Silvana: Cataloghi di mostre

Un'intensa contrapposizione pittorica tra il Bene e il Male, prima intesi come entità metafisiche, poi osservati nel loro inverarsi, come rumorosissimi ed esplosivi motori della storia novecentesca. Oscar Di Prata (1910-2006) portò dal secondo conflitto mondiale e dalla prigionia un nuovo modo di guardare la pittura. Se, infatti, negli anni degli esordi, aveva cercato un confronto eclettico con Novecento, con l'astrattismo e con il cubismo, con El Greco e con i veneti del passato, la cognizione diretta del dolore, l'arte sintetica praticata direttamente ai margini dei campi di battaglia o nel lager indiano lo indussero a una necessità di verità spirituale, che passava attraverso l'estrema concentrazione di quanto aveva visto e sperimentato negli anni della formazione. Là sua espressione si apre progressivamente, a partire dalla base materica e proteiforme dell'astratto, a un completamento in chiave figurativa del dipinto, secondo un percorso di "scrittura automatica", che conduce l'empito espressionista al gioco delle associazioni dell'inconscio di matrice surrealista nonché alla grande lezione di Leonardo sul difforme della macchia portata a un'evidenza semantica. Il presente catalogo, oltre a offrire un'inquadratura stilistica delle opere, conduce il lettore attraverso il lessico simbolico di un artista che seppe ascoltare il Novecento, ricrearne il cupo o lacerante lamento, sempre con un'apertura verso l'Assoluto.

Crescita e consolidamento, consapevolezza e reciprocità sono alcuni dei termini che possono definire questa edizione. Dal panorama variegato degli artisti e dei linguaggi - cifre che caratterizzano il Premio - una miriade di informazioni che ci dicono tutto o quasi quello che vorremmo sapere da una selezione ad ampio e democratico spettro come questa e dicono, rispetto al futuro e al tema, che bisogna essere tenaci e crederci, perché si può incidere sul domani anche con concreta levità.

Giunta alla sua terza edizione, la rassegna "Gemme di Monza" promossa dall'Amministrazione comunale per valorizzare il patrimonio artistico della città, si apre a due dei "generi" di maggior successo nell'arte occidentale: quello dei soggetti mitologici e quello dei soggetti religiosi. Generi tra loro assai distanti dal punto di vista delle tematiche e dei contenuti, ma in qualche modo complementari nel manifestare da un lato gli orientamenti del gusto e lo svolgimento del linguaggio figurativo nel corso dei secoli, dall'altro nel riflettere e dare forma visibile alle istanze, ai valori, alle aspirazioni, alle credenze, in definitiva alla cultura e alla spiritualità della società nel suo lento divenire. Articolata in quattro sezioni, la prima dedicata ai temi mitologici, le altre tre ai soggetti religiosi (nell'ordine, alle raffigurazioni tratte dall'Antico Testamento, dai Vangeli e dalle vite dei santi), la mostra ospita 86 dipinti e sculture prodotti in un arco di tempo compreso tra il XIII e il XX secolo, con largo concorso soprattutto di opere tra il Cinque e il Settecento, ordinate in modo da creare precise sequenze narrative che permettano di cogliere i caratteri peculiari di ciascuna di queste tradizioni iconografiche e, al loro interno, le diverse interpretazioni dei singoli soggetti fornite nel tempo o, in uno stesso periodo, da artisti di diversa sensibilità.

Angiola Tremonti presenta in questo volume il suo lavoro scultoreo dell'ultimo decennio. Un corpus messo insieme con coerenza e impegno, nonostante le continue digressioni esterne (in particolare nella pittura). Fantasia e rigore, immaginazione e fermezza, sono gli ossimori entro cui si muove l'artista, dando vita a un universo magico abitato da figure fiabesche: corpi femminili in dolce attesa trasformate in alberi - le Mabille, creature soavemente amorfe che incarnano il principio vitale - conigli rappresentati con sembianze umane, e, ancora, tenere marmotte animate da una mano pensierosa. Il catalogo accoglie una ricca selezione di apparati iconografici e di testi critici.

Raccontare una vita d'eccezione, e insieme offrire la conoscenza del patrimonio più segreto della Casa Buonarroti, sono i due obbiettivi primari di questo volume. Nella dimora fiorentina della famiglia Buonarroti si trova un nucleo ricchissimo di materiale michelangiolesco, tanto vario e cronologicamente completo da rendere possibile, attingendo unicamente a questa fonte, un compiuto ritratto biografico dell'artista. Si percorre così, sul filo continuo della originale grafìa del maestro, la vita di Michelangelo, nato a Caprese, nel contado di Arezzo, nel 1475, e morto a Roma nel 1564. Si prende l'avvio dalle prime lettere e dalle poesie della giovinezza per giungere alla corrispondenza estrema dell'artista, ormai quasi novantenne, con il prediletto nipote Leonardo. L'emozionante sequenza degli originali michelangioleschi è affiancata da una scelta di dipinti, miniature, bronzi, medaglie, incisioni, volumi a stampa e sculture che commentano efficacemente il percorso biografico; e proprio su questa falsariga si collocano prove grafiche di alto impegno: carte d'archivio e disegni, scelti questi ultimi sempre con l'occhio fìsso al risvolto biografico, siano essi di figura, o di progetto architettonico e di fortificazione, o provenienti direttamente dai cantieri e dalle cave. È affascinante rintracciare in questo modo non consueto il filo di una vita così lunga e densa di opere capolavoro e di invenzioni supreme, di eventi e di alte committenze, di crucci e di meditazione.

Il volume documenta un'esposizione di Giuseppe Gavazzi (Marcoussis, Parigi, 1936), scultore, pittore e affermato restauratore, di cui sono presentate 35 opere in legno "non finito". Queste sculture testimoniano la più recente produzione dell'artista che dal 2006, seguendo un'intuizione suggeritagli dal critico Max Seidel - il principale sostenitore della sua opera - abbandona la terracotta per accostarsi a questo genere scultoreo, nonché ad ambiti tematici inesplorati fino ad allora, come la musica. Proprio intorno a questi temi si sviluppa la ricerca di Gavazzi documentata in queste pagine. Il volume accoglie i testi di Max Seidel e Marco Ruffini ed è completato da apparati biobibliografici.

Adalberto Mecarelli (Terni, 1946) ha realizzato, per gli spazi del Museo archeologico del Santa Maria della Scala di Siena, una serie di "opere di luce", documentate nella pagine di questo catalogo. Le installazioni consistono di fasci luminosi proiettati a disegnare forme scultoree sulle pareti e sulle volte, oppure indirizzati a rimarcare o trasfigurare elementi architettonici. L'opera di Mecarelli scaturisce dalla contrapposizione tra presenza e assenza, visibile e invisibile, luce e ombra e si rivela come racconta l'artista graziem "all'incrociarsi di una doppia luce, una diretta verso i nostri occhi, l'altra proiettante il nostro sguardo. Ciò che noi chiamiamo forma nasce da questo incontro". Il catalogo accoglie i testi di Jean Lauxerois, Alberto Olivetti, Marco Pierini e Romano Romani. Adalberto Mecarelli: maestro fonditore, vive e lavora a Parigi dalla fine degli anni sessanta. Partendo da una ricerca di chiara matrice concettuale è giunto alla formulazione di un linguaggio basato sulla smaterializzazione delle tecniche plastiche o pittoriche. Ha tenuto mostre personali in Italia, Francia, Stati Uniti.

Il volume accompagna una rassegna - ospitata parallelamente a Bergamo e a Roma - dedicata a Giuseppe Uncini (Fabriano, 1929 - Trevi, 2008) artista italiano celebre per le sue sculture in ferro e cemento, ma che nel corso della sua vita ha prodotto anche numerosissime opere su carta. L'intento della rassegna, ampiamente documentato in queste pagine, è proprio quello di far conoscere questa produzione, meno nota ma altrettanto suggestiva. Nel volume, dal taglio monografico, sono riproposte oltre centocinquanta opere su carta, inedite e mai esposte, che vanno dal 1958 al 2006, e che annoverano matite, tempere, acquerelli, terre e alcuni collages. In alcuni casi si tratta di schizzi e progetti di opere poi tradotte in scultura, che offrono dunque interessanti spunti di riflessione sulla genesi dell'opera d'arte. Negli altri casi si tratta di opere autonome, di grande bellezza, che testimoniano l'estrema versatilità dell'artista. Il volume accoglie i testi di Giacinto di Pietrantonio e Franco Fanelli, ed è completato da apparati biobibliografici.

A vent'anni dalla caduta del Muro di Berlino e nel decennio contrassegnato dalla crisi del mondo occidentale una ridefinizione del ruolo dell'opera e dell'artista è d'uopo. In questo decennio in cui si verificano la perdita dell'innocenza e l'appiattimento delle soluzioni espressive, che tanto hanno caratterizzato il passaggio di fine millennio, la risposta artistica sembrerebbe risiedere nel recupero del valore intrinseco dell'opera. L'avvento dei nuovi media non ha infatti prodotto solo linguaggi diversificati e forme d'arte alternative, ma sta trasformando radicalmente le forme e i codici di tutta l'arte contemporanea, superando finalmente l'impasse postmodernista. Arrivi e Partenze Europa viene pubblicato quale indispensabile complemento e integrazione alla mostra tenuta alla Mole Vanvitelliana di Ancona. Un ricco corredo di immagini illustrano le poetiche di 69 artisti che hanno significativamente connotato il recente panorama internazionale; i saggi dei due curatori, Andrea Bruciati e Walter Gasperoni sono accompagnati da una esaustiva appendice di apparati, comprensiva delle schede tecniche relative alle opere e del curriculum dettagliato di ciascun autore.

Il volume presenta una selezione di opere di giovani artisti, studenti delle Accademie di Belle Arti di Catania e Palermo, in mostra alla Fondazione Puglisi Cosentino di Catania (13 dicembre 2009 - 24 gennaio 2010). "Pre-visioni", curata da Daniela Bigi e Ambra Stazzone, vuole offrire una panoramica di quelli che possono essere attualmente ritenuti "gli artisti di domani": i giovani presenti in mostra, nove per ciascuna Accademia, esprimono le tendenze e le ricerche artistiche più attuali, sviluppando - seppure in alcuni casi ancora in maniera embrionale - linguaggi e poetiche che lasciano "pre-vedere" prospettive di successo all'interno del sistema artistico contemporaneo. Il volume accoglie i testi delle curatrici.

Per secoli le Colonne d'Ercole hanno rappresentato ora il limite dell'umana conoscenza ora il confine geografico del mondo: nec plus ultra, guai varcarle! A spingersi oltre fu Carlo V, il quale spostò i bordi dell'Orbe Cristiano oltre Atlantico, più in là nello spazio e nel tempo: per questo "plus ultra" appare sul suo stemma e per questo i sovrani spagnoli continuano a fregiarsene. Tuttavia fu Francis Bacon, il filosofo inglese, colui che infranse i confini mentali dell'uomo occidentale, ampliandone l'orizzonte intellettivo, e a ragione "plus ultra" fu il suo motto. Per noi plus ultra vuol dire America fra Conquista e Indipendenza e oltre; vuol dire Barocco al di là della matrice europea, rappresentazioni religiose oltre la tradizione ispanica, arte latinoamericana oltre il barocco... Insomma vuol dire oltre gli schemi e i pregiudizi con cui gli abitanti del Vecchio Mondo hanno guardato e guardano il Nuovo.

Il volume accompagna una personale della giovane artista Sonja Quarone (Vigevano, 1972), che presenta una serie di lavori realizzati dal 2007 a oggi, incentrati sui temi dell'infanzia, del ricordo e delle inquietudini che da esso scaturiscono, strettamente legati all'universo femminile dell'artista. Attraverso una serie di oggetti - abiti e accessori, fotografie e ritagli, peluches e giocattoli, lingerie e parole scritte a mano, tutti rivestiti da resina - Sonja Quarone ricompone l'universo di una memoria perduta, che rimanda sia alle sue esperienze personali, sia a quelle vissute da ognuno di noi. Antonio d'Avossa, curatore della mostra e autore del testo in catalogo, commenta: "oggetti d'affezione e d'infanzia si accumulano per attivare la narrazione di una storia che è quella di tutte le donne e di tutte le bambine e adolescenti. In questa 'ricerca del tempo perduto' le opere di Sonja Quarone danno voce e visione a tutti i ricordi che abbiamo dimenticato".