Silvana: Cataloghi di mostre

Il volume, pubblicato in occasione della mostra tenuta presso il Museo Morandi di Bologna dal 10 febbraio al 6 maggio 2012 a cura di Simona Tosini Pizzetti, contribuisce a restituire la meritata attenzione alla figura di Carlo Mattioli (1911 -1994), svelando al pubblico l'opera di un artista visionario e sfuggente a ogni tentativo d'inquadramento in una precisa appartenenza alle avanguardie del suo tempo, autore di una delle più originali esperienze nella storia della pittura italiana del secolo scorso. Proseguendo nella vocazione a ospitare mostre temporanee, tese ad accostare l'attività di Giorgio Morandi all'opera di altri grandi maestri protagonisti del Novecento, il Museo accoglie l'incontro tra le opere di questi due artisti, che furono ripetutamente avvicinati per le analogie di un processo immaginativo che trasfigurò il frammento di natura in una visione di pura forma, e di una vicenda esistenziale schiva e appartata, consumata in una solitaria dedizione al lavoro artistico.

Inquieto, eccessivo, Adolfo Wildt (Milano, 1868-1931) è il fastoso crepuscolo della scultura, se per scultura s'intende l'antica opera sul sasso, il colpo, e la pazienza della levigatura. Coltissimo e estremo anche nel virtuosismo, è l'ultimo maestro, con quel tanto di artigiano, di umile mestiere che sta nella parola, ma anche di alto e reverente. All'arte del marmo ha dedicato l'ultimo trattato e l'ultima scuola, dove accanto ai corsi d'accademia dava per prima cosa da scolpire un uovo, nocciolo di una forma esatta trasformata in senso, e stranamente analogo, anche nell'umile ripetizione dell'esercizio, a quell'"Inizio del Mondo" con cui il genio arcaico di Brancusi, cancellando in un gesto ogni storia e ogni stile, inaugurava a Parigi l'alba di un'arte nuova. Wildt, invece, a Milano salvava tutto: stile e storia, simboli e letteratura, dei, eroi, santi, celebrazione e monumento. Estraneo al mondo delle avanguardie e altrettanto a disagio nel conformismo artistico del primo Novecento, Wildt corrispose a fatica col suo tempo e quasi nulla con quelli successivi, ma è forse proprio in questo solitario anacronismo il salto che lo collega al nostro tempo: in questo suo essere tutto e senza luogo, classico e gotico, manierista e barocco, frammentario e giustapposto come le fotografie dei monumenti antichi che Aby Warburg, nella biblioteca di Amburgo, accostava allora su quelle tavole dove andava fondando un altro senso dell'arte e della storia.

Leonardo e Michelangelo, due geni a confronto. Entrambi mitizzati, amatissimi dal grande pubblico, ma forse anche poco capiti. La grande mostra che i Musei Capitolini dedicano a questi giganti del Rinascimento, di cui dà conto il catalogo, permette di ammirare alcuni capolavori della loro produzione grafica provenienti, in massima parte per Leonardo dal celebre Codice Atlantico della Biblioteca Ambrosiana di Milano, per Michelangelo dalla Casa Buonarroti di Firenze, le istituzioni italiane che conservano i due maggiori nuclei della loro produzione manoscritta e disegnata. Ma l'occasione si presta a proporre un gruppo di autografi anche in relazione alla presenza dei due artisti proprio a Roma, dove entrambi soggiornarono a intervalli per diversi anni, attirati da papi e mecenati. Il volume fa dunque il punto sul rapporto che Leonardo e Michelangelo instaurarono con la memoria dell'Antico, con i grandi cantieri del tempo - San Pietro, la decorazione della Cappella Sistina e della Cappella Paolina - mettendo in luce i loro studi e i loro interessi artistici, tecnici e scientifici. Meritano di essere ricordati alcuni celeberrimi disegni di Leonardo, scelti tra i suoi più famosi studi di meccanica, d'arte, d'ingegneria militare e d'architettura, e lo straordinario studio d'insieme di Michelangelo per il Giudizio finale. A corredo delle opere in catalogo è riproposto, nel volume, un fondamentale saggio di Luciano Berti sui disegni di Michelangelo della Casa Buonarroti, oltre ai testi critici dei due curatori.

La mostra "L'intreccio dei viaggi. Premio Termoli 2011" ha scelto di valorizzare la collezione della Galleria Civica d'Arte Contemporanea di Termoli, nata dalle acquisizioni fatte nella lunga storia del Premio, con una selezione delle sue opere più importanti messa in dialogo con i lavori di alcuni artisti contemporanei, per costruire un intreccio metaforico tra passato e futuro che lega la grande e multiforme esperienza di continuità dell'arte italiana. La selezione qui presentata permette infatti un percorso attraverso diverse fasi della storia dell'arte del Novecento nel nostro Paese, dal secondo dopoguerra in poi, e comprende alcuni dei suoi massimi esponenti: dall'astrattismo alla Scuola di Piazza del Popolo, dal Gruppo Uno all'arte ambientale e a un citazionismo ironico e multiculturale, esperienze che hanno donato suggestioni e soluzioni che continuano a essere efficaci nelle opere di artisti più giovani. Il volume, con un testo del curatore, è completato da apparati biografici.

Gionata Xerra (Piacenza, 1961), è un affermato artista che si serve del mezzo fotografico per offrire un'interpretazione del mondo fortemente soggettiva, segnata più che dalla documentazione della realtà, da una sua invenzione. Lavorando sulle diverse percezioni di uno stesso soggetto, Xerra crea immagini capovolte, sovrapposte, rese spesso indecifrabili dall'intervento dell'inchiostro trascinato dalla macchina: visioni insieme reali e fantasmatiche, che entrano nell'ambito di una percezione personale, e che sembrano appartenere ai territori del ricordo, della memoria e del sogno. Un risultato ottenuto grazie a una padronanza assoluta del mezzo e delle tecniche fotografiche, che offre uno spunto di riflessione proprio sull'importanza della tecnologia entrata ormai prepotentemente nella nostra vita. Il volume dunque, attraverso i testi di Walter Guadagnini, Giuseppe Di Piazza e Stefano Mainetti, avvicina il lettore al lavoro di Xerra e, attraverso la forza espressiva delle sue immagini, prova a raccontare il rapporto tra il quotidiano vissuto delle persone e la tecnologia.

Il catalogo, edito in occasione di una mostra personale alla Galleria Civica Ezio Mariani di Seregno, presenta il percorso artistico più recente di Antonio Ievolella (Benevento, 1952) scultore campano di origine, ma padovano d'adozione. Dell'artista, che ha sempre dimostrato predilezione per opere monumentali, sono qui documentati, insieme alle sculture, anche alcuni progetti: carte preziose, in cui emerge la sua vena più pittorica, dove le linee severe si uniscono alla luminosità dei colori e alla concretezza dei materiali, abilmente inseriti a collage per non interrompere quel fecondo dialogo con la materia che ha sempre ispirato la sua produzione. Il volume accoglie un testo del curatore e apparati biografici.

Dalla fine del XIX secolo fino alla sua morte nel 1917, lo scultore francese Auguste Rodin fu probabilmente l'artista più famoso nel mondo occidentale. Celebrato in numerose esposizioni in Europa, ottenne il favore dei governanti, degli aristocratici, dei politici, degli uomini d'affari e delle celebrità, da Buenos Aires a Praga. La sua personale notorietà lo rese oggetto di ammirazione ed emulazione, e per decenni esercitò una profonda influenza nell'arte americana, grazie soprattutto all'interessamento di mecenati come Sarah Hallowell e Isabella Stewart Gardner. Pubblicato in occasione di una grande mostra al Cantor Arts Center dell'Università di Stanford, questo importante studio dedicato all'influenza di Rodin in America annovera sculture e acquarelli di grande qualità, molto ammirati dai giovani artisti americani. Ma l'attenzione del volume è anche rivolta al lavoro di scultori americani, come Malvina Hoffman e Lorado Taft, e di artisti che lavorano sulle due dimensioni, come il fotografo Edward Steichen e la pittrice Georgia O'Keeffe, che offrono un chiaro esempio dell'influenza di Rodin e delle successive tendenze artistiche che ne decretarono il superamento. In quasi 400 pagine, Rodin in America offre dunque un'accurata disamina di un aspetto poco conosciuto dell'arte americana, e dà risalto al prezioso contributo di Rodin come scultore.

Questo volume, dal taglio monografico, presenta le opere più recenti di Silvio Wolf (Milano, 1952), l'artista che ha trasformato l'immagine fotografica contemporanea, giungendo, grazie all'utilizzo di luci, suoni e videoproiezioni, alla creazione di vere e proprie opere ambientali dal forte impatto sensoriale. Nel volume sono documentati i cicli di opere fotografiche Soglie (immagini simboliche di architetture), Orizzonti (astrazioni del linguaggio fotografico) e Icone di Luce (apparizione e scomparsa dell'oggetto-immagine), attraverso le quali viene esaminato il rapporto di "soglia" fra reale visibile, superficie e soggetto, una tematica particolarmente cara all'artista. Segue la presentazione delle installazioni site-specific e della permormance realizzata per la mostra al Pac di Milano, il cui esito - fortemente coinvolgente per il pubblico - sintetizza trent'anni di attività. Il volume accoglie i testi di Giorgio Verzotti e un'antologia critica di altri autori.

Il volume accompagna la seconda edizione della Biennale di Castel Sismondo a Rimini, quest'anno dedicata alla scultura. Attraverso una selezione di ventuno artisti, il catalogo offre una panoramica di opere di grande impatto, che spaziano dallo studio della figura umana a lavori ispirati al mondo animale e alla tecnologia, dalla contaminazione dei materiali alla rappresentazione degli oggetti interpretati di volta in volta in maniera simbolica, surreale, onirica, spesso anche ironica.

Questo volume, dal taglio monografico, è dedicato all'artista trentino Riccardo Schweizer (Mezzano di Primiero, Trento, 1925 - Casez, Trento 2004), protagonista della ricerca artistica internazionale, dagli anni cinquanta del secolo scorso fino all'alba del nuovo millennio. Il catalogo riprende alcuni importanti momenti dell'avventura creativa di Schweizer: per prima la pittura, dai colori accesi e dalle intense forme monumentali, realizzata negli anni cinquanta, quando fu attivo a Venezia e poi nel sud della Francia, a stretto contatto con Pablo Picasso e con altri artisti che frequentavano la medesima regione, come Fernand Léger, Marc Chagall, Henri Matisse e Le Corbusier. Seguono le prove di scultura, dalle terrecotte 'picassiane' degli esordi al vetro e alla ceramica, e i grandi progetti architettonici, in cui la volontà e la capacità plastica di Schweizer si esprimono compiutamente abbracciando l'arte murale, la decorazione di interni e la progettazione di ambienti complessi, culminati con la significativa impresa di decorazione per il Palais des Festivals et des Congrès di Cannes.

Il volume documenta l'edizione 2010 del Premio Marco Magnani, un riconoscimento annuale assegnato alla giovane arte e ai giovani critici/curatori dall'omonima associazione sarda intitolata all'intellettuale sassarese Marco Magnani. Il vincitore del 2010 è Stefano Romano che ha curato la collettiva Fragments from nowhere. La mostra presenta le diverse visioni della realtà espresse dagli artisti invitati. Una realtà, un paesaggio, che non è più mera documentazione di un luogo, ma riflessione critica su di esso. Un paesaggio di un nuovo luogo, o meglio di nessun luogo, cioè di tutti i luoghi immaginabili. Un percorso dunque che sostituisce lo spazio del reale con lo spazio del possibile, e che è documentato nelle pagine di questo catalogo. Artisti: Kristine Alksne, Giovanni De Lazzari, Andrea Galvani, Francesco Pedrini, Eugenio Tibaldi, AdamVackar.

150 anni fa nasceva l'Italia. In occasione delle celebrazioni in programma per festeggiare questo storico anniversario, un volume - la cui pubblicazione accompagna una grande esposizione ospitata alla Reggia di Venaria - traccia un percorso, all'insegna della bellezza, che va dall'antichità alla vigilia del 1861, attraverso le "capitali culturali" pre-unitarie: Torino, Firenze, Roma, Milano, Venezia, Genova, Bologna, Napoli e Palermo. Oltre 350 opere illustrano le peculiarità di ciascuna di queste città che, in diverso modo rappresentative dei differenti destini e delle particolari identità delle regioni cui erano a capo, furono chiamate a diventare Italia. Ogni capitale viene così rappresentata da splendide opere d'arte e documenti in grado di caratterizzarne l'identità, mostrando parallelamente le diverse anime che il nuovo stato italiano ha ereditato dalla storia della penisola. Se Torino rappresenta la Corte, Firenze è la fondatrice della lingua e delle arti, mentre Roma è la gloria dell'antichità classica e dell'autorità religiosa; Milano è la città di Leonardo, dell'Illuminismo e del dialogo con l'Europa, Venezia il ponte verso l'Oriente, Genova la capitale finanziaria nell'Europa della Controriforma, mentre Bologna brilla per il prestigio della sua Università. Infine la Napoli degli Aragona, dei Borbone e di Caravaggio e la Palermo di Federico Imperatore e dei Vespri siciliani, evocativi dell'epopea risorgimentale.