Silvana: Arte

Come un invisibile filo che collega e mette in relazione esperienze diverse, il tema del paesaggio diviene tra il 1861 e il 1871 il soggetto privilegiato di alcune delle ricerche artistiche più coraggiose e originali, capaci di rinnovare, tra scandali e polemiche, la scena artistica nazionale. Sarà questa la via per sperimentare stesure pittoriche più libere, nuove cromie e audaci tagli compositivi. Artisti come Vittorio Avondo, Ernesto Bertea, Federico Pastoris, Carlo Pittara, Alfredo de Andrade ed Ernesto Rayper individuarono nella lezione di Antonio Fontanesi il passaggio chiave per guardare e dipingere la natura con un atteggiamento aperto, che si carica delle esperienze del realismo d’oltralpe. Una trama di rapporti arricchita dal ritrovamento di sedici lettere di Antonio Fontanesi ad Alfredo de Andrade, qui trascritte e commentate per la prima volta.

Il volume presenta la sorprendente collezione di vetri veneziani donata dai coniugi Carla Nasci e Ferruccio Franzoia alla Galleria d'arte moderna Carlo Rizzarda di Feltre. Una raccolta di oltre 800 pezzi che spaziano dal XVIII secolo alla contemporaneità, e che consentono di ammirare in particolare la produzione muranese e i suoi grandi artisti del vetro. Un primo nucleo annovera gli eleganti vetri liberty e déco prodotti dalla Vetri Soffiati Muranesi Cappellin Venini & C. negli anni venti: direttore artistico della ditta era Vittorio Zecchin, una tra le personalità più affascinanti che operarono a Venezia tra la Prima guerra mondiale e il decennio successivo, che con i suoi elegantissimi soffiati trasparenti ispirati al Rinascimento, impresse una svolta determinante nella produzione muranese coeva. Un secondo gruppo è rappresentato dai manufatti prodotti tra il 1925 e il 1960 riferibili alla figura di Carlo Scarpa, ideatore di forme e tessuti vitrei innovativi di grande successo, che collaborò rispettivamente con la ditta Cappellini dal 1926 e con la Venini dal 1932, insieme a una miscellanea di prodotti di altre ditte e autori attivi in laguna. La terza tipologia di manufatti documentata è quella dei vetri da mensa: oggetti di consumo destinati a un uso effimero e dunque importante testimonianza di gusto e costume.

Vittorio Accornero de Testa (1896-1982) e Edina Altara (1898-1983), artisti e illustratori, incrociano i loro percorsi lavorativi a partire da “Il giornalino della Domenica”, dove Accornero debutta nel 1919 e Altara nel 1920. Il loro destino professionale si intreccia presto con quello personale: si sposano nel 1922 e insieme disegnano la partecipazione di nozze, un invito mondano che è anche una dichiarazione di stile. Negli anni del matrimonio la coppia condivide i destini dell’alta società, operando con entusiasmo ed energia nell’epoca dell’Art Déco. Prima uniti nella vita, poi separati, non perdono mai i contatti e riescono a reinventarsi anche nel complesso periodo che segue la Seconda guerra mondiale. L’esistenza dei due artisti interseca non poche dinamiche della creazione artistica in Italia, tra il territorio della grafica e l’ideazione di oggetti. Il volume è il ritratto di due esistenze spese alla ricerca di dimensioni creative sempre diverse, a fianco di nomi illustri del design e della moda, tra cui Rodolfo Gucci, che ebbe uno speciale sodalizio con Accornero, e Gio Ponti, che volle al suo fianco Edina Altara per importanti collaborazioni nell’ambito dell’arredamento.

Il dibattito sulla salvaguardia dell’ambiente è più che mai all’ordine del giorno a livello internazionale. Tuttavia è importante evidenziare come temi quali l’amore e la sensibilità per la Natura, e più in generale l’interesse per il Paesaggio, siano già stati fonte d’ispirazione per tantissimi artisti, dai pittori preromantici di fine Settecento ai maestri contemporanei. L’Infinita bellezza del paesaggio italiano è raccontata attraverso le immagini di questo volume, che presenta oltre 200 opere tra dipinti, sculture e installazioni dedicate a questo tema e alle sue diverse forme di rappresentazione. Dalle poetiche romantiche del pittoresco e del sublime, all’affermazione positivista del vero, passando attraverso le nuove ricerche divisioniste e simboliste e le provocazioni delle Avanguardie, fino ad arrivare alle semplificazioni della Pop Art e alle concettualizzazioni dell’arte contemporanea.

Il volume, a cura di Marco Meneguzzo, presenta un'ampia selezione di opere di Ivan Theimer (Olomouc, 1944), scultore fuggito in Francia nel 1968 e oggi diviso per lavoro tra Parigi e Pietrasanta. Noto soprattutto per la sua capacità di ideare monumenti pubblici di forte emotività – il più importante dei quali realizzato a Parigi, in Champ de Mars, a memoria del bicentenario della Dichiarazione dei Diritti dell'Uomo –, Theimer parte da un repertorio simbolico e figurativo che affonda le proprie radici nella storia dell'arte antica e negli archetipi dell'umanità, operando con modi, materiali e modelli opposti al costume artistico vigente, quello della Modernità. Le numerose illustrazioni a corredo del volume sono arricchite dalle fotografie di Aurelio Amendola, a testimoniare la formidabile capacità impattante delle opere di Theimer realizzate negli ultimi due decenni in varie città e piazze di Italia.

In occasione delle celebrazioni per il 250° anniversario della fondazione dell'Accademia di Belle Arti di Carrara, il volume prende spunto dai soggiorni artistici di Giovanni Antonio Cybei (Carrara, 1706-1784) – scultore abate e primo direttore dell'istituzione – per illustrare il ricco e variegato ambiente culturale delle città dove egli lavorò. Uomo di ampie vedute, Cybei si lasciò affascinare dal mondo della pittura, così che la sua arte fu caratterizzata da una sensibilità materica, acquisita grazie allo studio con Corrado Giaquinto e alimentata attraverso commissioni svolte assieme a Pompeo Girolamo Batoni e Giovan Battista Tempesti. Tale interazione rappresenta una componente essenziale della sua produzione, in linea con gli intenti della scultura barocca, che fin dall'origine lanciò una sfida aperta alla pittura, arte mimetica per eccellenza. L'abate lavorò in importanti centri locali, ma anche in luoghi considerati minori, circostanza che consente di accendere i riflettori sulla variegata situazione dell'Italia e sulle sue numerose "repubbliche artistiche", territori capaci di committenze di primissimo piano, ingiustamente ancora poco considerate.

Il volume esplora trent'anni di ricerca artistica di Paolo Canevari (Roma, 1963), proponendo una selezione di sculture, disegni e installazioni che spaziano dalle prime realizzazioni nel solco dell'Arte Povera a quelle in gomma degli anni novanta, fino alle serie più recenti, Paesaggio e Constellation, parte del progetto in fieri Monuments of the Memory. Attraverso l'utilizzo di differenti media e materiali – dal disegno alla scultura, dalla performance all'installazione e al video – Canevari crea un linguaggio da lui definito Minimalismo Barocco, dove la forma e il concetto si costruiscono in un'alternanza di innumerevoli rimandi evocativi, per portare luce nei territori oscuri dell'uomo, inteso sia come individuo sia come umanità. Il volume, che celebra la prima retrospettiva dell'artista nel Regno Unito, presso la Cardi Gallery di Londra, è arricchito da un saggio inedito di Robert Storr, un breve racconto di Andrea Camilleri e due interviste con l'artista, una condotta da Shirin Neshat, l'altra da Robert Storr e Francesca Pietropaolo.

Giorgio Vasari, nel dare alle stampe le sue Vite degli artisti, consegnò ai posteri un ritratto esemplare di Raffaello, contribuendo ad alimentare la fama del pittore che, affermatasi fin da subito, crebbe nelle epoche successive. Il mito di Raffaello e della perfezione della sua arte, frutto del successo immediato delle sue opere, si consolidò anche in virtù della loro diffusione: le sue creazioni infatti raggiunsero i contesti più disparati - in Italia e in Europa - grazie soprattutto all'opera degli incisori che con le loro stampe ne consentirono una rapida circolazione, rendendole modelli inesauribili di forme e invenzioni. Lo studio accolto in queste pagine si colloca nel solco delle ricerche riguardanti l'irradiamento dell'opera di Raffaello, e ne verifica per la prima volta la fortuna nello specifico campo dell'arazzeria. Un'indagine approfondita, che parte dalla serie di arazzi più nota - derivata dai cartoni raffaelleschi e da quelli realizzati per la "Scola Nuova" dai suoi collaboratori - per contemplare tutta una serie di manufatti derivata dalle opere pittoriche, con una particolare attenzione agli affreschi realizzati a Roma nelle Stanze Vaticane. Tessuti nelle più grandi manifatture europee, questi prodotti permisero la diffusione dell'opera di Raffaello contribuendo, al pari della più nota pratica incisoria, al consolidamento e all'arricchimento della fortuna del grande artista rinascimentale.

Il volume riunisce le opere di oltre cinquanta artiste italiane che, in differenti contesti storici e sociali, hanno raccontato il proprio modo di abitare il mondo. Concepito come un'indagine aperta sul presente, il progetto Io dico Io - I say I intercetta alcune questioni fondamentali che hanno attraversato e attraversano oggi i femminismi contemporanei: disegna alleanze e affinità, tesse corrispondenze e relazioni simboliche, crea dialoghi intergenerazionali a prescindere dalle cronologie.

Il volume presenta il patrimonio storico e artistico custodito nel Museo dei Bronzi Dorati e della Città di Pergola, inaugurato nel 1999 nell'ex convento di San Giacomo. Protagonisti della collezione sono i celebri bronzi dorati rinvenuti casualmente a Cartoceto di Pergola nel 1946: uno straordinario gruppo scultoreo d'epoca romana, con rara doratura originale, tuttora oggetto di dibattito fra gli studiosi in merito alla sua identificazione. A questo eccezionale reperto fanno da corollario nel museo, insieme ad altri ritrovamenti archeologici del territorio, una raccolta di pitture e sculture locali realizzate tra il XV e il XVIII secolo, una raccolta numismatica, i cimeli di età risorgimentale e la collezione di incisioni dell'artista contemporaneo Walter Valentini, esponente dell'astrattismo lirico internazionale e originario della città.

Nell'Olimpo dell'arte di tutti i tempi uno scranno è occupato da Sandro Botticelli. Il maestro rinascimentale ha regalato alla storia delle immagini icone universali come la Nascita di Venere o La Primavera. In questo volume, una preziosa selezione di opere antiche corredate da schede critiche fa il punto sulle vicende di Sandro Botticelli dagli esordi alla Firenze splendente di Lorenzo il Magnifico, fino all'influenza morale del Savonarola. Più facce della stessa medaglia che Botticelli attraversa con la grazia della linea e l'esuberanza dell'invenzione. Ma la fortuna di Botticelli riverbera tra i secoli e oggi è parte della nostra memoria collettiva. Luchino Visconti, John Currin, Renato Guttuso, Valentino, Alfonso Cuarón, Cesare Tacchi, Giosetta Fioroni, David LaChapelle appartengono alla lunga schiera di artisti e creativi che hanno omaggiato Botticelli o hanno usato la forza delle sue icone per rimarcare il potere inesauribile e ambiguo della bellezza.

Dal dialogo e dall'amicizia tra l'artista Nino Rollo, ateo ma convinto del valore salvifico della scultura, un frate della comunità francescana, Padre Rosario, e un'amministrazione comunale illuminata, quella di Lequile, vicino Lecce, nasce nel 1983 il Monumento a San Francesco, una grande scultura-segnale in pietra, simbolo di valori civici e sacrali. Il volume documenta fotograficamente la messa in opera della scultura e ne illustra il senso mediante uno scritto dello stesso artista, “scultore pietrante”, come amava definirsi.