.

In occasione del centenario della nascita, viene pubblicato questo volume dedicato a Ernesto Treccani (Milano, 1920- 2009), uno tra i più fervidi e limpidi poeti d’immagine del Novecento. Figlio del conte Giovanni Treccani degli Alfieri, imprenditore del settore tessile, senatore, nonché fondatore del noto Istituto dell’Enciclopedia che ancora oggi porta il suo nome, Ernesto rinuncia a quel mondo per seguire la propria vocazione d’artista. Fondatore della rivista Corrente diventa, insieme agli amici Birolli, Guttuso, Migneco e Sassu, uno dei più propositivi e impegnati rappresentanti del Realismo italiano. Nel dopoguerra la sua pittura accoglie accenti più lirici e la sua poetica si arricchisce di un nuovo respiro, che scaturisce da un dialogo intenso con la natura. Il volume, con saggi critici e un regesto cronologico, ripercorre la sua parabola umana e artistica a partire dagli esordi nel 1940 fino alla scomparsa, offrendo una lettura emozionante e coinvolgente del suo percorso artistico.

Progetto Genesi. Arte e Diritti Umani, a cura di Ilaria Bernardi e promosso dall'Associazione Genesi, è un progetto cross-disciplinare e inclusivo, della durata di un intero anno (dal 21 settembre 2021 al 21 settembre 2022) che coniuga momenti espositivi ed educativi con l'obiettivo di fornire un'educazione permanente in tema di diritti umani. Si articola in un ricco programma composto da attività educative, in presenza e online, rivolte al pubblico di tutte le età e da una mostra itinerante delle opere d'arte contemporanea dell'Associazione Genesi che costituiscono la Collezione Genesi e che riflettono sulle più drammatiche questioni del nostro tempo. Concepito come interdisciplinare e multimediale, per radicalità di impegno, vastità di orizzonti e ampiezza del ventaglio di iniziative che lo compongono, Progetto Genesi, che questo volume racconta, è destinato a rappresentare un vero e proprio unicum nel sistema dell'arte contemporanea, non solo italiano.

Il colore è la chiave della nostra percezione, la vera essenza di come vediamo e capiamo il mondo, ma la domanda da porsi è: come lo interpretiamo? Sei noti artisti britannici - David Batchelor, Ian Davenport, Lothar Götz, Jim Lambie, Annie Morris, Fiona Rae - hanno interpretato in modo diverso il rapporto del colore nello spazio. Il colore è il protagonista principale delle loro opere: lo si trova nelle sculture assemblate con gli oggetti di recupero di Batchelor, nelle scie colorate dei quadri di Davenport, nei segni delicati e fluttuanti sulle superfici bianche di Fiona Rae e nelle sculture di Annie Morris che con prepotenza definiscono l'ambiente. Infine il colore esce fuori dai quadri per invadere i muri e il pavimento della Galleria stessa, con due realizzazioni site-specific, quella di un'intera parete dipinta da Lothar Götz, e quella di Zobop, il pavimento realizzato in vinile da Jim Lambie.